"Руслан и Людмила", ледовое шоу, ДС Мегаспорт, 31.03.2018

Я не смогла сходить на «Руслана и Людмилу» в новогодние праздники из-за приближающейся сессии, поэтому просто не могла упустить случая сходить сейчас, когда уже ничего не мешает. Почему-то это ледовое шоу привлекало более, чем какое-либо представленное ранее. Впечатление смешанное, но как первое шоу именно Татьяны Навки оно получилось хорошо.

Видна серьезная подготовка во всем: костюмы, декорации, проекции. Все явно делалось не на коленке за пять минут. Все фигуристы предстают в серьезном гриме, что довольно необычно для ледового шоу, что приближает его к театральной постановке. Не знаю уж, насколько это хорошо, ведь подобный грим обезличивает фигуристов, имеющих медали чемпионатов разного уровня. Тем не менее, для самого спектакля это здорово, ведь порождает ощущение сказки.

Основная роль в этом спектакле у Петра Чернышева, даже не у Татьяны Навки, которая появляется на некоторое время в заглавной роли, но существенное время на льду отсутствует. Тем не менее, даже у него не так уж много времени: здесь очень много массовых номеров без ярко выраженных солистов. Впрочем, героев довольно много, и многие из них имеют свой почти сольный или сольный выход: Фарлаф (Никита Михайлов, вроде), Рогдай (Артур Гачинский), Ратмир (Александр Смирнов), Финн и Наина (Повилас Ванагас и Маргарита Дробязко)…

По структуре спектакль и впрямь напоминает мюзикл, разбитый на отдельные номера, что должно быть хорошо для ледовой постановки. Музыка скорее понравилась, чем нет, но реально запоминается только «Опочивальня» в исполнении Ани Лорак и Александра Панайотова (вокальное сопровождение записано, не живое). Песен здесь немного, очень много просто музыки, и это, наверное, уже минус, так как раз выбрали жанр ледового мюзикла, то пусть и песен будет больше. Есть здесь закадровый голос, подробно объясняющий, что и как, что, увы, свидетельствует о слабости режиссера, ведь в идеальном варианте такой голос нужен очень редко или не нужен вовсе: все должно быть понятно. Это еще один аргумент в пользу увеличения количества песен.

Костюмы хочется отметить отдельно: они очень яркие и красивые, причем едва ли не больше других понравился костюм Наины. Интересный, но, увы, в представленной хореографии не «играющий». Впрочем, есть и минус: показалось, что обилие тканей откровенно мешало фигуристам – что хорошо на сцене, не всегда подходит для льда. Может, поэтому сложнее выброса риттбергера от Кавагути-Смирнова ничего не было.

Хореография как-то не зацепила совсем: показалось, что поставлено несколько мимо музыки, либо музыка не очень подходит для льда. Много резких, не оправданно резких движений. Костюмы сковывают фигуристов, постановки номеров очень простые, и, увы, слабо музыкальные, даже сольные выходы. Соревновательные программы куда интереснее, зачастую. А еще не было ощущения именно этого зала у постановщика: здесь используется от силы половина льда, причем у зрителей на верхотуре, где была и я, есть слепые зоны ближе к краю льда – и их полно. На соревнованиях это не критично, ведь фигуристы едут по всему катку, а вот здесь стало -увы. В идеале надо было значимые движения ставить ближе к центру, чтобы было видно всем, но увы, на краю было многое. В результате зрители, облокачивающиеся на железные поручни, глобально перекрывали видимость сидящим за ними зрителям выше. Кроме того, почему-то не стали использовать штатную аппаратуру Мегаспорта для луча света, в котором катят фигуристы, а поставили на все ту же верхотуру человека с оборудованием, создав, тем самым, слепую зону для зрителей на и без того плохих местах. Это говорит о непродуманности вот таких мелких, но важных и портящих впечатление моментов.

Я почти не говорю о ролях и какой-никакой игре, потому что этого почти и не было, впрочем, чего ожидать от профессиональных спортсменов (хотя бывали и противоположные случаи, да). Я реально никого выделить не могу во всей постановке, на ком бы остановился взгляд, кого бы хотелось отметить. Все очень ровненько, красиво, эффектно, но не цепляет, нет серьезно воплощенных образов. А вот решения технические для воплощения сказки впечатляют: например, камень, который встречают герои, или голова. А эпизод, где колдун оживляет Руслана, и реально складывается ощущение, что тот летит без всяких лонж! Очень эффектно. Декорации реально меняются, реально играют, реально что-то происходит, и это достойно аплодисментов. Сказка, сюжет провязаны нитями, один эпизод перетекает в другой. Этому способствует и очень хорошо выставленный свет, необычный, продуманный. А вот ролики на экране выглядят лишними. Там, к слову, тоже есть «косяк»: в какой-то момент на экране Руслан несет свою Людмилу, она в коньках, а лезвия – в чехлах!! Мда.

Получилось красочно, сочно, ярко, и разве что маленькие бытовые моменты вроде слепых зон портили впечатление. Надеюсь, это учтут при постановке следующего мюзикла на льду. А еще при представлении фигуристов в финале капитально напутали их титулы, ну так-то зачем? В постановке участвовали и известные чемпионы, пусть и не олимпийские, но реально не массовкой были только Навка с Чернышевым, сольные номера остальных были несущественными или откровенно короткими. Может, стоило брать историю с меньшим количеством персонажей и дать больше времени каждому, каждого ввести в историю? Было бы интереснее, и простора для творчества было бы больше.

Так что с технической точки зрения все очень профессионально, с хореографической – спорно и отчасти скучно, с точки зрения образов – количество героев лучше бы сократить, и каждому дать больше времени. А еще хочется больше песен! И активнее использовать лед: более, чем наполовину! Будет лучше!

P.S. Наконец-то не было воздушных акробатов! Ура!

"Донжуан", предпоказ 06.04.2018

В любимой Маяковке я не была уже очень давно, как ни странно, и новостями про их готовящуюся премьеру «Донжуан» очень заинтересовалась: жанр, обозначенный как «селебрити-драма», первые и весьма интригующие фото декораций… Было ощущение, что, наконец, музыкальная постановка, хоть и оказалось, что это не так, но тем не менее. «Донжуан» - однозначно новаторство, эксперимент, он очень отличается от «Бешеных денег», что создавал тот же режиссер – Анатолий Шульев. Запомните, к слову, это имя – совсем молодой (28 лет), а создает замечательные постановки, надеюсь на успешное театральное будущее! Так или иначе, в спектакле ощущается такая молодая, бунтарская энергия, это такое обаятельное, хорошее хулиганство, ни в один момент не пошлое, не глупое, что даже хочется и пересмотреть.

Главный герой, как понятно из названия – Донжуан, именно так, слитно. Он знаменитость неопределенного рода занятий, именно селебрити. Он предстает перед нами будто чуть пьяным, всем своим поведением издевающимся над окружающим миром, носящим экстравагантные костюмы, провоцирующим и абсолютно не знающим ни рамок, ни границ. Хотелось бы отметить однозначно возникающую ассоциацию с Григорием Лепсом: этим образом явно вдохновлялись, о чем свидетельствует явная экстравагантность поведения, «лающая» манера разговора, своеобразная манера держать себя, и узнаваемые очки. Ближе к финалу в какой-то момент наш Донжуан становится просто невыносимо похожим на указанного певца. Не думаю, что было столь важно, на Лепса похож Донжуан или нет: просто был взят узнаваемый образ типичной российской знаменитости.

Вся его жизнь – непрекращающийся поп-рок концерт, где «роковые» разборки с одетой в байкерскую одежду Эльвирой соседствуют с очередными признаниями в любви очередной дурочке – Шарлотте, в подчеркнуто откровенном платье и в типично шоу-бизовском образе, даже нет, в образе провинциалки, пытающейся быть похожей на знаменитостей: губки уточкой, сама не слишком талантлива, о чем буквально кричит подчеркнуто отвратительное ее пение, не слишком умна, но капризна с преданным поклонником. Донжуан провоцирует, оскорбляет, врет или наоборот, пытается быть трогательным: он все время в образе, он играет, но не прячет одного – своего противного всем вокруг поведения, которое не принимает даже его слуга Сганарель. Вся его жизнь – бунтарство, вот только бунтарство ради бунтарства и ненависти к нему, которую он и хочет, ведь она привлекает внимание, и боится – ведь она может быть опасной.

Хочется отметить и то, что Донжуан выглядит все-таки уже сдающим свои позиции: хоть он и молод, еще пытается быть ого-го, пытается вести обычный для себя образ жизни, то здесь, то там организм его дает сбой, и он схватывается за спину, например – тоже своеобразная плата за беспутство. Своеобразный «звоночек», свидетельствующий, что что-то меняться должно.

Герой всегда ведет себя вызывающе, по отношению ли к людям или высшим силам. Но все его выкрики, действия выглядят как провокация, которой он сам не придает особого значения – он просто играет. К божественному он относится как к человеческому – одинаково вызывающе. Здесь хочется отметить, что попытка окружающих перевоспитать, развязка все равно – человеческое, все равно именно люди карают эту непокорную голову, люди читают нравоучения, и все, что происходит – так или иначе, порождение разума. Люди говорят то, во что или верят, или должны верить, а Донжуан очень долго всего лишь не подчинялся этим правилам, он играл в свою игру, он провоцировал, а его воспринимали всерьез, считали таким, как другие.

Самое важное традиционно – финальный монолог Донжуана о притворстве, о природе человеческой, о том, что все фальшиво, что никого не интересует, каков человек на самом деле, лишь бы вид имел приличный. Все это так узнаваемо и так верно: фальшь, лицемерие – то, что, к сожалению, часто окружает нас в нашем мире, что льется с экранов, с чем сталкиваемся в обычной жизни. Вот только дальше не логично: Донжуан платит за свои грехи, несмотря на притворство, так может, он просто мало притворялся? Или все-таки он не до конца прав? Этот посыл я не до конца поняла.

