« Сайт LatinoParaiso


Правила форума »

LP №352



Скачать

"Латинский Рай" - форум сайта латиноамериканской музыки, теленовелл и сериалов

Информация о пользователе

Привет, Гость! Войдите или зарегистрируйтесь.



Различные события: театр, шоу, концерты и т.п.

Сообщений 101 страница 118 из 118

101

"Бешеные деньги", Театр им. Маяковского, 06.04.2017

http://s019.radikal.ru/i613/1704/bc/6b780a0bdd4f.jpg

После феерично неудачного (по моему мнению) «Белый. Петербург» меня и мое мнение о театре отогревала любимая Маяковка с их премьерой «Бешеные деньги». Теплая, располагающая и не обременяющая лишним символизмом постановка, где интересное для себя может найти любой зритель.

Сейчас, во времена, когда деньги правят миром, но «денег нет», постановка «Бешеных денег» кажется очень актуальной. Спектакль буквально сталкивает и заставляет сравнивать два подхода к деньгам: условную «золотую молодежь» и успешных молодых. В комичной, пусть и с налетом трагизма, форме. В спектакле есть, тем не менее, некий дух умирания прошлого, а также ощущения приближающегося будущего, когда в одно и то же время живут и сосуществуют люди разных формаций. Это порождает и искры, и веселье, и горе, и обман, причем для всех.

Все в этом спектакле усиленно создают видимость, намеренно или случайно. Все живут в каком-то непрекращающемся мираже, и все происходящее на сцене – химера. Все пытаются заставить верить других в химеру, но и сами верят в обман соседа. Ради этой видимости люди готовы губить свои и чужие жизни, и этих жизней не жалко самим обладателям, ведь в них ничего настоящего нет и никогда не было. Эти творцы песочных замков бессердечны, жестоки и не способны ни на какие чувства. Даже если они не глупы, они мыслят в одном и том же безнадежном направлении, раз за разом попадаясь на чужие обманы и миражи, такие же, как творят они сами. Большинство героев находятся в бесконечных долгах, но творят и делают еще долги, просто не понимая, как можно жить иначе. Это такой привет сегодняшнему настоящему, в котором люди точно так же влезают в кредиты, которые физически не способны выплатить. Только на сцене герои швыряют деньги на наряды и выезды, а в настоящем – на айфоны. Но ведь цель не изменилась – создать видимость. Весь мир – лишь видимость. Люди живут ради видимости. Видимости успеха, достатка, просто ради видимости счастья. Удивительная ситуация, когда видимость счастья дороже его самого.

Что здесь настоящее? Настоящие здесь лишь чувства Саввы, его любовь. Грубая, но честная и преданная. Этот человек – противоположность всем остальным, этакий представитель новой формации, крепко стоящий на ногах, не теряющий голову практически никогда. Что трудно дается, то не выкидываешь на ветер. Поначалу Савва кричит, чем отличается от манерных прочих героев, он искренен, кажется наивным. Но этот крик постепенно сменяется медленно подступающим спокойствием, ближе к финалу становящимся расчетливым безразличием. Его отчаяние, такое искреннее, тем не менее, не кажется безнадежным, как неизбежно подступающее отчаяние Лидии и ее матери, или как веселое безразличие прочих персонажей. Этот герой несет в себе будущее, как для себя, так и для других. Любопытно, что его формируют, его в какой-то мере учат своей бессердечностью такие люди, как Лидия и ее окружение. Только все здесь несутся в пропасть, кроме него одного.

Этот спектакль очень цельный по своей постановке, по своему оформлению. Я бы не сказала, что декорации обладают новаторством, нет, но они качественные, перемены сцен происходят не тягостно для зрителя, а одни и те же вещи могут играть совершенно разные роли. Спектакль, несмотря на некоторый даже нерв, настраивает зрителя на спокойный и мирный лад. Все время играет успокаивающая музыка, создающая атмосферу размеренной и мирной жизни. То же самое делают и костюмы: здесь нет пуха и перьев, платья актрис максимально простые, но «вкусные», костюмы актеров удивительно подходят этим персонажам, вплоть до шляпы или шарфа (очень удачная находка для несколько потерянного героя). В целом, постановка оформлена в теплых тонах, выглядит на сцене как-то даже компактно и камерно, хотя это спектакль большой формы.

