"Биндюжник и Король", ТЮЗ города Красноярск на сцене Et Cetera, 11.04.2017

О, я была приятно удивлена. Я была очень приятно удивлена. «Биндюжник и Король» оказался действительно очень качественным, вкусным, хорошо поставленным спектаклем, где нет ничего лишнего, все очень современно, красиво и талантливо. Однозначно, это заявка куда сильнее, чем ранее виденный мною «Белый. Петербург», пусть даже это кажется странным. Вот так Красноярский ТЮЗ громко заявил о себе. Очень радостное удивление. Получается, что драма в провинциальных театрах часто совсем не очень, зато мюзикл бывает весьма достойным. Уже второй год я могу сделать такой вывод.

Спектакль этот выполнен минималистично, важен здесь свет, цветовые решения, декорации. Первое, что напоминает «Биндюжник и Король» по оформлению – это «Сказки Пушкина» Театра наций, только, конечно, несколько проще. Декорации, световые решения, даже движения выполнены очень графично и почти строго, свет часто играет с музыкой, как и движения актеров. Декораций здесь минимум, они обозначены условно, что придает нереальности, какой-то сказочности (даже, может, элемент притчи или мифа, как иллюстрация в книге) и комичности происходящему. Интересен здесь грим – у всех выбеленные лица как маски, грим вообще характерный, а костюмы достаточно простые и максимально подходящие к этим декорациям. Смена мест действия происходит достаточно качественно, однако часто с одним и тем же приемом бесед актеров в круге света по бокам сцены.

То, что трудно победить, надо возглавить. Могу предположить, что из этого исходил режиссер постановки, поскольку игра актеров зачастую – это гротеск, нарочито показанные эмоции и движения, переигрывание, так часто свойственное не столичным театрам. Только здесь это специально и это уместно. Гротеск и преувеличение здесь во всем: в движениях хора, в движениях солистов, даже в их позах. Каждому подобран подчеркнуто стереотипный образ, узнаваемый, выделенный, оттого смешной. Образы здесь тоже как иллюстрация: и девушка с косой, и гусар, и бандит – все узнаваемо, будто герои сошли со страниц книги.

Если в начале спектакля зрителю может быть трудно связать между собой большое количество героев и отдельных номеров, то постепенно действие выстраивается в единую историю. Герои так или иначе получают свои характеристики, и практически у каждого есть свой коронный выход. В центре истории семья евреев в дореволюционной Одессе, и сыграна эта история в знакомой и узнаваемой каждому на уровне подсознания манере. Никакой трагедии здесь нет, лишь игра, даже условно драматические номера вызывают скорее улыбку, чем сочувствие, но это задуманная реакция.

Актеры в этой постановке большие молодцы, они выглядят слаженной командой, каждый на своем месте и играет свою роль. Единственное разочарование – Беня Крик. Здесь совершенно безэмоциональный и картонный персонаж, менее всего похожий на короля преступного мира. Все его достижения – характерный грим. Хочется также отметить, что роли исполняют в основном возрастные актеры, что в некоторых эпизодах придает дополнительного колорита.

В спектакле использована музыка Александра Журбина (который, кстати, присутствовал в зале), для которой сделаны невероятные и современные аранжировки. Здесь и шансон, и попса, и рок, и романс. Место находится любым стилям. В некоторой мере, героям подобраны их собственные стили, манера. Вся музыка звучит очень интересно, не скучно, не застарело, а современно! Это не какой-то нафталин, а живая и яркая музыка.

Очень достойная, оригинальная, безусловно талантливая и современная постановка. Направленная на молодых, яркая, задорная вещь. Стиль выдержан, не разорван, декорации, костюмы, свет – все дополняет друг друга, как и хореография, как аранжировки, как игра актеров. Получилась вещь в большой степени режиссерская, продуманная, профессиональная. Конечно, можно говорить, что такой стиль не нов, но сделано все равно качественно. Не дорого и богато, но стильно и современно. Без лишних претензий на серьезность, но очень в правильной струе.

P.S. В Et Cetera звук в разы лучше, чем в МАМТе. Парадокс.

"Бал вампиров", МДМ, постановка Stage Entertainment, 19.04.2017

Уже традиционно сложилось, что мюзиклы Стейджа я смотрю на излете их проката весной, когда идут уже последние спектакли. Так случилось и с «Балом вампиров». Недавно виденная мною «Золушка» подарила на удивление множество хороших впечатлений и, к счастью, «Бал вампиров» продолжил эту линию.

Состав: Александр Суханов (Граф фон Кролок), Ирина Вершкова (Сара), Александр Казьмин (Альфред), Андрей Бирин (Профессор Абронсиус), Агата Вавилова (Магда), Олег Красовицкий (Шагал), Таис Урумидис (Ребекка), Ростислав Колпаков (Герберт), Леонид Шадрин (Куколь).

В «ночную» атмосферу МДМ погружает зрителя сразу: в зале откровенно темно, что создает мистическую атмосферу. Однако это решение спорное, так как создает и существенные неудобства. На сцене горит название мюзикла, чуть ли не парит в воздухе: этими кроваво-красными буквами. Все настраивает на мистический лад.

Поначалу это спектакль-обманка, где звучит вполне серьезная по настрою музыка, да и герои на клоунов не похожи. Но буквально первые минут 10 меняют это впечатление, заставляя понять всю иронию постановки: это и чеснок, развешенный вообще везде и на всех, и «грудастая» героиня, чье взаимодействие с прочими персонажами выглядит классической комедийной темой. Причем профессор и Альфред, несмотря даже на своеобразную манеру поведения профессора и очевидную неискушенность его ассистента, выглядят все равно чуть преувеличено, но в рамках принятого в театре. Окончательно настраивают на ироничный лад сцены с Сарой и ее отцом: первый исполняет типичнейшую песню про любимую и чистую дочь, приколачивая при этом доски к ее двери, то есть совершенно не символически сажая под замок. Вторая же, пусть и будучи барышней хрупкой, ведет себя провокационно, играет, а с Альфредом исполняет не просто номер, а сбор всех возможных стереотипов о влюбленных, включая «глаза-в-глаза», какой-то общий предмет и прочее. Условно-серьезный вампир граф фон Кролок, оказываясь во всем этом бедламе, тоже выглядит пародийно, а вовсе не маняще и провокационно.

Все это происходит на фоне будто пряничного домика, постоянно крутящегося туда-сюда. Декорация эта лишь в отдаленной степени напоминает картину мирной жизни, будучи постоянно нарушаемой чужеродными для мирной жизни элементами: диковатым слугой графа или тем же чесноком. Вместе с тем, ровно ни одного героя, кроме, разве что, Альфреда, нельзя назвать положительным: в каждом есть что-то порочное, ну или какая-то тайна. Ровно также ни одного представителя этой деревни нельзя назвать типичным простаком, повинующимся силе толпы: очень очевидно, что проблемы в деревне совершенно иные, нежели условные нравственные ценности.

Немалое значение для этой постановки имеет свет, причем в основном он важен для номеров вампиров. Кролоку он придает мистики, превращая периодически в гигантскую летучую мышь. Темень, взмахи рук и плаща, пронизывающий надменный голос – вот он граф. В противоположность деревне декорации его владений скорее непонятны, будто бесконечный лабиринт, производят впечатление древности и почти ветшания. Здесь много танцующих темных фигур, издалека производящих впечатление кишащего змеями или скорпионами моря. Проекции здесь тоже используются лишь для графа и его окружения, причем все строго черно-белые, ведь вампиров окружает ночь, и больше стилистические, чем четкие: зрителю приходится допридумывать место действия самостоятельно.

История эта совсем не о торжестве света, а об освобождении сущности людей, ведь пачками превращаясь в вампиров, герои становятся свободными, пусть и поют зачастую о недостатках вечной жизни, все равно развлекаются как могут. Едва ли хоть один из них жалел хоть о чем-то или о чем-то вспоминал: отцовская любовь здесь не более чем чувство собственника, проходящая, как только появляется иная забава, а иная любовь не более чем влечение или развлечение. Надо сказать, что характерами наделены здесь скорее уже древние вампиры.