Как не очень считала и некоторую религиозную тему в спектакле: Донжуан периодически богохульствует, бросает вызов высшим силам, в своем монологе тоже упоминает наиболее религиозных как наиболее развратных что ли людей. Однако Донжуан все равно платит по счетам в окружении призраков прошлого: он не был прав в своем монологе? Или напротив, все его слова совсем не важны, он отвечает не за них, но за поступки по отношению к конкретным людям, и тогда вся эта религиозная составляющая, слова, что говорили ему, или те, что говорил он – не важны? В целом, все, что говорил и делал герой, выглядело просто провокацией без дополнительных смыслов, и, если предположить, что героя всего лишь ждала расплата за человеческие поступки, получается более логично.

Отдельно хочется отметить замечательную работу художника. Основная декорация – двусторонняя, с одной стороны это свисающие провода – такая изнанка любого шоу, сделанная умно, со вкусом и в тему, и именно на этом фоне происходят бытовые моменты, а с другой стороны – это миллион звуковых колонок, которые в разном освещении выглядят по-разному: то это элемент концерта, то это будто урны с прахом на кладбище. Работа со светом просто восхитительна: он может полностью изменять декорации, что особенно видно в сцене в склепе, свет очень грамотно играет в сценах с плясками героев, свет очень эффектно поставлен в момент мечтаний Сганареля, как и резкое его изменение в момент появления Донжуана. Очень необычно и очень грамотно. Хочется сказать, что основная цветовая гамма – все так же черно-белая с вкраплениями фиолетового, а разукрашивает происходящее свет. Грамотно использованы микрофоны, звук, который они дают, и лишь в одном месте есть некоторый сбой: когда Донжуан начинает петь, звук вдруг становится глухим. Можно предположить, что это прием: типа сейчас герой поет такое спокойное ретро, и это так откровенно скучно, потому и звук приглушили, но как-то музыкальный номер теряется.

Очень качественно проработаны образы героев. Донжуан откровенно напоминает Лепса, но не во всем, он чуть накрашен, будто Джек Воробей, но ведь вспомним, что Джонни Депп вдохновлялся тоже рок-музыкантом. Его костюмы – явно сценические, далекие от бытового вида. Эльвира впечатляет в своем появлении в виде байкерши с дороги: испачканная в грязи одежда, брутальный кожаный костюм и шлем в руке, но и испачканная белая юбка (?), и все это выглядит будто огрубевшая ее душа, испачканная Донжуаном будто грязью, где есть еще что-то женское, но тоже пострадавшее. Образ Шарлотты – просто классная пародия. У девушки и макияж, и высокая вечерняя прическа, и платье, и манера говорить, себя держать – такое провинциальное стремление к шоу-бизнесу. А как она реагирует на рассказ своего парня: да, да, ага… Такая провинциальная дурочка-стервочка. А вот парень ее – тоже узнаваемый образ увальня, который чем-то недоволен и чего-то хочет, но сам не знает, чего именно. Отец Донжуана – персонаж вообще для меня загадочный. С одной стороны, его можно принять за командора или отражение командора в другом человеке. Можно было бы назвать внешний образ обыденным, если бы не фуражка, отчасти напоминающая милицейскую.

Отдельно хочется поговорить об исполнителе главной роли – молодом актере театра Вахтангова Эльдаре Трамове. Надо сказать, что здесь он выглядит старше своих лет, и справляется с предложенным образом. Он играет просто великолепно, а какие чертики в глазах! Выкладывается полностью. Все выверено и четко, но натурально: манера двигаться, говорить, все так, что веришь в этот образ. Трамов играет однозначного мерзавца, неприятного, вызывающего, отталкивающего. Но очень энергичного. Он берет своих жертв напором, будь то девушка или кредитор. Он носится по сцене, и ничуть не устает. И он очень хорошо поет. Есть здесь всего один музыкальный номер у Донжуана в финале: он реально классно поет. Для моих любимых мюзиклов этот талантливый актер был бы находкой: так любимое мною сочетание умения хорошо петь и убедительно играть, а еще и очень интересная внешность.

Наверное, «Донжуан» требует еще некоторой «чистки», приведения в более гармоничный и искрящийся вид. Но мне спектакль понравился уже таким, каким был представлен на предпоказе. Он живой, хулиганский и с молодым характером. У него есть свое лицо. Это круто.

Концерт Брендона Стоуна "Она" на сцене театра "Золотое кольцо", 15.04.2018

Я очень долго колебалась и не могла решиться, хочу ли я идти на концерт Брендона Стоуна, тем более, что театр «Золотое кольцо», на сцене которого концерт и состоялся, находится совсем не рядом с метро. Тем не менее, меня убедила хорошая погода, что сидеть дома – не лучшее времяпровождение. Так я впервые попала на концерт этого прекрасного артиста.

В случае с Брендоном, как и в случае с Александром Панайотовым, вовсе не шоу «Голос» было первым знакомством с творчеством артиста. Более того, «Голос» я не смотрела вовсе. Брендон Стоун запомнился мне на концертах Михаила Задорнова: запомнился тем, что пел очень легко, голос очень красив и невероятно проникновенен, а «Ленку» я вообще заслушала до дыр. Я знала, что Стоун – успешный композитор, но совсем не была знакома с его личным творчеством, так что в любом случае меня ждал сюрприз.

Одной из первых песен была русская версия Historia de un amor, причем Брендон высказал благодарность своему наставнику за то, что тот дал ему спеть эту песню. Это странно, так как пел он ее и раньше, и в оригинале в его исполнении она звучала еще более потрясающе, чем на русском языке. Было в концерте очень много песен, написанных для кого-то, из известных имен припомню, например, Ани Лорак. Единственное, что резануло, чего точно не стоило делать: не надо было многократно говорить про плотный график не пришедших артистов. Этими вечными упоминаниями Брендон будто ставил себя на ступень ниже, а зачем? Ведь публика пришла к нему на концерт, а не к ним.

Написанные и спетые Брендоном для себя песни мне понравились, практически все, причем особенно запомнилась «Бьется сердце». Судя по реакции зала, эта песня – чуть ли не визитная карточка, и очевидно, почему. Прямо цепляет за душу и словами, и музыкой. Очень понравилась. Общее направление, в котором творит артист – что-то ближе к романсам, романтичное и спокойное, однако хотелось бы отметить, что песни для других артистов зачастую сильно отличались по стилю от того, что Стоун писал для себя. Да и упомянутая «Бьется сердце» тоже далеко не в романсовом стиле. Так что как композитор Брендон определенно раскрылся для меня с самой лучшей стороны. Мне действительно понравилось его творчество, в нем есть вкус, это не назовешь стандартной попсой, что я с горечью писала про песни Александра Панайотова.

Было у Брендона очень много дуэтов, в основном, с женщинами, из которых самые известные – Лада Дэнс и Сати Казанова. Лада Дэнс показалась отрешенной и замученной, пела очень средне на мой вкус. Казанова, напротив, скорее понравилась. Не тем, как пела: голос довольно посредственный, зато она свою партию проживала, так что на сцене случился маленький спектакль. Образ выбрала тоже весьма элегантный: красивое красное платье, подчеркивающее прекрасную фигуру. Была еще Нина Шацкая, которая по пению понравилась больше всех, но платье у нее…блестело как сопля на морозе. Ослепительно в прямом смысле слова. Очень не понравилась некая Лилит, ну просто очень не понравилась. Не произвела впечатление некая Людмила Соколова, и оставил двойственное впечатление дуэт. Девушку в нем зовут Катя, парень – Олег. Пели они с Брендоном втроем, и если девушка может понравиться, то парня с Брендоном даже близко не сравнишь. Впрочем, он будто понимал, что здесь третий лишний, чувствовал себя на сцене весьма неуютно. Самые бурные овации сорвал некий Вахтанг, большой друг, как я понимаю. Было у них несколько дуэтов, не могу сказать, что в восторге, но разнообразно. Еще было трое грузинских артистов из «Голоса», имен не помню, которые пели с Брендоном попурри в финале, и вот это было и зажигательно, и интересно, и круто. Была еще Этери Бериашвили, о которой я помню только сам факт ее наличия.

Сам Брендон имеет вкус не только в музыке, и мне хотелось бы отметить, что на его микрофоне были какие-то красные части, так у Брендона платочек, который торчал из кармашка, был в цвет. Была попытка использовать свет, но, конечно, довольно скромная. Пел, конечно, Брендон потрясающе, и так легко!.. Я это всегда очень люблю и ценю: эту легкость, эту красоту. Артист был на сцене и пел все три (!) часа концерта, и это потрясающе, конечно. Не очень здорово, что он очень много времени провел за инструментом, и гораздо больше нравилось, когда он вставал и пел, а играли другие, хотя здесь понятно: это особенность исполнителя.

Что особенно проняло, заставило чуть ли не плакать. Ком в горле – так точно. Воспоминания, посвящение Михаилу Задорнову. Мне тоже было очень больно, когда он ушел. Брендон посвятил этому человеку трогательнейшую песню, а видеоряд на экране…трудно было смотреть спокойно.  В зале была жена Михаила Николаевича. Брендон пояснил, что в данном театре должны были состояться отмененные концерты Задорнова (неужели, правда? Задорнов в Москве выбирал залы больше, тот же театр на Таганке), поэтому сейчас Брендон выбрал именно «Золотое кольцо».

Вторая вещь, пронявшая до слез – посвящение маме. Я эти песни никогда спокойно слушать не могу, всегда очень трогают, вопреки моему желанию. А уж если в таком исполнении… Красиво и трогательно. Была и любимая мною «Ленка» - маленький спектакль, а не песня, обожаю.

Хочется отметить, что концерт был относительно структурирован: сначала спокойные песни, часто написанные для других, потом много дуэтов, чаще написанных для себя, потом зажигательное. Здесь скажу, что у Стоуна, конечно, есть энергетика. На мой взгляд, у Панайотова она все же сильнее, и другого свойства, но и у Брендона она есть. Он смог ближе к финалу зал не просто довести до экстаза, но натурально заставил танцевать. Хотя обращу внимание, что зал был очень теплым и приветливым, я чуть ли не впервые с таким сталкиваюсь.