Актерский состав очень силен, как старшее поколение, так и прекрасная молодежь Маяковки. Приковывает к себе внимание Полина Лазарева – такая рафинированная стервь, очень красивая, но очень холодная. Холодный и высокомерный взгляд, самолюбивая улыбка: о ее героине все ясно с первого появления. Она составляет удивительный контраст своему «горящему» мужу в исполнении Алексея Дякина, чей образ максимально «русский» и достаточно простой внешне. Виталий Гребенников с своим Телятевым будто вышел из популярного российского ситкома, тем не менее, очень удачно вписывается в происходящее в своих эпизодах. Старшее поколение здесь показывает мастер-класс, но вовсе не к нему приковывается внимание зрителя.

Спектакль обладает приличной продолжительностью: это не 3 часа, как указано в программке, не верьте, все 3,5! Однако действие настолько интересное, забавное, «теплое», обаятельное, что время пролетает незаметно. Здесь можно и посмеяться, и сопереживать, и подумать. От «Бешеных денег» не веет устаревшей классикой, все очень современно, актеры играют очень современно с отчасти современными же характерами и манерами, но спектакль сделан с любовью к этой всегда актуальной пьесе. Ближайшее сравнение для меня – «Волки и овцы» в Мастерской Петра Фоменко, но все же постановка Маяковки полностью в ее стиле, она более – снова это слово – современная и чуть злободневная. Здесь не так много откровенного юмора, но актеры заставляют зал смеяться.

В общем, это моя рекомендация. Этот спектакль – не заявка на все театральные премии мира, это лишь одна из премьер театрального сезона. Однако на фоне многих и многих постановок «Бешеные деньги» выглядят сильно и достойно. А еще…Они абсолютно в стиле Маяковки Миндаугаса Карбаускиса! Пусть даже спектакль «теплый», от него все равно веет холодком, парадокс. Стильная столичная Маяковка, очень люблю.

0

102

"Изганание", Театр имени Маяковского, 08.04.2017

http://s019.radikal.ru/i622/1704/47/9abb3e7d04d6.jpg

К постановкам Миндаугаса Карбаускиса надо морально готовиться. Ничего, эти 4 часа пролетят незаметно. Или хотя бы просто пролетят. В случае с «Изгнанием» есть хотя бы 2 антракта и малая сцена, на которой постановка смотрится определенно хорошо. Это спектакль-заявка, интересный и профессиональный, пусть и холодный.

История «Изгнания» - это жизнеописание литовских мигрантов, уехавших в поисках хорошей жизни в Лондон. Все эти 17 лет там мы проживаем вместе с усталым и не имеющим покоя Беном, который меняет занятия, имена, окружение, но сталкивается и сталкивается с теми людьми в автобусике, в котором он когда-то ехал в Лондон.

Это история о разбитых мечтах, о поисках себя в себе и себя в мире. История о том, как реальность может перечеркнуть мечты. Это история о том, как притягивает прошлое, как притягивает Родина, что совсем не всегда хорошо. Бен меняется на наших глазах: он узнает новую культуру (Фредди так контрастирует с дешевой попсой в автобусе), он узнает новые правила отношения к людям (толерантность к другим постепенно приходит и к Бену), он узнает новых людей. Каждый новый шаг для героя мучителен и болезненен, как с физической, так и с психологической точки зрения. Бен часто выброшен и подавлен, одинок и безнадежен. Но он буквально заставляет себя делать новый шаг и идти дальше.

Что главное в его пути? Герой всего лишь хочет чего-то добиться. Он всегда к чему-то стремится, и это стремление, поначалу вытаскивающее его из ямы, в итоге не дает ему быть счастливым здесь и сейчас.  В спектакле звучит мысль о стремлении к тому, чтобы быть человеком. Для Бена это значит быть местным, европейцем – британцем, подавить свое «я». Но это только для него. Быть человеком – быть самодостаточным здесь и сейчас. Поэтому в этой истории есть счастливые люди, вне зависимости от обстоятельств. Бен просто все время стремится к недостижимому идеалу, который делает его несчастным, ведь он осознает, что никогда его не достигнет. Он даже хочет сменить любимую футбольную команду, чтобы не болеть за проигравших, а болеть за победителей, и это о стремлении, а не о примирении со своим местом в жизни. А его старые знакомые зачастую просто живут. Вместе с тем, стремление к большему вытаскивает Бена, а его знакомую Эгле наоборот туда погружает.