Говорить о характерах, какой-то основной сюжетной линии постановки, пожалуй, и не стоит. Сюжетная линия здесь начинается, а дальше все больше скатывается в безумный и веселый хаос, где все больше не столько последовательных и держащих в напряжении сцен, сколько просто сцен любопытных. Поставленные цели не преследуются, так как просто утрачивают смысл. Характеры героев – это отчаянный и с куражом играемый набор штампов. Увлеченный наукой забавный профессор, его вечно удивленный и восторженный ученик, конечно, влюбленный. Чистая, но любопытная девушка, здесь с иронией даже не ведомая, а с удовольствием следующая. Хлюпик-папашка и мужеподобная мамаша. Грудастая крестьянка. Как бы трагичный и мистический вампир. И, сюрприз, очень странный его сынок. Любопытным персонажем является Куколь: немой герой в мюзикле – это очевидная ирония над самим жанром.

Немножко о персоналиях: совсем не понравился Александр Суханов как граф. Несмотря на прекрасный и очень красивый голос. Не хватило какой-то аристократичности, что ли, и еще было ощущение, что артисту физически неудобно петь то, что он пел, потому что получалось будто не в те ворота. Очень хотелось бы увидеть графа из первого состава, есть ощущение, что здесь проблема именно в «дублирующем» характере исполнителя. Ирина Вершкова-Сара понравилась по своей озорной игре, но создалось впечатление, что ей категорически не хватает голоса. Остальные мне понравились, особенно хочется выделить Ростислава Колпакова (Герберт). Этот артист не забывал играть ни на минуту, даже если внимание и акценты были не на нем, тем самым, оживляя своего персонажа. А уж как он двигается! Очень круто танцует, правда. Под впечатлением. Очень понравились Александр Казьмин и Андрей Бирин. Альфред получается действительно убедительным таким недотепой, но искренним, переживающим. А профессор… Как Андрей перенял пластику, как его профессор двигается, говорит, ставит акценты. А уж его песни-скороговорки! Мне кажется, он говорил быстрее, чем я могла понять. Очень хорошая дикция и очень качественно сделанная роль.

Хочется отметить общую подготовку всех участников постановки. Здесь много трюков, и очень многие завязаны на артистов. Как ловко умудряется спускаться Альфред без всяких лестниц и, похоже, без страховки. Как ловко профессор оказывается закрепленным, когда висит на своей одежде, и как ловко потом открепляется без малейшего отрыва от действия! Как эффектно сделано, что вампиры не отражаются в зеркалах: очень хорошая синхронность танцоров параллельно солистам, лишь при приближении видны маленькие расхождения. Как хорошо двигаются все: и солисты, и танцоры.  Как играет свет, какую атмосферу создает и как обманывает зрителя!   

Музыка в постановке понравилась: временами игривая, временами торжественная. Показалось, что она абсолютно безжалостна к исполнителям, и им далеко не всегда удобно ее петь. Здесь очень хорошо справился Бирин со своими выходами, Казьмин и Колпаков. Есть быстро запоминающиеся мелодии. Понравились богатые костюмы и декорации, в которых совсем нет перебора, но нет и излишней скромности.

Производит впечатление танцевальный финал, роковый финал, где все реально становятся свободными, только на сей раз не вампирами, но рокерами – этими любителями протеста. Видимо, есть что-то близкое у первых и у вторых. А чего они все хотят? Лишь зажечь!

В общем, мне очень понравилось. Настрой, артисты, сама постановка. Наконец-то в ней чувствуется душа, а не просто глянцевая калька. Единственное, что смазало впечатление – это недостаточно убедительный граф, хотелось бы кого-то другого увидеть, но в целом очень круто.

"Рассказы Шукшина", Театр Наций, 21.05.2017

«Рассказы Шукшина», как известно, один из самых популярных спектаклей Москвы. Театр Наций играет его регулярно, но попасть туда за относительно вменяемые деньги не так-то просто. Но мне повезло, пусть и на сей раз пришлось идти одной, но когда меня это останавливало. «Рассказы Шукшина», помимо всего прочего, получили множество Золотых Масок в свое время, что тоже о чем-то говорит. В частности, это лучшая мужская и женская роли, и лучший спектакль.

Ну что сказать…Основа спектакля – это абсолютный минимализм. На сцене стоит длинная скамья, а за ней в ряд четыре декорации-фотографии. Казалось бы, мы уже стали привыкать к экранам и проекциям, причем не только в мюзиклах, но и в драматическом театре (скажем, «Юбилей ювелира» МХТ им. Чехова или «Август» Театра Маяковского). А здесь что-то вроде предшественника – большие фотографии, которые, тем не менее, настолько выразительны, что производят впечатление и создают ощущение присутствия не меньше, чем экраны. Однако ощущение сопричастности создают, прежде всего, актеры – лучшие из лучших. Нет, они не ходят по залу, достаточно маленькому, между прочим. Но они на сцене настолько живые и убедительные, что не поверить им невозможно.

Пусть Евгений Миронов имеет Маску за роль в этом спектакле, я все же считаю, что солирует в «Рассказах» не он. Женщины здесь много круче. А главная и лучшая из женщин – Чулпан Хаматова! Ее перевоплощения – это нечто. Она легко переходит от соблазнительной цацы к старушке, а от старушки к глухой девушке. Вот она второстепенна, она рассказчица, лузгающая семечки, а вот она в центре действия. Глядя на нее, забываешь об остальных. Она так меняется, что становится буквально другим человеком, с другими жестами, голосом, движениями. Такие преображения! Я не помню более многогранного актера в рамках одного спектакля. Вместе с тем, я бы охарактеризовала эту актрису как актрису со слезами в глазах. Это у нее есть, пусть даже она умело это прячет. Чулпан прекрасна. Точка.

Евгений Миронов тоже меняет образы как перчатки, однако он узнаваем всегда, и нет такого потрясающего эффекта полного преображения. Может, мужчинам сложнее преображаться, чем женщинам? Не знаю, но этот спектакль поставлен именно на женщин. Даже когда в центре истории мужской персонаж, он всегда связан с женщиной, которая немедленно выходит в центр повествования так или иначе. Мужчины в этом спектакле слишком часто, очень часто наблюдатели, часто безвольные, забавные, меняющие свое мнение под воздействием ветра. Мужчины в этом спектакле боятся той власти, которую имеют над ними женщины. Мужчины здесь падают к женским ногам и все, все делают ради женщин. Мужчины здесь куда чаще недотепы, чем женщины. Конечно, здесь есть и женские странные персонажи, но все же таких мужских здесь больше.

Здесь простые камерные сюжеты, простые камерные истории, а действие разворачивается все на той же скамейке, по которой ходят, на которой сидят, лежат: делают, что угодно. Герои умилительно трогательны и умилительно трагичны. Их истории маленькие, это крошечные истории незаметных людей. Но их переживания, их боль, их горе или их радость удивительно понятны зрителю. Потому что это человеческие эмоции и человеческие переживания. Да, характеры, может, по-театральному преувеличены, но они понятны. В каждом маленьком эпизоде маленькое или вырастающее в большое человеческое переживание, часто имеющее причиной что-то тоже малозначимое. Что-то такое, что расстраивает или радует каждого из нас в повседневной жизни.

А еще все это сделано таким деревенским… Эти герои часто не молоды, а если молоды, то непутевы. Будто город вымывает из деревни лучшее, потому что просто нормальных персонажей, обычных здесь попросту нет. Городские довольно беззлобно, но противопоставляются деревенским, они более циничны, ну а деревенские более искренние. Деревня – это природа, это приближение к земле, потому и герои здесь проще, простодушнее. Все происходящее сопровождает убаюкивающая народная музыка, то просто звучащая на сцене, то напеваемая или играемая самими актерами.

Хочется отдельно отметить то, как мастерски происходит смена образов, костюмов и даже грима актеров и актрис. Ладно, они часто переодеваются или носят парики. Но актрисы то с накрашенными ресницами, то нет, то с накрашенными ярко-красным лаком ногтями, то этот лак уже стерт! Как только успевали менять костюмы, макияж: ума не приложу. Потрясающе. Костюмы здесь достаточно простые, но в этой простоте есть красота и лаконичность. Минимум средств, но максимум эффекта.