Что еще хотелось бы подкорректировать на будущее: видеоряд не продуман совсем. Специально готовили, видимо, только посвящение Задорнову. В остальном на экране было только имя Брендона, и периодически клипы на песни. Я уже упоминала, что Брендон постоянно ссылался на занятость артистов, но также он частенько обращал внимание на некие технические неполадки, которые в зале, по крайней мере, там, где я сидела, были не заметны. С одной стороны, хорошо, что пропинал исправить, но с другой – а стоило ли? Это же не эпик фейл с неработающим микрофоном в Крокусе. Может, не надо было привлекать внимание к этим вещам? Звук, в целом, был неплохим, но я бы сделала чуть потише: поначалу было вообще дискомфортно, очень уже громыхало.

Еще один маленький момент: продолжительность. Я уже говорила, что длился концерт три часа. Спасибо хотя бы, что без антракта, сидеть там до 23-х – это жуть. Но при планировании точно стоило учитывать местонахождение: далеко от метро. Последние полчаса я нервно посматривала на часы и думала, а не взять ли такси прямо от театра, ибо добираться до метро страшновато. Продолжительность надо бы анонсировать. А также начинать не в 19, а в 18 – все-таки выходной день. Тогда и продолжительность не была бы проблемой. Концерты в том же Крокусе частенько по выходным начинаются в 18. Потому что Крокус ну очень далеко, пусть и рядом с метро.

Сам зал меня, скорее, удивил. Во-первых, тем, что далеко от метро. Это засада. Во-вторых, зал новый, и очень маленький. Нерационально как-то. А в остальном зал очень даже приятный: хороший подъем, довольно уютное здание, нормальный звук.

Подводя итоги, скажу, что точно не пожалела, что пошла, разве что продолжительность была не слишком приятным сюрпризом. Продолжаю восхищаться Брендоном как певцом, приятно удивляюсь ему как талантливому композитору с чувством вкуса, стиля. Не знаю уж, пойду ли второй раз, очень под настроение это все. Энергетика лично меня с кресла не подняла и восторженно говорить еще пару дней не заставила, хотя концерт очень качественный и с любой стороны приятный. Спасибо артисту за него.

"Все о Золушке", Московский театр мюзикла, 10.05.2018

Если бы не последний момент, ничего никогда сделано бы не было. Иногда это и про меня, причем особенно часто при прокате мюзиклов. Почему-то кажется, что эти спектакли будут идти вечно. Я в МДМ почти всегда прихожу в последние месяцы проката, так и здесь: не пошла бы я на «Все о Золушке», не будь новости о ее закрытии. А теперь, знаете, особенно жаль, что спектакль закрывают: это просто огонь. Давно я так до слез не смеялась, и давно так моментально не пролетало время на спектакле. Давно так отчаянно не хотелось посмотреть и второй-третий состав… Зацепило, в общем.

Сказок здесь намешано, конечно, прилично, и не узнать их просто невозможно: здесь и «Волшебник Изумрудного города» в лице Дровосека, и эстетика фильма «Алиса в Стране Чудес» на примере Мачехи, и «Спящая красавица», и «Кабаре» читается, и Кощей Бессмертный здесь есть (Король, конечно), да и…чего только нет, в общем. А все вместе выглядит как удивительный кукольный дом, где все такое ненастоящее-игрушечное-бумажное, а вместе с тем и жизненное, и узнаваемое. Озорство, и с каждым новым приколом смеешься от узнавания, а ведь у каждого в голове ассоциация своя: для кого-то безобидная, для кого-то смелая и провокационная, а для кого-то просто шутка юмора.

Здесь есть один важный посыл, воплощением которого является Лесничий с шарфом-удавкой на шее: если верить, что все хорошо, то все хорошо и будет. Вот все-все себя в этом и убеждают, хотят и любят обманываться: это и положительные, и не очень герои. Золушка по определению верит в хорошее, Мачеха верит в свой план вопреки всему, Король верит в правильность своих действий, и, обманывая себя, герои обманывают и всех вокруг. Просто с Лесничим все очень наглядно: удавка, самообман, а стоит ее размотать – и перед нами иной и живой человек уже без покорной улыбки на лице, с окрепшим голосом и своим мнением. С одной стороны, да, самообман, с другой – удавка все-таки чужеродная, накинутая его «правителем» и как бы доброжелателем, хотя шарф сливается с костюмом, а внушенные мысли – сливаются с собственными. Поэтому изначальный обман становится собственным. А кто ее срывает? Конечно, номинальный «враг»-браконьер, который фактически открывает глаза, и этот взгляд на правду – он болезненен, голая шея смотрится странно, но зато сам пациент излечен. Трактуйте это все как хотите. Самый страшный обман – собственный. Самые страшные вещи люди делают всего лишь ради убеждений, внушенных убеждений.

А кто же в этой истории свободен? Дровосек, ни на минуту не желающий подчиняться правилам, Крестная, устанавливающая собственные правила, да Шут, несущий, что пожелает, играющий, но в свою игру. Кто эти люди? Один – новое поколение, не желающее жить старыми предрассудками, вторая – сломанная и закаленная ими же, а третий – что-то вроде…журналиста или артиста, подмечающего, говорящего все, но развлекающего, и не привлекающего в результате никакого внимания. Все эти люди – они те, кто способен все изменить благодаря своей природе, благодаря своим умениям. Что говорят они? Они говорят про время! У которого невозможно выиграть, как невозможно прошлое сделать будущим и поэтому так важен здесь номер про часы, где часы – каждый, и поэтому время – его не остановить, не надо и пытаться. У часов не выиграть, а значит, и у себя не выиграть.

Здесь хочется отметить и образы Короля и Мачехи. Засушенный Кощей Бессмертный, помирающий от скуки и отсутствия хоть какой-то цели и пышущая здоровьем и азартом Красная Королева, всего лишь способная эту цель внушить. Белое и красное. Мачеха красная как война, которую она хочет спровоцировать, как кровь, которая может пролиться просто так, ради славы, и ужас, как ее слова пугают, а от этого страшного энтузиазма не только смеяться хочется. А когда вдруг Мачеха начинает петь о войне, в ее голосе и манере проглядывают знакомые характерные нотки песен военных лет, пусть даже всего на миг, и это показательная находка. А что еще страшно: все эти однообразные люди-стулья покорно начинают маршировать, и им что бал, что война – все едино. Хорошая объединяющая идея – война, но страшная, нельзя ей жить, потому что война – это смерть. Когда королям нечем заняться, они занимаются войной?..

А что же Золушка? Она все-таки воплощение любви. Не назову ее наивной, но назову ее душевной и искренней. Она искренне верит окружающим и на них надеется – не на себя, в себя она не верит. Да, она действительно не приспособлена к жизни, а жизнь с ней поступает совсем не по сказочному. А ее любовь ведь и не любовь как таковая, а поиск, кто бы в нее поверил. Золушка – такой человек-человек, которому надо быть кому-то нужным, которому нужно отдавать. Поэтому ее «умирание» происходит не из-за холода, а лишь от одиночества. Самая страшная штука – быть не нужным.

Золушка – совсем явно отражение Крестной, только отражение наоборот. Они обе сдаются и пасуют перед любовью, но одна меняется, а вторая тихонько испускает дух. Поэтому одна сама может завоевать свой второй шанс на счастье, а другой непременно нужно чудо. А вот другие отражения – Король и Дровосек – это герои ровно наоборот. Первый сдается и плывет по течению, и фактически хоронит себя заживо, что написано на его лице, а второй борется и сам совершает чудо. Как все-таки правильно получается в этом втором случае… Будущее в лице Дровосека лучше и решительнее, свободнее прошлого… И наконец-то решительнее мужчина, и это история совсем не про сильных женщин. Странный вывод… Но напросился.

Еще один сильный символ здесь – перчатка. Она закладывает основу, и она сразу, с первых минут намекает на финал. Перчатка – своеобразная туфелька в этой сказке на новый манер. Перчатка – ключ к любви, вот только она – настоящая, не волшебная, а значит, и для любви в этой истории колдовство не нужно. Люди притягиваются потому что должны. Но перчатка – не только туфелька, это и брошенная перчатка, которая связывает Лесничего и Дровосека, это вызов непокорного будущего к покорному (пока) настоящему. Каждый из героев играет так много в судьбе другого, и каждый из этих героев в некоторой мере освобождает другого.

Что безумно понравилось в этом спектакле – дух драматического спектакля, то есть спектакля с сердцем и душой, от которого кайфуют сами исполнители, от которого у них горят глаза. А какие здесь тексты! Какие озорные решения номеров! Выход Крестной с командой на корточках – это просто нечто, смех до слез. Как и охрана позднее, как и умные с поддевкой песенки Шута. Я не берусь оценивать музыку, она настолько часть спектакля, что мне сложно ее оценить отдельно.