В этой постановке нет как таковых столкновений культур. Точнее, это столкновение есть, но лишь отчасти. Разные люди и разные нации живут мирно, пришлые пытаются интегрироваться в страну, и их принимают, но! Момент террора порождает в людях страх, а где страх, там ненависть. И вот уже на сцене ненависть к тем, кто другой. Ненависть к Бену, или его ненависть к его почти другу Азиму. Это не такой уж большой эпизод, но важный, ведь он рушит для нашего героя, да и не только для него, годами нарабатываемое умение быть своим, а не чужеродным. Быть своим внутри, ощущать себя самого своим.

Бен здесь в трех ипостасях: это неудачник Бен, приехавший в Лондон, это уже чуть поднявшийся поляк Марек и это успешный среднестатистический британец Роберт. Каждый из них оказывается опрокинут, и каждый из них возвращается к Бену, всегда живущему внутри этого человека. Просто нет у героя душевного спокойствия, он не становится другим, он лишь играет в другого. Не имея спокойствия, Марек или Роберт быстро становится обратно Беном, лишь встретив старых знакомых. Родина возвращает обратно, жестоко и беспринципно. Благополучная жизнь, так тяжело достигнутая, держится на тоненькой ниточке, которая может очень легко порваться. Случайно. Глупо. Всех героев так или иначе тянет назад, и все они сопротивляются. К прошлому нет возврата. Этого возврата просто не хочется.

Что в спектакле есть действительно выдающегося, так это оформление. Минимальными средствами достигается максимальный эффект. В одних и тех же декорациях мы видим десятки локаций, и всегда они органичны. Здесь и коробка с помойки, и старый корабль, и вход в ночной клуб, и много чего еще. Зачастую используются киношные приемы, когда с одной стороны мы видим один этаж и героя, а с другой – этаж выше. Железные стены эффектно гремят, а еще выглядят в разном освещении совершенно по-разному и даже в разных цветах. Костюмы здесь минимальны, настроение часто создается какой-то одной деталью. В спектакле много музыки, и даже в какой-то момент герой поет сам. Все это в совокупности создает настоящую атмосферу Лондона, но каких-то его подворотен, этакий нижний мир. Настроение у спектакля есть!

Это история не столько о мигрантах, сколько история о потерянных людях, не сумевших быть счастливыми дома и не ставшими счастливыми в Европе. Они сталкиваются с собственной ненужностью, когда единственный путь стать частью общества – полностью изменить себя, что очень трудно. Здесь много судеб: и счастливые, и не очень. Наш Бен-Марек-Роберт едва ли счастлив. Он всегда в поиске, но он не знает, в поиске чего. Даже в тот момент, когда, казалось бы, он нашел свое счастье, его бесконечный бег это счастье может легко отнять. Быть человеком? Но человек по умолчанию человек. Надо стремиться к собственному счастью, и уметь его сохранить. Ведь это вещь хрупкая.

Все-таки «Изгнание» - холодный спектакль, обращенный к разуму. Здесь совсем нет эмоций. Это умная постановка, сделанная для молодого поколения, не без юмора, но без чувств. Даже условная любовь у Роберта – не любовь совсем, а стабильность, приземленное состояние. Мне, скорее, нравится этот спектакль, понятно его настроение, но он холодный.

0

103

"Биндюжник и Король", ТЮЗ города Красноярск на сцене Et Cetera, 11.04.2017

http://s009.radikal.ru/i307/1704/88/ffc60b3e247a.jpg

О, я была приятно удивлена. Я была очень приятно удивлена. «Биндюжник и Король» оказался действительно очень качественным, вкусным, хорошо поставленным спектаклем, где нет ничего лишнего, все очень современно, красиво и талантливо. Однозначно, это заявка куда сильнее, чем ранее виденный мною «Белый. Петербург», пусть даже это кажется странным. Вот так Красноярский ТЮЗ громко заявил о себе. Очень радостное удивление. Получается, что драма в провинциальных театрах часто совсем не очень, зато мюзикл бывает весьма достойным. Уже второй год я могу сделать такой вывод.