Из актеров, исполняющих второстепенные образы, запомнились многие. Это и классический «бугай» Дмитрий Журавлев, играющий иногда вполне ученого человека (парадокс), это и Александр Гришин, появляющийся в множества образов, и удивительно красивый, но чаще здесь играющий непутевые образы Александр Новин, и уж совсем часто клоун-неудачник Павел Акимкин. А также перевоплощающиеся от красавиц в ведьм и обратно Юлия Свежакова, Наталья Ноздрина.

Минусы, к сожалению, тоже есть. Зал в Театре Наций не слишком удобный, хоть подъем на балконе вполне приличный. А еще когда актеры играют бабушек или дедушек, не всегда просто разобрать слова, да и просто в действии тоже. То ли акустика (хотя показалось, что она в норме, точно с МАМТом не сравнится – там жуть), то ли занятые здесь киноактеры стали терять этот навык театральной речи.

Конечно, заметно, что этот спектакль на сцене много лет, сейчас в моде будто другое. Этот спектакль нейтрален, он не заигрывает и не говорит с современностью. Он теплый, спокойный, умиротворяющий. Даже примиряющий с действительностью. Есть, конечно, постановки, которые понравились мне много больше, но не признать, что «Рассказы Шукшина» - удивительный спектакль, я не могу.

"Стена", Приморский академический краевой драматический театр на сцене ЦАТРА, 12.06.2017

Та самая "Стена" Мединского

Ой, друзья, этот спектакль – «Стена» Приморского академического краевого драматического театра имени Горького – подарил мне множество положительных эмоций. Я давно так не смеялась, постфактум, правда, на спектакле не очень удобно, но непроизвольный жест рукалицо накрывал меня постоянно. Конечно, это не совсем тот эффект, на который рассчитана постановка, но иначе «Стену» воспринимать невозможно. Это должно было быть прекрасно, и было.

Собственно, почему это было прекрасно. А оцените весь пафос момента: Театр Российской армии, патриотический спектакль про защиту Смоленска от поляков да по книге министра нашего Мединского, да в День России. О, я чувствовала, что получу массу эмоций. Министра нынешнего, кстати, не было, но был один из самых примечательных прошлых: Михаил Швыдкой, который в финале поднялся на сцену. А еще вышла неувязочка: аншлага и близко не было, да и тяжело заполнить огромный зал ЦАТРА, даже согнанные солдаты и курсанты не смогли создать иллюзию полного зала. Они были! Не верьте, если пишут обратное! Заняли как раз несколько рядов за моим местом и еще на противоположной стороне. Частично ушли ближе к финалу первого акта (отбой?).

А теперь, собственно, про «Стену». Владивостокцы привезли свой прекрасный (правда) занавес, весь расшитый правителями России. Когда он поднялся, на сцене оказались сначала какие-то то ли цари, то ли бояре, а затем и мужчина в камуфляже, зачитывавший что-то вроде главы учебника. Читал он молодежи в совершенно обычной одежде и даже майках с надписями типа Rammstein, которые сидели, собственно, у той самой стены. Стена семь километров, представляете! Ух! Молодежь воспринимала лекцию равнодушно и с почти скучающим видом, а затем удалилась, чтобы больше на сцене не появиться, и началось само действо.

Действо поставлено «в лоб», с абсолютной серьезностью и присущим пафосом. Почти все оно происходит так или иначе у стены. О, стена заслуживает внимания! Выглядит это нечто как нелепая картонка, собранная из нескольких частей, которые то и дело перетаскивали то солдаты, то артисты, но признаю, что достаточно незаметно, и это плюс постановки. Особо стена в действии не участвует, так, где-то на заднем плане или переднем, да не суть. Она не играет. Она то разъезжается, то стоит вместе, то вовсе переворачивается наизнанку. Тут отдельное рукалицо. С обратной стороны стена выглядит как обратная сторона декорации, но не как декорация сама. Смотрится как грязь и огромный жирный минус спектакля. На обратной стороне болтаются какие-то то ли веревки, то ли еще что: обычные рабочие элементы. А используется это лишь для проекции огромной иконы на эту стену. Увы, это решение для меня встает в один ряд с самыми…гм…любопытными придумками театров: Лев Толстой в лаптях и с ежедневником, огромные сапоги и громыхающие ванны, летающие топорики (кто читал мои рецензии, помнит). 

Стены как чуть ли не единственной декорации на всю огромную сцену ЦАТРА откровенно не хватает (а зал у самого приморского тетра, судя по схеме, совсем небольшой), декорации просто не способны нормально заполнить пространство, в результате ощущение пустоты постоянное. А еще и оставшиеся решения более чем странные: используются проекции, но в странной смеси условности и мультяшности с…подписанием мест и происходящего (например, «Смоленск» или «Сон Варвары»). Зачем это, почему важно, я так и не поняла, выглядит как «для тупых». Когда экран, на который проецировались картинки, поднимался, зритель прекрасно мог увидеть на заднем плане горящий проход двери и надпись над ней «Выход». Ой, господа, кто не догадался закрыть дверь и потушить табличку, не ведаю, но это недопустимо категорически. Прочие элементы декора достаточно скромные: некое подобие телеги, некое подобие бани, да и деревянные то ли иконы, то ли что-то подобное, и все. Конечно, мало этого для сцены ЦАТРА.

Костюмы – это очень любопытный разговор, который вызывал во мне ступор и ставший уже привычным жест. Напоминаю, постановка «в лоб». Соответственно, женщины в сарафанах и кокошниках в наличии, мужчины чуть более стилизовано, но ненамного, а еще священники в черных рясах, с наклеенными бородами и с огромными крестами. Первый вопрос, который у меня возникает: есть там такая героиня бойкая Катерина, так разгуливает она долгое время в чем-то вроде стилизованных под рыцарей одеждах, в штанах точно и с мечом. Это нормально? Нет, правда, такое было возможно? Обычная девушка, вроде. Второй: мне просто ужасно глаз резал герой на стороне Смоленска в современных вполне очках и в кожаном с молниями (!!!) плаще, будто купленном в ближайшем ТЦ. Кто он, я так до конца не поняла, но почему он так одет?! Что за нелепость? Тут как-то стиль единый надо выбирать, а не такое разнообразие почти на любой вкус. И это все на фоне постановки и костюмов «как должно быть». А вот поляков одели всех в белое, тоже с молниями, видимо, в противоположность пестрым русским. Хотя прямо сильно цветовое разнообразие в этом спектакле не используется.

В этой постановке беда страшная с пьесой (сценарием) и с режиссурой. Видимо, роман господина Мединского – произведение объемное. Перенести его на сцену, судя по всему, хотели как можно полнее. Это сыграло очень злую шутку. Героев очень много, запоминаются, прямо скажем, не все, у каждого сценического времени минимум. Если верить аннотации, то центральной должна была стать детективная линия, но она ограничилась лишь потрясанием кусками некой карты и поиском сокровищ, легенда которых особо рассказана зрителю не была, так что и зачаровать она не могла. Детективная линия оказывается еще очень затерта всякими мелкими и малозначимыми сценами вроде боев всяких ниндзя у поляков (!!!!) или сцен в бане у русских, ну и пафосными разговорами, больше смахивающими на исторические хроники. Эта линия не пронизывает буквально каждое действие, не сплетаются все линии воедино, не складывается головоломка, каждая линия существует будто отдельно. Следить в результате неинтересно, да и может ли быть интересно, если об этой линии вспоминают только потому что надо.

Есть еще любовная линия, чуть более интересная, но вызывающая чувство глубокого недоумения. В самом начале нам заявляют главную пару, которая потом резко перестает быть вообще интересной авторам, затем на сцене снова парень из пары и еще какая-то женщина (а мы и первую не успели запомнить), еще мальчишка, а потом и еще один человек. Совершенно непредсказуемо, нечитаемо для зрителя случается еще один роман, точнее, он заявлен, но лишь так, что вот есть он, и все. А потом девушка уже предупреждает нового любимого об опасности. Ты думаешь: наконец-то, интрига, на чем-то сосредоточимся! Но герой цели достигает неизвестно как, но в следующие 5 минут. Галопом по европам.