И очень сильный актерский состав. Золушка (Екатерина Новоселова) так кайфует от своей роли, и это невероятно передается зрителям. Не нежная, но озорная и живая, и ранимая порою, и момент с ее засыпанием тронул чуть ли не до слез. Мачеха (Анна Гученкова) великолепна в своей агрессии и амбициях, эти переходы от кошачьей опасной нежности к рыку тигрицы – это круто. Вот уж кто пугает в этом спектакле, так это она. Не интриганка, но сплошная власть. Пожалуй, у нее нет любви к дочкам, но есть отношение к ним как к инструментам. Она не воплощение зла – она воплощение выстланной благими намерениями дороги в ад. Крестная (Оксана Костецкая) – это просто звезда, это пародийный персонаж, которого актриса, тем не менее, делает живым. Ярчайшее впечатление от игры Оксаны – она великолепна. Лесничий (Евгений Вальц) напомнил Евгения Миронова в «Сказках Пушкина», пусть там все совсем иначе, и эстетика иная. Очень заметны, хорошо показаны переходы от мягкотелости к жесткости, от смирения к сопротивлению и обратно. Король (Максим Заусалин) просто понравился – в сущности, здесь это ведомый персонаж, за которого многое делает грим, но ведь актер действительно хорошо играет переход от скуки к новому смыслу жизни, а затем и к другому – уже настоящему, и он обнимает Крестную так, будто смертельно боится ее отпустить. Отдельно упомяну Шута (Марат Абдрахимов) – он умудряется быть незаметным и быть везде, он умудряется донести свои сильные мысли, не забивая главных героев. Он и веселый, и невероятно трагичный, и да, кажется, что этот шут единственный, кто трезво оценивает происходящее во дворце. А вот от Дровосека (Денис Котельников) можно было ожидать большего… На фоне остальных он выглядит чуть слабее, ему будто неудобно петь, чуть лучше, когда просто говорит, он чуть более… наигран, и ему не так отчаянно веришь, как остальным, хотя стоит отметить классный голос и все-таки общую вписанность в спектакль. Я почти смирилась с отсутствием возможности увидеть Стаса Беляева в этой роли, но все же не слишком убедительный Дровосек бередит эту рану… В прочих ролях были Татьяна Батманова и Виктория Пивко (Изольда и Снежанна), а также Иван Латушко (Церемониймейстер).

Много слов и много букв – и сплошной восторг. Очень классная постановка, и жаль, что от нее отказываются. Это невероятно в кайф смотреть, и явно артисты играют с удовольствием, что, признаемся честно, в мюзиклах встретишь не часто (часто совсем уж на автомате). Отдельное спасибо Театру мюзикла за грамотно организованную пересадку. Они большие молодцы, и очень доброжелательные. Надеюсь, театр этот хоть как-то зарабатывает.

"Последнее испытание" на сцене театра "Русская песня", 18.05.2018

Вот ведь бывает, что умом понимаешь, что постановка бюджетная, что она во многом от фанатов и для фанатов, а не для массового зрителя, что недоделок чуть ли не больше, чем сделанного, что шлифовать еще надо много-много времени, но материал настолько хороший, что цепляет все: музыка, герои, история, актеры. Настолько, что просто не отпускает, хочется еще и еще. Даже в таком виде.

«Последнее испытание» - мюзикл, очевидно сложный к постановке. Здесь достаточно запутанный сюжет, склеить который в единую историю – то еще испытание, извините за каламбур. А к сюжету прилагается вполне себе философская идея: цель оправдывает средства или нет?.. Даже не так: стоит ли достигать СВОЕЙ цели, вполне человеческого по характеру толка, любой ценой, не будет ли она слишком высока? Есть ли вообще такие цели, ради которых можно пойти на все? В нашем приземленным мире чаще всего таковой целью для антигероев становятся деньги и связанная с ними власть, в мире кино чаще власть выходит на первое место. В этой театральной истории речь тоже идет о власти, но в совсем уж преломленном виде, совсем не земном – здесь речь о том, чтобы не обрести власть, а ею стать. Самому стать своею целью. А если так, то еще острее вопрос правильности постановки цели, ведь если цель не верна, то и финал хорошим быть не может – ложная цель приводит к фальшивому их воплощению - некоему… фальшивому «я» для антигероя.

Эта довольно философская идея завернута в любопытное приключение, в котором прослеживается еще одна ключевая линия: вызов каждого каждому. Почти война всех против всех. Каждый герой ПИ обретает свою цель и воспринимает ее как вызов, будь эта цель возвышенна или низка – это не важно. Принять вызов – очень земное и человеческое свойство, плотно завязанное на гордости, неких вечных представлениях о чести, благородстве – это в природе человека, как элемент какой-то вечной нравственности. А уж руководствоваться вызовом – это не сделать что-то хорошее, это не победить, но извратить то, к чему идешь. Брошенная перчатка – игра на гордыне, и трудно просто развернуться, и уйти.

Однако, если уйти от обдумывания философских проблем, придется увидеть некоторую разобщенность спектакля, прерывистый сюжет, который хоть и пытались собрать воедино, еще до конца рассказать последовательно не получилось. Поэтому прибегают к обычно категорически нелюбимому мною средству – к рассказчику, коим является главный герой, и голос его звучит и в начале, что может быть допустимым, и просто по ходу сюжета, поясняя и объясняя. Стоит ли говорить, что подобное все же излишне, и куда вернее, правильнее показать все рассказанное на сцене, оставив автору лишь вступительное слово, быть может.

Но даже рассказчик не всегда спасает сюжет: в нем остаются логические дыры и недосказанности, когда у неподготовленного зрителя совсем нет шансов понять, где на сей раз оказываются герои, как оказываются, да в конечном итоге порою не ясно, кто есть кто. Более всего этим грешит первое действие, напускающее страху о Роще мертвых, совсем в итоге не показанной, или не дает ответа на то, куда и как делись герои после Истара. И это лишь наиболее ярко проявляющиеся моменты таких недосказанностей и нелогичностей. Страдает от недостатка понимания для зрителя и финал, оставляющий в недоумении, почему так получилось, и никто не вмешался. Наверное, «починить» многие такие моменты помогли бы именно диалоги между героями, небольшие сцены-склейки, которые не сильно удлинили бы действие, зато сделали постановку более цельной.

Все арии и песни мюзикла очень сюжетны, и это, на удивление, не всегда идет постановке на пользу. Что такое спектакль? Чем можно завлечь зрителя с улицы, если не рекламой? Атмосферой. А в музыкальном спектакле сама музыка, песни – большая ее часть. Песни создают мир, знакомят с миром, погружают в него. «Последнему испытанию» не хватает именно атмосферных песен не о чем и обо всем одновременно, они помогли бы правильно вступить в повествование, грамотно представить героев, постепенно – не резко! – перейти к основному сюжету или событиям, когда зрителю уже понятно, что здесь есть маги и воины, боги и жрецы, есть тьма и свет, и этот постоянный конфликт между добром и злом. Хотелось напустить мистической и фантастической атмосферы с постепенно оживающими героями, на которых мы смотрим будто из другого мира… И музыка – наш проводник…

Но ведь создает атмосферу не только музыка, и для спектакля в жанре «фэнтези» так важно оформление: костюмы, декорации и свет!! Подход ко всему перечисленному удивительно минималистичен, но это не было бы совсем проблемой, если бы можно было отметить удачно подобранную цветовую гамму. В спектакле много серого, темного, а в неверном свете слабо светящих фонарей все кошки серы… Солисты и танцоры слишком часто сливаются в бесформенную массу, где не выделить ни одних, ни других, и производит это не очень позитивное впечатление. Иногда отчаянно хочется добавить цвета, как в крайне серой таверне, а иногда – просто увидеть героев… Цвет фантастики – не серый – пустой и скучный цвет. Здесь стоило бы сделать акценты на серебристом, черном цвете, на переходе от белого к бордовому цвету, на фиолетовом цвете. Дать больше блеска костюмам, визуально выделить солистов. Обязательно! Они должны быть в одном стиле, но в явном виде отличаться от балета! Не сливаться с ним…  Пусть постановка будет минималистичной, но она должна быть стильной. Сценические костюмы не должны быть скучными: пусть в них будет блеск, пусть в них будет фантазия. К сожалению, сейчас многие костюмы вызывают лишь вздохи.

Декорации, к сожалению, совсем не играют. Идея с «зубьями» выглядит любопытной, но декорация – не только они, но и не скрытые никак лестницы… Во многих постановках драматических театров декорации не богаты, но важны же в них не шик и блеск. Важна их функциональность, важно, чем в глазах зрителя они могут стать. Сейчас они – одно, а в другом свете или другой стороной - уже другое. Важно и то, как просто их меняют, насколько это заметно зрителю. Декорации в ПИ слишком статичны, и они довольно слабо создают ощущение параллельного мира. Плохо выстроенный свет совсем здесь не помощник: взаимодействие освещения и декораций не продумано. Зато их перемены и развороты постановщики все же постарались скрыть – в амфитеатре эти моменты не очень бросались в глаза, и это безусловный плюс. Еще один элемент декорации – экран. Последнее время он ну очень популярен в самых разных постановках. На мой скромный взгляд, в ПИ он реально играл только в сцене тюрьмы в Истаре. Все остальное время – не очень…Скорее, мешал. Я не сторонник выведения на экран видеоисторий, скорее, каких-то элементов, дополняющих декорации, а вот этого было по минимуму.

Одна из двух бед ПИ – отвратительно сделанный свет. Просто отвратительно. Сцена практически всегда должна быть освещена достаточно, чтобы зритель мог видеть солистов, ведь сцена в почти полном мраке – тоже художественный прием, но не постоянно же. Сейчас же доходило до того, что солист начинает петь, находясь в полной темноте. Или не поющий в конкретный момент герой, но важный в этой сцене – он в темноте, и видеть его реакцию просто невозможно. Декорациям свет тоже не помогает, увы. А ведь свет должен создавать определенную магию! Он должен литься, меняться, играть с героями, сам быть героем. Но ничего этого нет. На второй беде ПИ – плохой звук – я долго останавливаться не буду, ибо в «Русской песне» просто плохая акустика, и дело не только в кривых руках, тем более, что звук реально улучшили по сравнению с тем, что я слышала в «Русской песне» пару лет назад на другом спектакле.

Очень важный момент – это магия, ведь спектакль о ней… Показать ее можно было тем самым светом, с которым совсем не работали хорошо, а также хореографией. Но, к сожалению, реально это работало лишь в паре моментов, и выглядело это удачным озарением, а не последовательной работой над созданием образа как могущественного мага, так и опасной богини. Магии стоило бы добавить, смешать моменты ее проявления со светом: пусть будет какой-то луч, или, не знаю, звездная дорожка… Что-то должно быть.