Спектакль этот выполнен минималистично, важен здесь свет, цветовые решения, декорации. Первое, что напоминает «Биндюжник и Король» по оформлению – это «Сказки Пушкина» Театра наций, только, конечно, несколько проще. Декорации, световые решения, даже движения выполнены очень графично и почти строго, свет часто играет с музыкой, как и движения актеров. Декораций здесь минимум, они обозначены условно, что придает нереальности, какой-то сказочности (даже, может, элемент притчи или мифа, как иллюстрация в книге) и комичности происходящему. Интересен здесь грим – у всех выбеленные лица как маски, грим вообще характерный, а костюмы достаточно простые и максимально подходящие к этим декорациям. Смена мест действия происходит достаточно качественно, однако часто с одним и тем же приемом бесед актеров в круге света по бокам сцены.

То, что трудно победить, надо возглавить. Могу предположить, что из этого исходил режиссер постановки, поскольку игра актеров зачастую – это гротеск, нарочито показанные эмоции и движения, переигрывание, так часто свойственное не столичным театрам. Только здесь это специально и это уместно. Гротеск и преувеличение здесь во всем: в движениях хора, в движениях солистов, даже в их позах. Каждому подобран подчеркнуто стереотипный образ, узнаваемый, выделенный, оттого смешной. Образы здесь тоже как иллюстрация: и девушка с косой, и гусар, и бандит – все узнаваемо, будто герои сошли со страниц книги.

Если в начале спектакля зрителю может быть трудно связать между собой большое количество героев и отдельных номеров, то постепенно действие выстраивается в единую историю. Герои так или иначе получают свои характеристики, и практически у каждого есть свой коронный выход. В центре истории семья евреев в дореволюционной Одессе, и сыграна эта история в знакомой и узнаваемой каждому на уровне подсознания манере. Никакой трагедии здесь нет, лишь игра, даже условно драматические номера вызывают скорее улыбку, чем сочувствие, но это задуманная реакция.

Актеры в этой постановке большие молодцы, они выглядят слаженной командой, каждый на своем месте и играет свою роль. Единственное разочарование – Беня Крик. Здесь совершенно безэмоциональный и картонный персонаж, менее всего похожий на короля преступного мира. Все его достижения – характерный грим. Хочется также отметить, что роли исполняют в основном возрастные актеры, что в некоторых эпизодах придает дополнительного колорита.

В спектакле использована музыка Александра Журбина (который, кстати, присутствовал в зале), для которой сделаны невероятные и современные аранжировки. Здесь и шансон, и попса, и рок, и романс. Место находится любым стилям. В некоторой мере, героям подобраны их собственные стили, манера. Вся музыка звучит очень интересно, не скучно, не застарело, а современно! Это не какой-то нафталин, а живая и яркая музыка.

Очень достойная, оригинальная, безусловно талантливая и современная постановка. Направленная на молодых, яркая, задорная вещь. Стиль выдержан, не разорван, декорации, костюмы, свет – все дополняет друг друга, как и хореография, как аранжировки, как игра актеров. Получилась вещь в большой степени режиссерская, продуманная, профессиональная. Конечно, можно говорить, что такой стиль не нов, но сделано все равно качественно. Не дорого и богато, но стильно и современно. Без лишних претензий на серьезность, но очень в правильной струе.

P.S. В Et Cetera звук в разы лучше, чем в МАМТе. Парадокс.

0

104

"Золушка", Театр Россия, Stage Entertainment, 15.04.2017 в 18:00

http://s012.radikal.ru/i319/1704/b0/bdad0884ce1f.jpg

На этот раз Дмитрий Богачев реально удивил! Поставить в самом центре Москвы в режиме «много спектаклей в неделю» абсолютно политический спектакль под соусом «сказка о любви» - это сильно. Возможно, из моей любви к актуальности, а возможно, что из-за самого спектакля тоже, «Золушка» из всех детских постановок Стейджа понравилась мне больше всего.

Состав: Юлия Ива (Золушка), Павел Левкин (Тофер), Елена Чарквиани (Мари), Алена Хмельницкая (Мадам), Екатерина Варкова (Габриэлла), Татьяна Кулакова (Шарлотта), Роман Аптекарь (Жан-Мишель), Петр Таренков (Себастьян), Игорь Портной (Лорд Пинклтон)

Политический подтекст здесь совершенно не завуалирован, тема подана «в лоб», так что не увидеть и не понять может только слепой. Вот вам принц, подмахивающий, не читая, любые бумажки. Вот вам указ: «У нас наступила эра благоденствия и процветания» (указ!!!). Даже слово «коррупция» имеет место (много ли детей знают смысл этого слова), и, конечно, один из героев – революционер, хотя это сильно сказано, скорее, героя можно отнести к протестующей интеллигенции.