Польская тема – это вообще. Если мы говорим о противостоянии, то главный что у русских, что у поляков должен хоть какие-то эмоции испытывать, а не просто благолепие. А польский главный выглядит настолько уставшим, будто ему совсем ничего не надо, и он просто сидит на троне. При этом каким-то образом где-то трагедии и войны. С поляками вообще забавно: то у них ниндзя и супер-бойцы, которых потом обязательно кто-то побеждает, а тема их поражения далее развития не имеет, то у них главный вроде и не главный. Он обращается к своему подчиненному, мол, я надеюсь, ты попа не убьешь, это его работа (выражение-то какое – работа!!). А подчиненный в ту же минуту убивает. Откуда это неповиновение? Если уж подданные своего короля не слушают, почему русские должны? Где опасность, от него исходящая? Или специально выбран образ немощи в противовес русскому богатырски выглядящему воеводе, чтобы гордость испытать? Дешево. 

Как я уже говорила, развития в постановке не имеет толком ни одна линия. Народу на сцене СЛИШКОМ много, и очень пестрого. Напоминает «День выборов»: «Всю труппу займу!!». Главные актеры, вроде, особо с толпой не смешиваются, но такое количество массовки откровенно лишнее. Стройно выстроенных массовых сцен я и не припомню. Бросилось в глаза, что часть общих песен, как показалось, исполняли под фонограмму, что позор, но во втором действии кто-то пел и вживую, нацепили гарнитуру. Поразительный при этом эффект: очень часто на сцене остаются 2-3 актера, действий которых откровенно не хватает, чтобы занять зияющую пустоту.

Не продуман здесь второй план и действия актеров, когда они не в центре внимания. Я люблю наблюдать за актерами, когда они не в центре действия, и часто это очень увлекательно.  А здесь? Стоят столбиком себе и смотрят, словно та же стена. Опять много разговоров без действия, почему? Очень много бессмысленных и затянутых сцен. Сцены с боями похожи на хвастовство: а еще так можем, вот какими трюкам нас научили, но бои все равно смотрятся фальшиво, даже несмотря на перекидывание через голову. Причем сцены эти очень длинные, неоправданно длинные. Трудно еще отследить судьбы героев во многих массовых сценах: героев там просто нет. Вот прошло какое-то нападение, массовка изобразила гибель, а ни один главный герой во всем этом безобразии не участвовал. Кстати, бои и тому подобное происходили без какой-либо логики, случилось, и все. Ну и всякие подвиги тоже. А уж путешествия из одного лагеря в другой происходили так же легко, как сейчас путешествие их Москвы в Питер, например.

Не поняла я и с использованием художественных средств. Начнем с того, что у нас был мужчина в камуфляже, видимо, рассказчик, однако закадровый голос (киношный прием) в постановке почти не использовался, как нет и героя-ведущего типа Гренгуара в НДДП или Бошана в МК. Хорошо, от первого лица. Но с какого тогда перепуга героиня Варвара в один момент все играет-играет, и вдруг начинает зачитывать текст про себя от третьего лица?! Сыграть зачитанное не может? Это может быть приемом и интересным, но тогда должно встречаться чаще одного раза в спектакле. А в финале вообще стали выводить дальнейшую историю титром на экран, как в кино частенько бывает, но в использовании этих киношных приемов здесь стройности нет, не вписаны они, а прочитать я, например, не успела из-за плохого зрения. Почему титры в тишине? Не проще ли было зачитать их торжественным голосом?

Финал мне не очень понравился. По идее, это ироничное завершение истории, но как-то не чувствуется вся эта ирония, насмешка судьбы, воспринимается все более чем равнодушно.

Актеров и героев в постановке много, а вот интересных, цепляющих, выпуклых образов нет. Все очень плоские и очень формальные. А еще и игра, простите, на уровне даже не ДК колхоза «Красный лапоть», а на уровне школьной самодеятельности. Просто видно, что режиссер сказал повернуться здесь, актер поворачивается, поклониться здесь – кланяется. Ненатурально, несвободно, фальшиво. Сказал режиссер интонацию ироничной сделать – сделал. Это так бросается в глаза! Привело все это к отсутствию хоть какого-то очарования персонажами. Я их даже поверхностными не назову: они картонные, как та самая стена. Русские воющие почти все одинаковы или вообще не понятны, польский король немощен. Кому тут очаровывать? Молодые герои шаблонны. Нет ни одного персонажа многогранного, поведение которого предполагало бы что-то сложное, у которого элементарно были бы эмоции. А тут и любви нет, и ненависти нет, сплошное равнодушие. Даже над условно забавными героями смеяться не получается, настолько все наигранно. Во многом проблема не только в актерской игре, но и в маленьком количестве времени, в маленьком количестве ситуаций, где актеры могли бы раскрыть свои образы, все же бегом. Однако это разве препятствие: при возможностях и в таких условиях можно было бы сделать образы (некоторые, например, тот же Андрей) такими, что закачаешься.

Мне кажется, главная проблема постановки все-таки в неумении сосредоточиться на чем-то одном. На первый план надо было выводить либо противостояние с поляками, и тогда делать упор на противостоянии, эмоциональном, напряженном с сильными притягательными образами с обеих сторон, либо выводить любовную линию, и тогда развивать молодых, их проблемы, стоящие перед ними преграды, а Смоленск и поляки – фон. Получилась бы вкусная трагедия. Можно было бы делать детектив, и опять Смоленск – декорация, тогда надо было бы вводить обаятельных персонажей, которые бы эту детективную линию вели, или развивать имеющихся, но не как бы. А получилось все и сразу, то есть не получилось ничего. Центральной идеи нет, что сказать хотели, и сами не поняли. Может, разве что донести в очередной раз, насколько у нас великая страна.

А еще есть мелочь, которая и улыбнула, и огорчила. Зал очень оживился на фразе, что, когда приходишь в Россию, логика умирает. Жизненно, но ведь и грустно, так как говорит, что умирает здравый смысл. Чему тут радоваться?

Впрочем, есть и то, что мне понравилось. Актеры старались, правда, играли так хорошо, как они могут. И как глоток свежего воздуха Максим Вахрушев – студент ДВГИИ. В нем еще нет такого количества штампов, пока он еще сохранил свободу. Очень желаю ему большого успеха.

Разница с московским уровнем колоссальная. Просто очень. Реально я не жалею, я правда смеялась и очень. Это очень познавательно. До этого я видела региональные спектакли на «Маске», и надо признать, что там уровень выше. Вместе с тем, если музыкальный театр в городах России может быть очень даже интересным, то про драматический пока, по своему опыту, я этого сказать не могу. Но, может, мне пока не везло? В любом случае, в копилку моего театрального опыта эта «Стена» пошла.

Чтобы было еще одно мнение - МК: http://www.mk.ru/culture/2017/06/13/spe … yazhe.html

Здесь же немного фоток, чтобы понять масштаб бедствия.

"Лукреция Борджиа", Комеди Франсез на сцене МХТ им. Чехова, 23.06.2017

Моя весенне-летняя одержимость театром продолжилась спектаклем знаменитого «Комеди Франсез» «Лукреция Борджиа» на сцене МХТ им. Чехова. Первое, что удивило, так это сильно не полностью проданный зал, что, наверное, можно объяснить высокой и весьма стоимостью билетов. А второе – совершенно чудесная сотрудница театра, которая проверяла билеты при входе в бельэтаж и помогала найти свое место. Она активно и до конца защищала вверенную ей территорию от непрошенных гостей с балкона, руководствуясь весьма симпатичной мне логикой: «У меня зрители на плохих местах сидят, а я вас на первый ряд пущу? Вот когда все пересядут, тогда приходите». В результате, зрители бельэтажа реально пересели в его рамках поближе, а людей с балкона почти и не было вовсе.