Все это кажется одной большой бочкой дегтя, но ведь это не так, пока есть музыка «Последнего испытания», его текст, его идеи. Пусть не каждая, но многие песни – потенциальные хиты, и тексты здесь цепляют, они хлесткие, не безликие, как часто бывает, они запоминаются и цепляют. Актеры могут произносить их с миллионом интонаций, и они будут играть. Невероятно талантливый материал.

Еще одна ложка меда – актеры, те самые приглашенные большие мюзикловые звезды (Бирин, Колпаков, Бахтиярова). Перед ними стояла сложнейшая задача: быть интересными тем, кто уже полюбил иных, кто привык к иным, кто просто их не знает. Конечно, исполнителю главной роли – Андрею Бирину – пришлось сложнее всего. Он классный драматический актер, конечно, прекрасно поющий, и да, он смог нащупать своего Рейстлина. Его герой совсем не прост, он многогранен, он проходит путь от циничности, жестокости, язвительности и едкости к полной растерянности и все перекрывающей боли. Этому Рейстлину приходится упасть с вершины своей гордыни в самые глубокие недра своей души, испытать то, что, как казалось, ему испытать невозможно. Ему приходится осознать то, с чем не хочется мириться, и, в конце концов, усомниться в себе самом. Его жестокость в осознании силы в первом акте резко контрастирует с слабостью, в чем-то нежностью в акте втором. Его путь – это сплошное падение, то, которое и открывает глаза, и бросает вызов, и порождает СОМНЕНИЕ. Сплошное сомнение. Никакой уверенности в своей правоте. Никакой насмешки. И даже никакого злого огня в глазах, жестокого взгляда, что характерен для Рейстлина в первом акте. Только удар, опять удар, и от них не отбиться.

Он вовсе не борется с богиней тьмы, он борется с собой, не понимая при этом, на какой из сторон своей души ему выступить: быть ли жестоким и сильным Рейстлином (а сможет ли снова?) или, наконец, стать просто человеком. Эта вспыхнувшая на фоне вызванных воспоминаниями о любви и о боли болезненная любовь к Крисании – она искренняя, как всякий путь к спасению, но и острая, словно нож. Даст ли она счастье? Или только боль? Можно ли вообще его – темного мага – любить? Такхизис – его темная сторона – бросает вызов, и он поддается. Но нет ни капли уверенности, и все злые слова – герой говорит их лишь себе, и лишь себя уговаривает в правильности своего выбора и своих действий, прекрасно понимая, что никакая власть и божественность ему не нужны, просто отказаться - сложнее. Он не рассказывает легенду о каком-то маге – он рассказывает легенду о самом себе, это совершенно очевидно, и в чем-то легенда повторяется, только наоборот, а влюбленный дурак опять ошибается. Если в начале спектакля перед нами уверенный в себе герой, то в финале он буквально разорван на части. А его боль и переживания и сомнения – они отдаются в зале в душе каждого зрителя. Он жалок, но и его жалко. Он в этот момент очень человек.

Крисания здесь холодна и прекрасна, как и положено по тексту, но она почему-то совсем уж часто безучастна, совсем уж часто просто стоит в стороне, будто не испытывая совсем ничего. Ее любовь – она лишь в финале, а до того попытка обыграть мага на его поле, ведь она принимает этот брошенный им вызов, и чем он насмешливее, чем откровеннее он смеется ей в лицо, тем интереснее для нее его спасти. Спасти заблудшую душу. Но стоит признать, что при всей красоте вокала Крисания – классическая героиня, не глубокая, не сложная.
Все прочие герои вполне второстепенны, пусть на их фоне выделяется эмоциональный и швыряемый из крайности в крайность Карамон, тоже не имеющий цели, кроме любви брата, но все же герой второго плана. Из опытного состава выгодно выделяется Вера Зудина – Такхизис, темная богиня. Отражение самого мага: такая же насмешливая, такая же умная, такая же вызывающая. Фанатичный Король-Жрец не выходит за рамки прописанной роли, хотя сейчас – во времена возрождающегося религиозного...влияния – герой мог бы выглядеть чуть актуальнее, и было бы интересно осовременить взгляд на персонажа.

Как много слов опять, а ведь хотела сокращенную версию написать… Этот материал заслуживает достойной постановки, с нормальным бюджетом, постоянной площадкой. Но даже в таком виде он цепляет: и музыкой, и сюжетом, и, конечно, настоящими звездами в главных ролях. Я точно хочу еще. Несмотря на кучу недоделок. Потому что не халтура. Потому что талантливо, но требует доработки. Додумывания.

Неожиданный концерт 25.07.2018

Все-таки я везучая. Сейчас, на следующий день после концерта, я это точно понимаю: никаких негативных эмоций он мне не принес, хотя точно мог, все-таки объективную картинку я вижу. Я брала место наугад, ничего не выбирая, не в первые дни, а вот же получилось: место оказалось почти идеальным, видно было почти все. Мне просто очень повезло, что никакие бытовые трудности не помешали получить удовольствие от действительно замечательного концерта – наверное, с атмосферой капустника (хотя я никогда не была на таком мероприятии, и лишь слышала рассказы). Мне все очень понравилось: я давно так не смеялась, давно так не улыбалась, а прилива позитива, уверена, хватит надолго.

Но все же хочу отметить то, что стоило бы изменить, чтобы было лучше. С моей скромной точки зрения, теплоход в июле - идея прекрасная, однако само время выбрано очень неудачно. Середина недели – иногородним неудобно, это раз. Начало для такого водного мероприятия позднее. Спустя часа полтора после отплытия за окнами ничего уже не видно – ну и какая разница, на теплоходе мы или в зале?.. Тем более, что получился именно концерт со зрительным залом (пусть и импровизированным). Стоило делать в выходной день и именно днем! Когда светло, когда прелесть водной прогулки ощутима! Например, был очень большой антракт – чтобы можно было погулять по верхней палубе, ощутить ветерок, подышать воздухом. Ну а смысл этого всего в темноте? А еще в такой атмосфере уместны были бы, наверное…столики. Для более расслабляющей атмосферы. И это пишу я, хотя мне всегда зал лучше клуба, и я вообще ничего никогда алкогольного не пью. Однако в данном случае было бы уместно.

В текущем же варианте получился перенесенный на воду концерт. Со всеми вытекающими: опоздавшие и не попавшие совсем, очень позднее, неоправданно позднее окончание, а до метро не близко и по парку, плохая видимость для многих зрителей (подъема-то по понятным причинам нет), не идеальный звук (хотя и хороший для теплохода, думаю). К сожалению, можно наблюдать разочарование части зрителей прошедшим концертом. А жаль, ведь именно сам концерт был великолепен!

Для меня многие из чудесных артистов открылись с новой стороны, а некоторых я просто увидела и, наконец, узнала. Таким открытием для меня стал Ярослав Баярунас. Я видела много фото и восхищений этим молодым человеком, но совершенно не знала, кто же он, и за что такая любовь. А теперь понятно – это чудо, иначе не скажешь. Ярослав просто отчаянно талантливый, и очень…необычный, очень. Поначалу чуть напомнил Глеба Матвейчука (удивительно) времен МК, потом эта ассоциация прошла. А уж «Северный флот» в исполнении Ярослава для меня – один из самых ярких номеров всего путешествия. Сколько в нем энергии, когда он поет, она буквально рвется наружу, и Ярослав с ней, стоит признать, справляется с трудом. Отметила, что артист ну очень хорошо двигается, очень, и каждое свое выступление превращает в настоящий номер, за которым невероятно интересно наблюдать. Я не скажу – спектакль, потому что все же мне выходы Ярослава показались ближе к музыкальной сцене, чем театральной, и как актер пока (пока!) Ярослав явно уступает и Саше Казьмину, и Кириллу Гордееву (мне так показалось исключительно на основании концерта), однако повторюсь – такой талант видно невооруженным взглядом. Как алмаз, которому просто нужна огранка, чтобы стать бриллиантом. Уверена, что здесь нужно лишь время. А сейчас же эта еще необузданная энергия часто создавала ощущение излишней… агрессии, которая из исполнения ушла лишь к финальным песням. Но это все исправимо, здесь такой потенциал, что ах!.. Интересно будет следить за карьерой этого артиста.

Александр Казьмин – это моторчик и сердце всего концерта. И душа. Мне показалось, что вот он – то самое необходимое зернышко, без которого подобная посиделка потеряет свою прелесть. А еще именно его по итогам концерта я хочу назвать Артистом с большой буквы. Он буквально каждый свой выход превращал в настоящий спектакль. Он преображался: взгляд, движения, мимика – все. Настоящий артист. Очень-очень настоящий и очень-очень легкий. Его, наверное, как никого (может, Ярослава еще), часто подкалывали, и он реагировал на это с невероятным приятным чувством юмора. А еще явно сам наслаждался тем, что делает, и самому ему было интересно. Он был таким азартным! Море обаяния. Саша по-настоящему создавал атмосферу своими репликами, рассказами, действиями – он великолепен в своем экспромте (или, может, в игре в экспромт), и просто покорил. Неожиданно и приятно было услышать песню из «Все о Золушке», и Саша буквально на наших глазах вдруг стал тем самым Дровосеком, и в нем я увидела того героя, которого так не хватило на спектакле. Артист. Горящий, настоящий, талантливый! С очень красивым голосом, обладающий очень теплой энергетикой. А еще связующее звено между всеми остальными, которые цеплялись за взаимодействие с ним как за одну общую нить.

Кирилл Гордеев – мое личное открытие номер два. Кто он такой, я знаю прекрасно, но на сцене я видела его ровно однажды в «Бале вампиров», и за карьерой Кирилла я не следила. А сейчас даже захотелось…Какой у него голос! Это просто нечто! Вот он что-то поет потрясным глубоким баритоном (извините, если ошиблась, не музыкант я), а в другой момент – уже выше, будто вообще другой человек вышел. А как он пел песню из «Алых парусов»: я слушала, буквально открыв рот и внимая каждому слову. А как Кирилл менялся, переходя от себя настоящего к очередному образу и герою: он будто становился другим человеком, и вот перед нами не современный рубаха-парень, а граф или вовсе язвительное божество. Даже не подозревала о таких талантах! А чувство юмора! Мне кажется, половина «лежания» от смеха – его заслуга. Саркастичный и довольно колкий, но непременно смешной. Все думала, кого же мне так напомнил Кирилл. Вспомнила – Максим Виторган в «Дне выборов». Тот же образ обаятельного увальня (в хорошем смысле слова, конечно), ироничного и чуть язвительного. Очень близко! И на этом фоне очень силен эффект от преображения.

Вера Свешникова в Москве гостья нечастая, и ее я не видела раньше никогда. Какие у нее глаза! Просто ведьминские и колдовские! Ей бы такое играть – огонь был бы. Вера была немного на втором плане, несколько скорее наблюдала, чем пела. В ней есть какая-то кошачья притягательность, что ли. В ней есть недосказанность и тайна, загадка… Настоящая роковая женщина даже в матроске и джинсах. Она может быть и озорной, и роковой. Очень понравился ее дуэт с Еленой Газаевой – прямо очень. Интересная артистка. Необычная.

Елена Газаева – солнышко. Такая обаятельная и улыбчивая, а еще быстро поняла, что где-то на последних рядах ничего не видно, и часто ходила в народ. Вот она – активная и озорная. Провоцировала ребят. Мне очень понравился ее проникновенный дуэт с Кириллом – будто в другой мир и другое время перенеслись. Тоже девушка с согревающей энергетикой. Было очень приятно ее увидеть и услышать.

Не могу не упомянуть продюсера всего этого «безобразия» - Кирилла (увы, фамилию не помню). Обаятельный он очень. И смелый. Надо же нацепить костюм а-ля Сейлор-мун (а я больше никакое анимэ и не смотрела) и не бояться показаться на публике. А еще с хорошим чувством юмора, и самоироничный он. Обаял, правда. Наверное, только у такого человека могло получиться собрать такой почти домашний концерт, где все артисты будут чувствовать себя легко, будто просто развлекаются и выступают для друзей, а не для публики. Он молодец.

Не знаю уж, были ли все шутки и приколы частью сценария, но смотрелись они свежо и натурально. Если все это сценарий – браво. Если нет, то браво еще раз за моментальную реакцию и талант к импровизации. За талант к импровизации, впрочем, все равно браво всем, так как и на вопросы надо было отвечать, и что-то точно непредсказуемое было. Хотя для четырехчасового концерта пели относительно мало, а много говорили и шутили, время пролетело незаметно. Репертуар для меня был зачастую незнакомым (включая «Тетрадь смерти» - верите, не слушала, даже ради самоустранившегося на вчера АМ), однако понравился. Там были и сюрпризы, и что-то традиционное, и пели в основном по-русски, что воспринимается проще, чем исполнение на иностранных языках (пусть даже второе может восприниматься как более высокоинтеллектуальное). Так что мне понравилось! Было зажигательно, уютно, атмосферно и интересно!

Так что мои эмоции – положительные! Я получила удовольствие, было чудесно. Сделала для себя много открытий и даже – подумать только – задумалась о вояже в Питер на концерт Ярослава (ну, пока просто задумалась). Это о многом говорит. Какие же все-таки наши мюзикловые звездочки талантливые. Восхищаюсь.

МультПати в клубе Гластонберри 28.08.2018

На это подсаживаешься: возникает какая-то зависимость от этих периодических концертов в почти домашней атмосфере. В обычной жизни иногда ловишь себя на мысли, что не хватает этих шуток, этой энергетики, и надо еще – зарядиться на неделю вперед, улыбаться без причины, делать в два раза больше.

МультПати завлекла не идеей, не участниками, а точно неповторимой атмосферой. Атмосферой хорошего творческого хулиганства, свободы, экспериментов – настоящего доверительного разговора артистов со зрителями при помощи песен, шуток и прибауток. Свобода была не просто творческой: в чем-то была свобода от любых обязательств, кроме обязанности быть честными и настоящими, и позволялось смеяться и шутить, петь шиворот-навыворот и вообще не с тем текстом, забывать слова и смеяться над этим, ведь на этой вечеринке идеальное «вымуштрованное» исполнение было совсем не нужно. Это ощущение абсолютной свободы однозначно передалось зрителям: и зрители сами, без вытаскивания с насиженных мест, танцевали, подпевали и веселились, и в такой атмосфере даже артисты становились немножечко зрителями, а зрители – немножечко артистами. Настоящая вечеринка.

Александра Казьмина можно назвать не только участником, но и ведущим, причем, кажется, немного случайным, просто в его естестве импровизировать, шутить, моментально реагировать на любые происходящие события. Александра было много, причем в первом отделении временами даже казалось, что мы на сольном концерте Александра с приглашенными гостями, настолько он был энергичен, активен, азартен, но во втором все же немного отошел в сторону, уступив возможность солировать каждому артисту в отведенное ему время. Александр – удивительный артист, который умудряется в каждой исполняемой песне перевоплотиться в ее героя, моментально измениться, сыграть. Он настолько интересен в каждую минуту своих выступлений, что оторвать взгляд почти невозможно, ведь так не хочется что-то пропустить. Но даже и будучи где-то в тени, когда поют коллеги, Александр вольно или невольно привлекает внимание: удивительный дар не просто слышать музыку, но сливаться с ней, двигаться, танцевать под нее совершенно нестандартно, когда интересно каждое следующее движение и каждый следующий жест. Почему-то подумалось, что, окажись Александр на каком-нибудь проекте типа некогда популярной «Фабрики звезд», он моментально стал бы там любимцем публики и звездой номер один, да и не только там, а на эстраде вообще, ведь эта ниша сочетания положительности и хулиганства, немного легкомысленности, обаяния молодости – она не занята. Мне очень понравилась «Аллилуйя» - уж кто только ее не пел, красивейшая песня, и, конечно, песня из Сейлор Мун – это же любимый мультик детства! А финальный выход всей четверки («Какая жизнь настала бы…») лишь еще раз убедил меня в уже высказанной мысли: каждый выход Александра – перевоплощение.

Агата Вавилова – пожалуй, единственная, кто мог составить конкуренцию Александру Казьмину по части ведения концерта и шуток-прибауток. Такая, хм, чуть вальяжная дама, в то же время, довольно саркастичная как по отношению к другим, так и к самой себе. Очень необычный и сложноватый для моего восприятия голос, а отметить в исполнении Агаты я точно могу вальс и «Hero», конечно. А еще Агата была категорически необходима в этой иначе мужской компании – она добавила красок, некоей даже…изюминки всему мероприятию, а когда Агата пела, мне вдруг подумалось, что как же хорошо, что есть возможность услышать и песни в женском исполнении на этом концерте тоже. Какое интересное сочетание подчеркнутой интеллектуальности и, зачастую, каких-то вполне «народных» слов и выражений.

Иван Коряковский – мое личное открытие прошлого КК, в связи с чем я была несказанно рада его участию в данном мероприятии. Какой же шикарный голос, ну до чего шикарный, а «Луч солнца золотого» - просто нечто! Красота! А еще он был человеком-сюрпризом, когда решительно непонятно, чего он Ивана ждать. Если от Александра ждешь все-таки прикола, то от Ивана как-то нет, и от того невероятно весело и классно, когда сюрприз случается. А уж эти фишки с переодеваниями – получилось очень атмосферно. А еще именно Иван смог окончательно поднять зал со своих мест и танцевать-зажигать.

От Ярослава Баярунаса двойственные впечатления. С одной стороны, это просто талантище, с другой – алмаз требует огранки и пока не сияет так ярко, как будет потом (а это без сомнения). Ярослав играл на этом концерте роль такого чуть забавного тихони, чуть странного, непременно категорически непредсказуемого. Пусть он пошутил всего пару раз, но эффект неожиданности сработал на все сто, и зал лежал от смеха. Ярослав – история немного сама в себе. Он наверняка перфекционист, и в этом он искренен, он хочет идеала, а не хулиганства. В этом плане круто, когда они поют с Казьминым: это же две противоположности! А еще Ярослав как никто удивляет в своих творческих экспериментах и поисках: ну кто ждал женской песни?.. Я точно нет. А еще именно Ярослава мне даже немного не хватило: он был все время в тени, все время наблюдал, а не участвовал, за исключением нескольких своих номеров, и этого было как будто мало. Самый смелый экспериментатор и самый до поры до времени тихий артист.

Мне хочется сказать спасибо всем организаторам, всем артистам за такой концерт, за такие эмоции! За такой заряд бодрости! За такую искренность и единение множества людей и множества сердец. Такой не глянцевый, но настоящий концерт мне нравится даже больше, чем «вылизанные» концерты больших звезд, например, в том же Крокусе. Здесь на сцене люди, а не небожители, это подкупает, это в какой-то мере делает поклонников и артистов одной большой семьей. Идея с мультиками замечательная, а самое главное – добрая и искренняя, уж что-что, а мультики в детстве смотрели все.

"Царь Эдип", Театр имени Евг. Вахтангова, 07.10.2018

«Царь Эдип» - классическая греческая трагедия Софокла, поставленная в Театре имени Вахтангова в современной интерпретации. Впрочем, несмотря на оформление, художественные приемы на сцене все равно классика: интересная, трагичная и довольно ровная.

Основным элементом оформления в спектакле служит огромная бочка, которую катят, которая катится сама, на которую взбираются, к которой цепляются, за которую уходят: одним словом, неизменный элемент происходящего действия. Оформление вообще довольно лаконично: основными цветами становятся белый и черный с редкими вкраплениями золотого и красного. Главный герой – царь Эдип – персонаж в белом, и этому цвету он не изменяет до самого финала, иногда надевая массивную золотую шапку (я не знаю, как она называется), чем-то напоминая в таком виде не просто главу своего государства, но и религиозного лидера. В противовес «белому» царю его народ весь в черном, он однообразен, в какой-то момент люди даже надевают маски, дабы потерять на время свою индивидуальность.