Спектакль мне очень понравился, хотя это, конечно, сложно: следить за актерами и параллельно читать перевод. А говорят здесь много и активно: то ли в русском драматическом театре просто не обращаешь на это внимания, то ли сказывается некая многословность Гюго, чья пьеса была представлена. В описании говорилось, что это весьма мрачный спектакль, и он, конечно, не веселый, но и не то чтобы очень мрачный. Основные тона, в которых оформлены костюмы и постановка в целом – белый и черный цвета, с редкими вкраплениями красного, который иначе как цвет убийственного вина Борджиа или цвет крови не воспринимается. Вместе с тем, в спектакле есть некая живость, которая исходит от молодых героев, которые в самом начале рассказывают о злодействах знаменитого семейства будто рассказывают сказку или легенду, только страшную. Эти же герои только и умеют в дальнейшем веселиться, не думая об опасностях, хотя вся созданная на сцене атмосфера будто говорит о том, что верить нельзя ничему и ни на секунду нельзя расслабиться. Они воспринимаются так…как воплощение самой жизни, которая есть везде, в любых обстоятельствах, как росток, пробивающийся сквозь камень.

Здесь используются совершенно восхитительные декорации, которые предстают на сцене то венецианской гондолой, то домами в Ферраре, то дворцом, то танцевальным залом. Ощущение погружения абсолютное: какие-то витиеватые решетки, свет, создающий атмосферу отблесков воды в венецианских сценах, затемненный танцевальный зал с огоньками горящих канделябров…. Очень аккуратная и ненавязчивая смена сцен, да и многие сцены к тому же многоуровневые: вот Лукрециа наблюдает за Дженарро и его друзьями, а вот уже он сам общается со своим другом на каком-то балкончике, в то время, как с другой стороны тоже происходят действия. Есть здесь и параллельные сцены, когда на первом плане одна пара героев, и вот они погружены во тьму, и на первый план выходит другая.

Как я уже упоминала, костюмы героев оформлены в черно-белой гамме, за исключением всего нескольких. Как же ощущается этот французский шарм в этом оформлении, в этих костюмах! Красное платье появляется на сцене ближе к финалу, и оно само по себе – плохое предчувствие, ведь до того красным было лишь отравленное вино.  Активно используются маски: такие, что издалека не всегда очевидно, что на лице актера маска, она сливается с лицом, и ту же Лукрецию ее маска обезображивает, превращая в чудовище. Гробами для умирающих героев в финале тоже служат маски, что наталкивает на мысль о том, что гроб скрывает умершее тело, а маска скрывает умершую душу. А может, все проще, и здесь следует искать отсылку к посмертной маске, не знаю, или вовсе речь о том, что для Лукреции совсем не важно, кто ее очередные жертвы.

Хочется отметить и хореографию: то, как двигаются актеры, как поставлена та же сцена бала. Как очевидный сумбур молодой попойки, но четко поставленное действо. Есть здесь сцена с двумя детективами, следящими за герцогом и за герцогиней. В какой-то момент их движения абсолютно синхронны, они будто тень друг друга.

В этом спектакле есть место и юмору: временами мрачному, временами циничному, но очень своевременному. Люди в своем общении не обходятся без шуток, и эти герои тоже не обходятся. Герои очень эмоционально зачастую выражают свои эмоции, подтверждая и жестами, и мимикой свою речь, что достаточно забавно. А бывает, что слова героев или их ситуации вызывают ту же улыбку. Ирония же основного сюжета слишком трагична, чтобы быть забавной.

Теперь, наконец, о героях. Основных всего четыре: это сама Лукреция, ее муж, молодой человек Дженарро, а также помощник Лукреции Губетта. Эльза Лепуавр в главной роли приковывает к себе и не отпускает, настолько разную героиню она играет. Вот она страдающая и почти хрупкая женщина, которая сходит с ума от материнской любви, мучается, не имея возможности открыться, и ей почти веришь, и перечисление Губеттой обреченных Лукрецией на смерть выглядят как какой-то сюрреализм, ведь как может в одном сердце быть и свет, и такая тьма. В сцене, когда молодежь узнает Лукрецию и ей в лицо перечисляет ее грехи, она раздавлена, она слаба, и жаль ее, а не ее жертв, но уже спустя мгновение Лукреция говорит о мести, и почему-то становится жутко, становится понятно, что она не зря внушает ужас.

Мы видим Лукрецию и в жуткой, уродливой сцене ее возмущения, ненависти, неоправданной жестокости, когда она хочет крови ради крови, и вдруг перед нами чудовище, кормящее своих демонов и становящееся одним из них. Она бушует, рвет и мечет, а ее супруг холоден и спокоен, он побеждает Лукрецию ее же оружием и ее же желаниями, и вот эта змея уже извивается перед мужем, а он лишь наблюдает и играет с ней, доказывая, что она попала в ловушку. Да, ее имя вызывает ужас, она могущественна, но лишь до тех границ, которые ей обозначает ее супруг, и это ее злит. На фоне такой чудовищной злобы, исходящей от красивой в сущности женщины, ее попытки спасти и помочь, ее бесконечная любовь начинает выглядеть фальшиво. Точнее, это чувство, которое вдруг проснулось у той, которая отродясь ничего не чувствовала, не умела чувствовать ни к кому и никогда. По сути она сама яд, она губит все, до чего дотрагивается, но разница в том, что сейчас она от этого не получает удовольствия.

Как правильно было упомянуто в программке, верный помощник Губетта действительно выглядит как отражение уродливой души, и этот немолодой, неприятный приспешник, не умеющий творить добро, существующий в зле страшен и забавен одновременно. Он единственный знает, но не понимает (или наоборот?), все страдания своей госпожи, но он само зло, он ведет свою жестокую игру, но не понятно зачем. Просто он любит страдания, он любит причинять боль, а иных мотивов у него нет. Он может казаться забавным, он порой мимикой показывает что угодно и какие угодно вещи, порой почти кривляется, но он зло во плоти, и это способно напугать.

Дженарро, пусть и открытый, и страстный, и честный, но здесь скорее функция, человек, которого любит своею уродливой любовью Лукреция Борджиа. Однако повторюсь, он человек, он на Лукрецию не похож ни внешне, ни внутренне, он умеет любить, умеет дружить, его сердце открыто и благородно.

Финал жесток и ироничен, вот оно – живое воплощение уничтожения всего, что дорого. Можно сказать, что Лукреция своею безумной любовью сгубила объект своей любви, потому что она умеет лишь отравлять, а не спасать. Она всегда несла горе и смерть, и сейчас опять, потому что другого нести не умеет, не может. Ирония в том, что, не умея никогда любить сама, не умея испытывать чувства, она не приняла в расчет, что другие их испытывают, что для них эти чувства могут быть очень важны, что они порой сильнее чувства самосохранения. Ее неумение испытывать человеческое при внезапно проснувшейся материнской любви – ее наказание. Она – яд, уничтоживший противоядие. Она слишком сильно стремилась к нему, что не спаслась сама, но уничтожила свое спасение. Ее не жалко, потому что, несмотря на перепады своего настроения, она – чудовище, и в этом не может быть сомнений.

Это действительно очень профессиональный спектакль, хотя бы по своей манере очень сильно отличающийся от всего, что идет у нас. Не знаю уж, особенность ли это постановки, но французы играют более театрально, чем британцы, но все же они свободнее, чем наши актеры. Все сделано с таким шармом, с таким вкусом… Серьезный настой спектакля может быть разбавлен шуткой или движением, а веселость может пропасть в один миг. Прекрасно, что мы имеем счастье видеть такие спектакли, и я очень рекомендую все-таки сходить на спектакли Чеховского фестиваля, пока есть такая возможность, это того стоит.

"Амфитрион", Мастерская Петра Фоменко, 02.10.2017

Насколько меня разочаровал «Капитан Фракасс», настолько и даже больше мне понравился «Амфитрион». Впрочем, это было предсказуемо: французская команда, профессиональная труппа театра сделали свое дело. Необычный, креативный, нескучный спектакль, причем еще и недлинный (кстати, на том же Чеховском фестивале иностранные постановки длинными не были, что обратило на себя мое внимание). Креатив начинался даже с программки, которая выполнена в виде зеркала, в котором отражается название спектакля.

Вообще оформление в этом спектакле просто волшебное. Центральным элементом, как нетрудно догадаться, является зеркало, причем расположенное под таким углом, что создается ощущение, что зритель смотрит на героев сверху, будто с небес, где должны жить боги – герои этого спектакля. Зеркало вполне двигается, и ощущение это при необходимости меняется. Зеркало создает атмосферу, иногда создавая ощущение отражения даже не в себе, не в зеркале, а на водяной глади, придавая некоторую нереальность происходящему. Зеркало часто главный элемент, когда смотреть надо именно в него, ибо просто на сцену бессмысленно, например, тот же нарисованный домик Созия ближе к финалу. Зеркало создает атмосферу некоторой заповедности, интимности, например, когда в нем отражаются кругом выставленные горящие свечи: это уже почти не спальня, а даже жертвоприношение.