Таков Эдип – просветленный царь, вполне искренне переживающий из-за бед, обрушившихся на его страну. Здесь хочется обратить внимание на замотанного, словно мумия или зомби, в бинты персонажа, и ведь именно он надевает на Эдипа его светлый пиджак, когда вокруг все говорят о море и болезнях, и в чем-то здесь намек, что «чума» (назовем это так, хотя термин не слишком применим) – неизменная часть доброго царя. Стоит обратить внимание, что светлый образ начинает рушиться с момента появления слепого провидца, к которому до того достаточно благородный Эдип проявляет неожиданную жестокость, и который своими словами оказывается способен чуть ли не свалить здорового и сильного героя с ног (первое проявление какого-то давнего недуга, пока еще воспринимаемое как яркое отражение, может, страха, но точно чего-то душевного). Метафора понятна: слепец способен видеть больше, чем зрячий и претендующий на духовное лидерство царь, и этот, на первый взгляд, слепец вполне способен не просто дать отпор зарвавшемуся царю, но и – страшнее – заронить в нем сомнение. Эдип отбирает у старца его палку, пусть пока она царю без надобности, но тот может опереться на плечо мальчишки-проводника, а Эдипу, кажется, и опереться не на кого.

Отсюда жестокость к родственнику Креонту, предстающему в полуобнаженном виде и с венком из лавровых (?) листьев на голове, подчеркнуто беззащитному перед царем. Отсюда жестокость к самому себе, когда царь извлекает на свет забытые, казалось бы, воспоминания, мучая себя собственными сомнениями и подозрениями. Где-то в этот миг «мумия» вдруг становится отражением самого царя, изображая судорожными движениями его переживания, страхи, подозрения. Появление жены Эдипа Иокасты приводит на сцену еще одного полумистического персонажа – девушку в платье ворона, как парившие над бочкой вороны в самом начале, с огромными черными крыльями, следующую за героиней повсюду и становящуюся уже ее тенью. Кто эти два персонажа? Я склонна думать, что рок, судьба обреченной супружеской четы. В какой-то момент девушка-ворон раскрывает белоснежные крылья, вставая за спиной Иокасты, делая ту ангелом, но потом отдаляется, разрушая образ. А затем следует, уже размахивая крыльями черными.

Народ царя тоже имеет свой голос: буквально пение, да еще и не на русском языке. Народ подает голос лишь в отсутствие царя, непонятно для него, оставаясь не слышим царем. Чаще они – молчаливые свидетели трагедии. Они могли быть для него опорой, но он их даже не пытается замечать.

Надо отметить и представителей простых людей: пастухов, когда им приходится говорить. Никто не идеализирует их, они, вроде, и неплохие, они могут руководствоваться благими намерениями, но при малейшей опасности собственной жизни они предпочитают делать, что сказали. Они здесь противоположны Эдипу: он отчаянно делает себе больно, познавая правду, а они говорят правду, избегая боли. Иокаста – жена Эдипа – здесь ближе к обычным людям, нежели к неординарному мужу: ей тоже хотелось бы молчать, чтобы избежать ненужной боли, но честна она с царем не из-за страха, а из-за самой честности. Она по-земному мудрая, она склонна переживать из-за человеческих проблем, тогда как ее муж корит себя из-за традиционной и даже религиозной морали, что незримо объединяет его со старцем в начале спектакля, отстаивающем условно божественную точку зрения.

Известный финал – финал-перевертыш, отсылка к встрече со старцем, и вот уже в руках у Эдипа тот посох, и вот уже его глаза не видят света земного, зато душа видит свет неземной. Ослепнув, прозрел. Важно здесь и то, что «мумия» разматывает свои бинты и видит, наконец, свет, что лишь подтверждает мою теорию о его тесной связи с Эдипом. Быть может, это душа героя? 

И бочка – это рок и судьба? К бочке цепляются оставленные дочки Эдипа, бочка их тащит, от нее они убегают, а до того другие персонажи пытаются ее катить.

Виктор Добронравов в роли Эдипа весьма убедителен, и создает он характер царя достаточно ровно и цельно. Даже когда сомнения западают в душу Эдипа, тот не переходит в саморефлексию, он склонен действовать, разрушая себя не мыслями, но поступками. Он решителен. Решителен в гневе на провидца, первым рушащим миф о собственной непогрешимости, он решителен, пусть и с оттенком опаски, при воспоминаниях о прошлом, он решителен в расспросах жены, а затем и пастуха. Финальный выход никак не выбивается из канвы: он все так же решительно наказывает себя. Никаких лишних сомнений. Очень последовательный характер. Трудно сказать, что движет им более прочего: клятва найти убийцу Лая или желание быть уверенным в своей честности, правильности, праведности. Наверное, второе – желание быть уверенным в себе любой ценой. Отсюда и сомнения в правильности слов богов, и подозрения к Креонту. Ошибиться может кто угодно, но не Эдип! В сущности, он и не ошибается на свой счет, он просто не сразу узнает о себе правду, а, узнав, возвращает собственную уверенность, пусть и жестким способом. Виктор изображает Эдипа уверенным, но, пожалуй, без самолюбования, достаточно страстным при покушении на его собственную истину, полным неверной надежды и временно спокойным при общении с Иокастой. Думаю, ключевое в изображенном актером характере – честность, в первую очередь, с самим собой. Его Эдип лгать, жить во лжи не смог бы.

Людмила Максакова не играет сверхчеловека, она играет женщину. Ключевое в характере Иокасты – любовь. К мужу, к сгинувшему много лет назад сыну, к погибшему супругу. В ней совсем нет злобы, ненависти, лишь любовь. Она очень по-женски надеется, что ее Эдип остановится, что все будет по-прежнему, даже уже понимая, что произошло. Она все равно не осуждает. Она просто хочет жить. Разве ей не больно от воспоминаний о сыне? Еще как, даже слезы стоят в глазах. Но спасти своего мужа и себя саму ей важнее. Ее финал столь трагичен из-за трагедии супруга, невозможности повернуть время вспять, жить как жили. Поэтому ее черная ворона не отбрасывает крылья, а летит навстречу судьбе.

Евгений Князев – Тиресий. Невозможно сильный старец-провидец. Он близок к простому народу тем, что хочет скрыть правду во благо, но близок к Эдипу тем, что ее раскрывает, заставляет в нее поверить. Свой посох он старается не отдавать, может, чтобы не наслать на Эдипа печальную судьбу? Евгений делает своего героя сильным, духовно и физически. Его недуг, кажется, ему совсем не мешает. Только такой старец может направить Эдипа. Ведь слабость сильный царь никогда не признает.

Эльдар Трамов – Креонт. Самый непонятый мною персонаж. Он ведь не отрицательный. Он несколько мечтатель, и, в сущности, он безобиден. Он даже положителен. Ощущение некоторой духовности должна создать прическа актера, стилизованные под античность одеяния, венок, однако… У Эльдара такое ярко выраженное отрицательное обаяние, от него так веет…порочностью, что в образ в «Царе Эдипе» сложно поверить, от Креонта вполне можно ожидать какой угодно подставы. Так просто при таком раскладе поверить, что Эдип не зря в нем сомневался, было, за что, тем более, что в финале Креонт получает ровно это – власть, пусть на деле к ней не стремится. Понятно, почему Анатолий Шульев нашел в Эльдаре Трамове своего Донжуана, идеальное попадание, но почему Эльдар играет Креонта, я не понимаю. Он играет хорошо, но как-то…диссонирует с этой ролью.

Павел Юдин – воин. Очаровательный комедийный образ охранника-недотепы, и в античности такие были! Чаще забавный, порой скучающий, почти даже ребенок с игрушечной лошадкой и вполне преданный. Таков воин. Без лишних мыслей, без лишних размышлений.

Также на сцене играли: Евгений Косырев (Жрец), Виталийс Семеновс (корифей хора), Олег Форостенко (вестник), Рубен Симонов (пастух), Максим Севриновский (домочадец Эдипа), Екатерина Симонова (крылатая дева), Юрий Цокуров (мальчик), Мария Бердинских и Мария Риваль (дети).

Спектакль увлек, заинтересовал, пусть это вполне классическая история в современных декорациях. История, наверное, вечная: о поиске себя настоящего и о принятии себя настоящего. История о неизбежности судьбы, от которой не уйти, о ничтожности самих попыток. О важности окружающих людей, о необходимости думать о них, ведь Иокаста, дети пострадали из-за поиска себя Эдипом. Я не могу занести «Царь Эдип» в число своих любимых спектаклей, но я получила и эстетическое удовольствие, и удовольствие от сильных актерских работ.

"Великолепный рогоносец", Театр имени Моссовета, 13.10.2018

Когда я услышала о грядущей постановке «Великолепного рогоносца», то заинтересовалась историей, поскольку было очевидно, что ждет что-то совсем странное, небанальное и неординарное. Так оно и оказалось: зачастую, происходящее на сцене – чистый сюр. Этому ощущению очень способствует классное оформление, где «работает» буквально каждая деталь. Забавно, я совсем не обратила внимание, что в главной роли Павел Деревянко, шла на спектакль, и исполнитель главной роли мне тоже очень понравился.

Концепция спектакля – смесь реальности, в которой живут герои, и вымысла, в который периодически погружается герой Павла Деревянко Бруно. Серьезно стилистически разделены два акта: первый представляет собой очевидное противопоставление действительности и вымысла, когда в действительности все скорее хорошо до розовых соплей, а в вымысле – скорее, нет, а второй представляет собой ад что здесь, что там, где герои многократно пересекают черту, где форменно сходят с ума, и вообще кажется, что так не бывает.