Здесь я немного отвлекусь и скажу, что совсем недавно видела зеркало в «ГрозаГроза» Театра Наций, но там этот прием и близко не имел такого эффекта, не использовался, не играл. Здесь, конечно, все гораздо более продумано, вкусно, профессионально.

В спектакле активно задействованы спецэффекты, в частности, дым. На сцене его порой столько, что все скрывается в этом артистическом дыму, что позволяет исчезнуть актерам, а вкупе с двигающимся зеркалом зритель будто оказывается в каком-то мистическом месте: то ли это облака, то ли какое странное болото. Простой прием, но насколько здесь эффектный. Не менее простой прием и поднимающийся изнутри сцены стул с артистом, который создает ощущение, что видим мы порождение зла, Дьявола, хотя в данном спектакле это не совсем так. Или так? Учитывая не совсем добрые поступки этих богов к людям, чем они добро, а не зло?

Хочется отметить восхитительно созданные сцены: актеры ни минуты не замирают, они играют, за ними интересно наблюдать. А первая сцена – почти мимическая, ведь произносимый Ночью и Меркурием текст так трудно воспринимать, но актеры его так отыгрывают, что оторваться просто невозможно. Каждое слово здесь сопровождается действием, одно вытекает из другого – плавно, аккуратно, эффектно. С одной стороны, зеркало несколько отгораживает зрителя от происходящего, от актеров, некоторые элементы их игры подчеркнуто театральны, как и интонации, с другой - актеры идут в зал, там взаимодействуют со зрителем с пугающей достоверностью, чуть ли не стреляются, залезают на ручки кресел, что полностью неожиданно для любого зрителя.

Костюмы здесь строги и лаконичны, идеально сочетаются с не менее строгим оформлением спектакля. Действительно, почти магический круг из свечей хорошо сочетается со строгим платьем, но не подходит к платью «пух и перья». Созию, чтобы быть забавным, вовсе не нужен костюм шута, а богам для их величия не нужны королевские одежды.

В этом потрясающем спектакле, построенном на обмане богами простых людей, на завладение богами чужими личностями заняты актрисы-близнецы сестры Кутеповы. Удивительно, но их героини единственные, какие не перепутаны между собой, не изменены, не подменены. Их героини чуть ли не самые театральные, и они как бриллианты сверкают на строгой диадеме-спектакле. Их сходство вызывает любопытный эффект, не прямой, но эмоциональный, как относительно понятной является и связь их судеб: так или иначе обиженные своими мужьями, страдающие, но гордые. Одна госпожа, другая служанка, но боги решили посмеяться над обеими почти в равной степени. Глядя друг на друга, они по сути смотрят в собственное отражение. Как в некотором роде и их мужья, точно так же одинаково обманутые. Удивительная ирония в игре этих близнецов-актрис. Потрясающие Полина и Ксения, они – центр этого спектакля, его сердцевина.

Невероятно понравился Карэн Бадалов в роли Созия. Потрясающая юмористическая роль. Какое перевоплощение в забавного труса, хитреца, сколько пластики в движениях этого проворного слуги! Он абсолютно убедителен и невероятно обаятелен! Он как …хорек, шныряющий туда-сюда, не слишком положительный, но, в целом, и не плохой. Просто замечательно сыгранная роль: так часто Созий на сцене один, и долго один, но смотреть на него невероятно интересно.

Остальные роли сыграны не менее профессионально и качественно, но не произвели столь сильного впечатления.

Конечно, это спектакль-заявка. Восхитительный, умный, оригинальный: такая нескучная классика и не классика одновременно. В этой постановке однозначно чувствуется заграничная рука, но и от актеров зависит очень многое. Советую убедительно посмотреть «Амфитрион». Это действительно великолепно.

"Гордость и предубеждение", МХТ им. Чехова, 15.10.2017

Я наконец дошла до «Гордости и предубеждения» - настоящего мюзикла на сцене одного из лучших драматических театров Москвы. Надо сказать, этот самый драматический театр представляет постановку не под запись музыки, как любил некогда один музыкальный, а под шикарный живой оркестр, а в самом зале совершенно замечательный звук. МХТ вообще один из любимейших театров, чего уж там.

«Гордость и предубеждение» - материал для освоения достаточно сложный, потому что ставить это серьезно просто нелепо, но как же тогда? На мой взгляд, Алексей Франдетти смог найти просто идеальный баланс. Все эти «розовые сопли» в прямом смысле слова здесь розовые и зефирные, но стеб над темой очень даже доброжелательный и не злой. Герои и особенно героини ходят в сумасшедших розовых одеждах с розовыми же цветами, манеры, балы, предрассудки – все это иронично и смешно, да еще и растворено в розовом сиропе. Здесь множество чудесных режиссерских находок, как та же выплывающая в «Стоунхендже» Кэтрин де Бург с посохом или делающая ножкой Элизабет в момент долгожданного поцелуя. Так неожиданно, забавно и мило. И совсем не заштамповано.

Переживания главных и не очень героев происходят во время бесконечного бала цветов, под красивую и необязательную музыку на фоне бесконечной зелени английского поместья, которая при определенном движении декораций вдруг напомнила…сапоги. Воплощением всего цветочного здесь однозначно является Миссис Беннет в очень удачном комедийном исполнении Лики Рулла. Вот уж где громкое, временами грубоватое пение актрисы пришлось как нельзя кстати. Миссис Беннет – это одна огромная клумба в цветочном платье, цветочной шляпе, под которой вообще не видно волос, а некоторые из ее дочек донельзя напоминают стайку птичек, которые около клумбы кружат. Лика очень органично вживается в образ грубой, плетущий простенькие интриги женщины, которая, в связи с понятными, в общем-то, обстоятельствами, становится еще и меркантильной.

Говоря о романтических парах, не могу не упомянуть Джейн и мистера Бингли. Искренность этой пары просто подкупает, а, глядя на Валерия Зазулина, невольно вспоминаешь Александра Казьмина в «Бале вампиров» в очень схожей роли. Им уделено совсем немного внимания, но любовь актеры играют очень убедительно, именно такую первую и чистую, любовь сердцем и душой. Очень теплая пара.

Элизабет (Дарья Авратинская) и мистер Дарси (Станислав Беляев) – пара куда более холодная, но обладающая не меньшей актерской «химией», чем младшие их коллеги. Гордая и искренняя в своих суждениях Элизабет покоряет с первого взгляда. Этот строгий и оценивающий взгляд холодных глаз, гордая осанка, и в то же время плохо скрываемые переживания по поводу такого же гордого, на первый взгляд, Дарси… А еще и проблемы с многочисленными родственниками, глупой мамашей… Дарси же, в свою очередь, здорово меняется по мере развития спектакля: от гордого на грани нахальства человека до мучающегося в любовной агонии влюбленного. Конечно, и в финале он так же узнаваем по своей природе, но все же укрощен. Мне очень понравилась Дарья Авратинская, про Стаса Беляева я вообще молчу: очень разноплановый актер, никогда бы не подумала, что из него так классно получится мистер Дарси, но ведь получился! Повторюсь, что Стас очень убедительно играет эту перемену от почти презрения до слепой любви, не бросая, тем не менее, основные черты своего персонажа, далеко не однозначного.

Безусловная удача – второстепенные персонажи. Александр Емельянов – едва ли не единственный во всем актерском составе спектакля, кто не имеет никакого отношения ни к МХТ, ни к театру Табакова, ни к Школе-Студии МХАТ (если верить программке). Его Джордж Уикхем вроде и красив, и держится благородно, но вызывает глубокую неприязнь чуть ли не рефлекторно, и если это не отражение натуры самого актера, если он так сыграл, то он просто невероятно талантлив. Появления Кэтрин де Бург в своем выплывающем Стоунхендже – всегда улыбка. Мария Зорина играет иссыхающую ведьму, Шапокляк в одном лице, и делает это и комично, и пугающе. Впрочем, ее Кэтрин – как хищник в клетке: она может лишь грозить, но что-то сделать бессильна. Интересно, что Кэтрин тоже скорее в фиолетовом, чем розовом, что в некотором роде перекликается с Элизабет и в чем-то демонстрирует ее вероятное будущее. Невозможно не отметить Кирилла Трубецкого – манерного и почти неприятного мистера Коллинза. Его прыжочки, манера речи, периодически костюмы – это что-то.

Оценив персонажей, оформление хотелось бы вернуться к постановке, ее сценарию в целом. Хочется отметить, что, несмотря на неочевидные сюжетные линии (а какими еще могут быть романтические интриги), авторы смогли расставить акценты так, что сюжет абсолютно понятен даже не читавшему оригинал зрителю, ничьи мотивы не потеряны, никакие вопросы не забыты. Возможно, чуть не хватает пары сестер, но это несущественно. Очень понравились тексты, я так понимаю, тоже дело рук Алексея Франдетти. Наконец-то не безликое нечто, что последнее время часто звучит в мюзиклах, а очень даже яркие слова, броские фразы, добрая ирония. Все на месте. С зефиром Алексей и команда тоже не переборщили: им явно свойственно и чувство меры, и чувство вкуса. Хотя здесь все такое розовое-розовое, это четко выдержанный стиль, ирония, стеб, и правда талантливый стеб. Никакой драмы или серьезности: все почти в ритме бала, с улыбкой, радостью, почти играючи. Серьезно это было бы нелепо.

Очень профессионально и безусловно талантливо. Исполненный великолепными артистами МХТ или имеющими к нему отношение, мюзикл получился более чем полноценным, что даже не хочется делать никаких скидок на «драматический» характер театра. Все правильно и все хорошо. Звук великолепный, оркестр живой, артисты достойно поющие. На сцене красота и цветы. Все получилось. Поначалу может показаться скучноватым, но потом реально разыгрываются как-то! Нет, это не мега-шедевр, но это вполне выше среднего. И здесь точно есть душа.

"Ромео и Джульетта", ледовое шоу Ильи Авербуха, МСА Лужники, 02.11.2017

Что ж, несмотря на все неудобства, связанные с закрытием удобного выхода метро «Спортивная», я все же решила не пропускать «Ромео и Джульетту» на льду. Все-таки это универсальная история, да и был же раньше очень любимый одноименный мюзикл на сцене Театра Оперетты. А в составе певцов этого ледового спектакля пара человек из того мюзикла были указаны.

Помнится, мне вполне понравилась «Кармен» Ильи Авербуха, но и сейчас в целом было не хуже. Первое, что меня удивило, так это подход дать отцу Лоренцо (Алексей Тихонов) микрофон и как бы показать историю с его точки зрения. Это скорее удачный ход, чем нет, если сделать скидку на то, что Алексей – фигурист, а не актер. Из таких вот условно безымянных и сквозных персонажей еще запоминается Чума, причем совершенно прозрачно, почему («Чума на оба ваши дома!»). В остальном это постановочно обычный спектакль, совсем без откровений.

Здесь довольно много массовых сцен, что я не очень люблю в шоу Авербуха, гораздо больше предпочитая сольные номера фигуристов или пар. Впрочем, в РиДж массовые сцены оправданны и нужны: в них должна быть эта ненависть, выжигающая душу вражда, перманентные битвы как основных героев, так и безвестных представителей кланов Монтекки и Капулетти. Несмотря на то, что персонажи даже на шпагах сражались, в целом, массовые сцены получились сумбурно, а вот этого ощущения ненависти не было. Единственная массовая сцена, которая реально понравилась – это сам бал, где встречаются Ромео и Джульетта, а точнее, понравился переход от сольной сцены пары к массовой, когда вокруг героев вдруг возникает хоровод, движение: это смотрится очень эффектно. Но в целом, на льду часто слишком много массовки, среди которой теряются солисты. Если уж массовая сцена есть, то пусть она будет выстроена максимально стильно, графично, пусть в ней будет мысль, а не просто элементы на льду. Пусть все это будет похоже на танец, как в тех же мюзиклах, на которые шоу Абербуха пытаются быть похожими. В конце концов, в его руках профессиональные спортсмены.

Как обычно, хочу поругать за трюкачество и гимнастику на льду. Вот не люблю категорически. Я же иду на ледовый спектакль, а все эти прыжки через голову и висения на лонжах – нет, не мое, лучше бы этого не было. А в РиДж подобное еще и категорически не в тему. А похвалить хочется за ряд очень интересных сольных номеров. В первую очередь, это очень музыкальный, цельный, хорошо выкатанный номер Ильи Кулика (Парис) при встрече с четой Капулетти. Вот очень здорово. Вроде, и ничего особенного, но все точно, все в музыку, все интересно, а еще и тройные лутц и флип прыгает до сих пор! Очень понравился номер Романа Костомарова (Тибальт), когда его наполняет ненависть. Здесь и музыкальное сопровождение сложилось, и он сам очень хорошо, что прямо мурашки по коже.

Теперь об исполнителях. Ромео и Джульетта. Молодая была немолода (с). Ну что тут скажешь… Татьяна Тотьмянина и Максим Маринин до сих пор в классной форме, как показалось, а выбросы тройной риттбергер делают как раз плюнуть. Странно видеть фигуристов за тридцать (или сорок?) в роли юных влюбленных. Впрочем, Татьяна изо всех сил пытается вписываться и соответствовать, и у нее это частенько получается. Да, она бывает нежной. Мне понравилась очевидная символика в образе и номерах Джульетты с куклой как символом детства, с фатой как символом замужества и взрослой покорной и несвободной жизни, в руках героини превращающейся в веревку. Впрочем, в ее Ромео мне особо ничего не понравилось. Единственный настоящий момент, который зацепил – это сцена дуэли, смерть Меркуцио – вот там в перманентную ненависть Ромео вдруг веришь. А в остальном какой-то усталый герой…

Я уже упоминала, как мне запомнился Тибальт, и это чуть ли не лучшее, что есть в этом шоу. Роман Костомаров очевидно хорошо чувствует своего героя, подверженного страстям, искреннего в своей вражде. Метущийся и ненавидящий образ, очень сильный. Алексей Ягудин как Меркуцио впечатлил гораздо меньше. Мне в нем что ли хулиганистости, задора не хватило, он был слабее как образ на фоне Тибальта… Прыгал, кроме тулупа, еще лутц, насколько помню, но хуже, чем Кулик. Относительно новые участники всех этих шоу Татьяна Волосожар и Максим Траньков в роли герцога Вероны и его жены. Определенно, они на своем месте. Единственная пара, которая делала подкрутку (показалось, что тройную, но в дальнем конце катка, да я и моргнула), еще был выброс-риттбергер, Таня выехала, но хуже второй Тани. Максим в роли главного в Вероне смотрится великолепно: власть, необходимость как-то мирить две семьи - пожалуй, все это в Максиме есть. Роль Тани Волосожар тут менее очевидна, может, она как своеобразная утешительница для леди Монтекки и леди Капулетти, не знаю.

Собственно, из двух семей мне больше импонировала чета Капулетти. На мой взгляд, достаточно яркая пара, и взаимодействовали с Джульеттой очень убедительно. Роль Кормилицы (Яна Хохлова) очень маленькая и комедийная, а Яну в этой роли совсем не узнать, я даже огорчилась. Бенволио-Максим Шабалин настолько в маленькой роли, что даже сказать нечего. Из маленьких, но важных ролей, выделяется однозначно Чума. Оксана Домнина просто великолепная. Такая обволакивающая, вездесущая. Но чего мне не хватило, это какого-то жеста характерного для Чумы, когда она забирает очередную жизнь или ставит очередную метку. Например, могла бы дарить свой поцелуй обреченным. И обязательно быть с Ромео и Джульеттой в их самые светлые моменты, но где-то на заднем плане. Отец Лоренцо, как уже упоминалось, такой сквозной персонаж, который рассказывает историю. Наверное, это все, что о нем можно сказать… Лаура (Мария Петрова) – это, конечно, важное его воспоминание, но почему-то не зацепило, да и создало вопрос: он же священник, какая Лаура?..