Реальность поначалу вполне реальна: стол, стул, кровать, милые платья и чириканье девушек. Будущий кошмар лишь разово прорывается случайно зашедшим грубым простолюдином, честным в своих порывах, пока еще пугающим. Главная героиня Стелла похожа на куколку с нереально накрашенными ресничками, в коротеньком кукольном платьице, в своей неземной влюбленности, когда все слова буквально только о нем, а счастье просто преувеличенно сильное. Вымысел тоже еще не пугает: Бруно живет в мире счастливых фантазий, и в его голове те же птички, цветочки и много-много ничем не омраченного счастья. Кажется, более положительных героев трудно придумать, а их общение друг с другом, с другими людьми – просто воплощение любви и счастья. Начало жизни, когда все впереди. Безоблачное небо над головой. Они оба влюблены не только друг в друга, но и в само состояние влюбленности.

Вместе с тем, любовь Бруно, как минимум, с самого начала какая-то странная, и проявления этой любви, этого желания похвастаться – это не проявление любви к женщине, а проявление любви к вещи, которой хочется владеть, но совсем не хочется, чтобы на нее покушались иные люди. Развивающаяся ревность к жене – это непонимание и неприятие того, что у нее, оказывается, могут быть собственные и не подчиненные ему – Бруно – чувства, и здесь не важно, какие именно. В сущности, Бруно относится к Стелле одинаково и в первой «светлой» части спектакля, и в «темной» второй. Это отношение к вещи, отношение к неодухотворенному предмету.

Основная и заявленная идея спектакля «любовь – болезнь» здесь читается вполне ясно. Стелла многократно спрашивает: «Ты излечился?», пусть сама она до конца не понимает, что результатом излечения будет хоть и ее свобода, но и конец их отношений. Единственный ее шанс на спасение появляется тогда, когда она заявляет, что перестала любить, а окончательно пропадает она, когда любить не перестает. Сам Бруно «больной» с самого начала: воображаемый друг Эстрюго появляется в первой же сцене, а сам Бруно живет в мире фантазий с самого начала, просто они меняются.

Оформление в спектакле играет очень важную роль, и это тот случай, когда на сцене нет случайных элементов. Аскетичный экран с дверью будто в реальность – отражение мыслей Бруно. Он то наполнен цветами и ягодами, то серый, то красный. Он – состояние героя. Он отражает его мысли, с одной стороны, а с другой – убеждает в верности этих мыслей. Явное отражение самоубеждения. Дверь в реальность далеко не всегда нейтральна, зачастую, она горит красным, будто путь в преисподнюю. Эстрюго – человек в нейтральном светлом костюме, который часто сливается с экраном, на нем часто проецируется картинка, что идет на экран, но в определенный момент этот воображаемый друг становится на окне (или лежащей двери), весь в красном свете, голова и плечи в темноте, точно дьявол.

Бруно сам продает, уничтожает свою любовь. Он сам замазывает Стеллу, и это показано вполне буквально, когда он наносит «маску» на ее лицо. Эта маска исчезает после первой вынужденной измены, будто, поступив по воле мужа, Стелла попыталась спасти и его, и себя, силой своей любви, она снова чиста. Стелла босая все первое действие: босая значит невинная и чистая, и она, испытав все возможные муки, возвращается в это босое состояние в конце спектакля.

Единственным палачом Бруно является он сам, и, разбив стакан в собственной руке, он размазывает кровь по майке ровно там, где сердце. Сам наносит себе рану. Он болен? Да, очевидно, светлая любовь помогала ему прыгать словно зайчику, а такая темная одержимость сажает его в кресло и дает в руки трость.

Стелла во втором действии – познавшая жизнь падшая женщина, которая моментами (чаще, когда речь о муже) вдруг снова та невинная девочка, что была знакома нам в первом акте. Она выглядит порою как ведьма, и нет ничего удивительного, что поющие и пугающие ее люди в масках похожи на инквизицию и чумных докторов одновременно, а ее саму хотят утопить, как это часто случалось с ведьмами: проверка на то, колдунья она или нет.

Финал здесь странен: с одной стороны, есть шанс и надежда на спасение для Стеллы, спасение от извращенной жизни в грубости и простоте, но с другой – шанса нет, ведь, будучи верной своей любви, Стелла в сущности верна своей уже болезни. Стелла в финале оказывается там, где пребывал ее муж с самого начала, и это безумие, наконец, сошлось в одной точке, но два безумия все равно вместе существовать не могут. Странный финал.

Это действительно трагифарс, и созданные характеры такие, каких не бывает. Преувеличенное счастье, переходящее в не менее преувеличенное несчастье. Любовь, которая то ли существует, то ли нет. Одержимость, бесконечная преданность. Какие-то несуществующие чувства. Мы видим героев, когда они уже безумно влюблены, и совсем не ясно, когда же они сошли с ума. Если любовь может быть болезнью, то в какой момент таковой становится? Спектакль не дает ответов, но будто предупреждает: не увлекайтесь ничем слишком сильно, иначе потеряете себя. Как оба этих героев. Бруно сам замазал свою любовь, сам ее продал, сам сделал себя несчастным. А все отчего? От ее силы, которая толкает к действию даже тогда, когда оно не нужно. Стелла сама не захотела спасения, и почему? Тоже от силы чувств. Любовь слепа, она ослепляет.

Павел Деревянко в роли Бруно невероятно хорош. Он начинает рисовать своего героя подчеркнуто светлыми, даже комедийными красками с элементами преувеличения (таких не бывает). Пока любовь еще не перешла границу окончательно, она – источник вдохновения. Но потом… Павел превращает своего героя из здорового и счастливого в умирающего и разваливающегося тирана, явно недостойного любви, но любимого, вот только уже падшей женщиной.

Поначалу герой Деревянко, кажется, мухи не обидит, но постепенно он становится непредсказуем, в нем может вспыхнуть ярость, смешанная со страхом, уверенность, смешанная с сомнением. Он страстный, но лишь в первом акте. Потом… Потом все чувства заменяются рутинным издевательством, изведенный собственными подозрениями герой в кресле и с тростью, и в спасение такого верить уже невозможно. Единственный, кажется, момент, когда можно подумать, что Бруно проснулся – момент, когда герой срывает маску, и кажется, что спасает Стеллу он, наконец, благодаря настоящей любви, а не любви-болезни, но это лишь миг.

Павел чудесно смог сыграть перемену. Он смог быть счастливым до неверия, несчастным до отчаяния, жестоким до отвращения. Безумным до оторопи. Он смог сыграть и привязанность, и зависимость, и одержимость, и веру, и неверие. Он был настоящим. Путь его героя в никуда был притягательно-пугающим.

Единственный момент, небольшой минус – дикция. Не очень спасал даже микрофон-гарнитура. У Павла есть рэп-номер. Он сыгран великолепно: стильно, страстно, отчаянно, но…ни одного слова невозможно разобрать. Но это один маленький минус, который ни в коем случае не делает исполнение роли менее виртуозным.

Юлия Хлынина как Стелла показала не менее разительную перемену, чем Павел в своей роли. Она – сама невинность в первом действии. Она безоблачно счастливая, веселая, сущее дитя. А потом растерянная, отчаянно пытающаяся что-то понять, помочь, спасти. Она и раздавленная, разбитая, но надеющаяся.

Как такое дитя смогло превратиться в доступную женщину, курящую сигары и носящую колготки в клетку? Хищная, смелая, своенравная, резкая. А с другой стороны, стоит ей быть рядом с Бруно, как говорит она тоном той несчастной светлой девочки, что говорит, что не все в ней умерло. Да и дальнейшие ее испытания – испытания той еще не запачканной Стеллы, чистой, мечтательной, влюбленной. Вдруг распутная барышня стала страдалицей, беззащитной, отважной. Ее жалко, на счастье для нее надеешься. А в любовь ее веришь все меньше, и если поначалу скорее Стелла любила, а Бруно был болезненно привязан, то под конец и ее любовь заменяется болезнью. Она постепенно сходит с ума, и это чувствуется уже в ее голосе и интонациях.

Юлия фактически сыграла двух героинь, одну в другой, и это было потрясающе.

Леонид Фомин – Эстрюго. Тот самый воображаемый друг. Он немногословен, он воплощает собой и убеждения, и страхи Бруно. Он смотрит на Бруно, заставляя того посмотреть в лицо тому, чего герой боится. Только реакция иная: Бруно поддается своим страхам, а не борется с ними. Эстрюго – загадка, роль во многом техническая, и сыгранная актером размеренность, спокойствие создают нужное ощущение как от Эстрюго, так и от Бруно. Эстрюго в первом акте лишь в сценах с экраном, но во втором – он уже часть реальности, что говорит о прогрессирующем безумии главного героя, перепутавшего действительность и вымысел.

Татьяна Родионова – Кормилица. Роль не столь уж и большая, это роль – преданность. Кормилица следует за Стеллой везде, и, когда та опускается на дно, в ад, Кормилица идет туда же даже в своем внешнем виде. Вся эта роль – настоящая любовь, жертвенная не отчаянно, но дельно. Любовь-спасение, которое просто не видит Стелла. Если важность роли в первом акте не очевидна, то во втором становится ясно, как Стелла дорога Кормилице, возможно, только ей одной. Актриса безукоризненно играет эту бескорыстную любовь. Единственное настоящее чувство.

Также в ролях заняты: Дмитрий Савкин (Петрюс), Дмитрий Подадаев (Бургомистр), Владимир Андриянов (погонщик), Дмитрий Федоров (Марсель), Анастасия Пронина (Корнелия), Татьяна Храмова (Флоранс), Павел Усачев (жених Флоранс), Михаил Филиппов (пьяница), Антон Аносов (граф), Евгений Ратьков (красавчик).

Это интересный, умный, местами ироничный над универсальной действительностью (те сцены в начале с бургомистром) спектакль, и смешной, и трагичный одновременно. Безукоризненно оформленный (что не всегда встречается), динамичный и захватывающий. Здесь сочетается драматический театр и музыкальные номера, грамотно вплетенные в канву спектакля. Актерские работы в спектакле очень сильные, каждый из актерского состава выкладывается на все сто. Я рекомендую «Рогоносца» каждому, кто прочтет этот мой отзыв. А, еще название… Рогоносец… Самообман, наверное. Никто не обманывает нас сильнее, чем мы сами.