Если говорить о финале, то в нем не было эффектной точки, а именно было смазано примирение сторон. Традиционная песня о любви, но вот именно мир двух враждующих домов – не было его, и это очень огорчило.

Совсем забыла написать про оформление – костюмы. Очевидно, что разделение кланов должно быть, в костюмах оно читается (красные и синие), но не во всех и не всегда. У того же Тибальта костюм черный, а не красный, да и прочие часто элемент цвета теряют. Это, кстати, портит и эффект от сцен вражды, потому что нет очевидности, кто за кого. В случае с Ромео и Джульеттой цветовое оформление костюмов тоже часто теряется. Думаю, был бы смысл каждому из кланов иметь хоть какую-то вещь, какую-то повязку своего цвета в любой абсолютно сцене. Здесь вопросы и к Чуме. Она красная, а это цвет клана Капулетти. Было бы ей правильнее быть черно-белой, серой, но не красной. В освещении тоже такое разделение имело бы смысл обыгрывать.

Теперь о музыке и певцах. Были Евгения Рябцева, Анна Лукоянова, Роман Графов и Руслан Ивакин. Предсказуемо, но обидно, что Стаса Беляева не было, видимо, они с Романом – переменные. Музыка показалось совершенно не выдающейся, вторичной, часто без акцентов. Наверное, если я слышу, что у нас ледовый мюзикл, я хочу больше песен. Здесь я бы даже была рада переносу стационарного мюзикла на лед. Да как угодно. А не вот эти полторы песни. Которые, к тому же, перемежаются со знаменитыми мелодиями, к которым композитор Игнатьев точно не имеет отношения. Впрочем, это и в «Кармен» было. Те, что есть, песни здорово проигрывают РиДж, что шел в Оперетте, у этих характера совсем нет. Забавно, но есть здесь и своя «Вражда», которую поют две четы Монтекки и Капулетти, но я совсем не могу ее вспомнить, кроме как то, что она есть. Кстати, возвращаясь к солистам. Хоть Графов и не Беляев, но здесь прямо очень понравился, в отдельных сценах был во много раз более убедителен как Ромео, чем фигуристы на льду. Я бы на него в этой роли и на сцене посмотрела. Хорош, правда.

Еще сразу хочу сказать о продолжительности: все 3 часа, с учетом поклонов. Мне не кажется, что затянуто, просто далеко до метро идти, в Москве все основные площадки для ледовых шоу/соревнований далеко от метро, это надо учитывать при постановке… Шоу вполне стоит похода на него разового; на мой взгляд, людей было меньше, чем на предыдущих творениях Авербуха, но все равно прилично. Жалко только, что составы певцов заранее никак не узнать… Лично моя печаль.

"Ваня и Соня и Маша и Гвоздь", театр "Сатирикон", 19.12.2017

Театр, как известно, начинается с вешалки. Театр «Сатирикон» в здании Планеты КВН начинается со стойкого узнаваемого запаха туалета, наполняющего добрую половину гардероба. Сказать, что это позор, ничего не сказать. Конечно, это не вина Сатирикона, но знакомство получается неприятное. Наверное, стоило бы выбрать другую сцену, очень уж потрепанное и неухоженное здание у Планеты КВН, хотя по планировке достаточно удобное.

Впрочем, это не единственный неприятный сюрприз этого места. Простенькие программки, подобные которым продают в Маяковке за 50 рублей, здесь почему-то стоят 150. Невольно вспоминается Театр Наций и «Аудиенция» с куда более приличными программками: и бесплатными! Но даже это не все. В нашем бельэтаже вообще не горел свет. Вообще-то лампы были. На просьбу включить свет пропускающая зрителей в зал дама заявила, что она не уполномочена. Ну это прикол какой-то: неужели нужно особое соизволение на включение света?! А добило меня приветствие с просьбой выключить телефоны, записанное Райкиным. Это лекция на 5 минут про то, что светящиеся экраны мешают, их видно со сцены, и вообще актеры тут душу наизнанку выворачивают, а вы такие мерзавцы в зале с телефонами. Пионерлагерь. Несерьезно. Ну взрослые все люди. Никогда с таким не сталкивалась.

Но, теперь, собственно, о спектакле. «Ваня, Соня и Маша и Гвоздь» - это адаптация американской пьесы. Если верить аннотациям, то героям поменяли имена на чеховские. К достоинству пьесы скажу, что это существенное изменение получилось вписать весьма органично, чеховские мотивы появляются то тут, то там, и не выглядят чужеродным элементом, как выглядели беседы о России в «Аудиенции». Да и в целом пьеса интересна сама по себе: неплохие диалоги, любопытное действие, даже несмотря не то, что в постановке не очень-то много происходит. Однако не скучно! И это важно.

Итак, пьеса хороша. Однако дальше начинаются проблемы. Проблемы уже режиссера – самого Райкина. Он, кажется, не понимал, что же он хочет сделать с пьесой: с одной стороны, здесь много комедийного, уместного и не очень. С другой, это натуральная драма, со всеми вытекающими. Комедия сменяется драмой, но не плавно, не выверено, а один жанр буквально бросает в другой, что порождает некоторое ощущение фальши. Герои страдают, потом уже совершают какие-то забавные вещи, есть условное вдохновение, а потом вдруг юмор. Смешение жанров – это неплохо, но только если сделано с определенной целью, а зачем здесь юмор или, наоборот, в юморе драма – не понятно.

А еще совершенно не считывается, что же именно режиссер хотел сказать этой постановкой. Получилось обо всем и не о чем одновременно. Затрагиваются темы таланта, его реализации, проблемы самореализации, проблемы собственной самооценки, роли каждого члена семьи – много чего. Однако все как-то поверхностно, в чем же идея, смысл - вот вопрос. На первый взгляд, все-таки перед нами глубоко семейная история, напоминающая «Август» в Маяковке, вот только уступающая по уровню таланта реализации. С другой, эта семейная история толком не имеет освещения: герои активно жалеют себя, конфликтуют друг с другом, но постепенного перехода к иным стадиям нет, как нет и развития характеров. Нет какого-то проживания одними других, все сведено вообще не понятно к чему. В семейную историю зачем-то вмешивается комедийная домработница, в общем, получается не пойми что. К финалу, какой он есть, в итоге подводят обстоятельства, но вот герои не поменялись ни на грош, кажется, они для себя ничего не открыли. Получается логично, но не предопределенно всем действием, что ли.

Что же мне еще понравилось: юмор. Юмор не пересекает черту и не скатывается в дурновкусицу. Смешно, не заставляет краснеть: что еще нужно?

А что не понравилось особенно: постоянный крик и чрезвычайно затянутая финальная истерика одного из героев. Причем в этом чрезмерно затянутом монологе явно есть мысли самого Райкина, и это очевидно. Все бы ничего, но слишком много истерики. Надо же знать меру.

Про актеров сказать особенно нечего. Все в рамках своих образов, но никто ничего выдающегося не сыграл. Один играет великовозрастного и безвольного, другая – грубую и вечно жалеющую себя женщину, третья в образе капризной звезды, четвертый изображает бездарного, но красивого актера, пятая играет просто девочку. Довольно плоские образы получаются, которые еще и не развиваются, наблюдать за ними скучновато. А еще есть домработница-провидица: грубая, резкая, забавная личность в странных тряпках, которая периодически появляется, что-то заявляет и исчезает. Зачем она? Вроде, и не мешает, но и не помогает действию.

Оформлением особо не заморачивались. Наверное, это лучше, чем средняя антреприза, но ниже уровня основных театров. Костюмы какие-то безвременные, так что действие может происходить когда угодно. Костюмы же достаточно безликие – в стиле современных бездарных сериалов. Никакой концепции, идеи они не несут, просто надо же на актеров что-то надеть. Так что ни декорации, ни костюмы не играют в спектакли особой роли. Даже пестрый костюм провидицы – он всего лишь посмеяться ради. В общем, не очень.

Так что спектакль оставил скорее негативное впечатление: очень средняя и проходная постановка, не скучная, но и не заслуживающая особого внимания. Цены на билеты вообще за гранью: партер по пять тысяч. За это? В пропахшем туалетом здании? Ужас. В «Сатирикон» что-то определенно больше не тянет. Точно не рекомендую.