Эта тема здесь вообще интересна, особенно отдельные ее эпизоды. Интересно, когда Жан-Мишель призывает людей идти говорить с принцем о проблемах, он оказывается не услышан из-за призыва людей государевых идти на бал. Сам бал прямым текстом устраивается ради отвлечения «счастливого» народа от реальных проблем. Интересно, что все-все протестующие герои не винят принца вообще, но идут к нему как к «царю-батюшке», дабы решить проблемы королевства, так что возникает традиционная для российской уже культуры ситуация «царь хороший, бояре плохие». Центральная тема страданий народа проста как три копейки, и заключается в отъеме родной земли у населения, но, о ужас, она выглядит строго актуальной в любой момент и в любом месте. Потому что земля как таковая – это своеобразный аналог всего, что есть у человека, всего-всего, и для каждого зрителя «земля» может означать свое: это возможность работать и зарабатывать деньги, а не отдавать почти все заработанное, это квартира в пятиэтажке, это зарплата, это условный французский сыр и много чего еще, важного для каждого конкретного человека.

Кульминацией это центральной, на самом деле, темы является митинг (!!!) с табличками (!!!) и ожидание смены местного мироустройства путем перехода к всеобщему равенству и выборам! Неожиданно для сказки, правда? Тем более, что подается как куда большее и важное достижение этой истории, чем каноническая свадьба.

Впрочем, во всем остальном сказка тоже совершено не каноническая, что зачастую ставит зал в тупик. Бедная и несчастная Золушка пусть и имеет повадки традиционной доброй-светлой девушки, но сама решительная и смелая. Мадам (мачеха) кажется вовсе не такой уж и жестокой, а, скорее, стервозной, а дочки ее и вовсе не злые. Габриэлла так вообще – героиня положительная. Впрочем, если вернуться к Золушке, то центральной ее мечтой становится узнать мир во всех его красках, и мечты о любви в перечень ее желаний не входят. Даже после встречи с Принцем Золушка вспоминает бал скорее как красивый опыт, и только потом как встречу с мужчиной своей жизни. Указ своей феи-крестной («ТЫ можешь сделать так, чтобы все сбылось») Золушка выполняет беспрекословно, и сама, не надеясь на волшебство, стремится выстроить свою судьбу, пусть и не без помощи Габриэллы, еще более смелой девушки. Ее самостоятельность скользит в большинстве ее действий, даже в словах принцу на прощанье, когда любая другая плыла бы в облаках любви, а Золушка выполняет данное Жану-Мишелю обещанье, сама веря в эти слова полностью. Так что получается дикая смесь канонической героини и абсолютного ухода от канона в сторону сильных современных женщин, интересное зрелище, на самом деле.

Принц – другой неканонический персонаж, где традиционное разве что нежелание вникать в дела государственные, но ведь принц наш изначально чувствует, что что-то не так. Герой этот совсем не приторно-сладкий, а почти рефлексирующий и даже страдающий, важный в этой истории, а вовсе не выступающий в роли главного приза для Золушки. Встреча с ней толкает его пересмотреть, что происходит в подведомственной стране, и, нет, он не меняется, но проявляются его до того не используемые качества. Пожалуй, можно сказать однозначно, что герой в Золушку влюблен куда больше, чем она в него, но оба они, между тем, люди достаточно приземленные, так что их союз скорее сулит государству процветание, чем союз иной условной романтической пары.

Мачеха и две дочки вовсе не традиционные героини, и если Габриэлла вызывает настоящую симпатию, то Мадам и Шарлотта, по крайней мере, не вызывают антипатии. Эти две героини отвечают за комедию в спектакле, поэтому они забавны в своей злобе или в своей неуклюжести, в своих манерах, в своих мыслях. Габриэлла же с ее революционной любовью не столько героиня сложная, сколько приятная и, пожалуй, куда более умная, чем наша Золушка. Пара ее с Жаном-Мишелем весьма забавна и гармонична, а оба они временами трогательные, как дети.

Как я уже упоминала, Жан-Мишель скорее протестующий интеллигент, нежели революционер, поэтому невозможно представить его на баррикадах и в рядах протестующих с плакатом, он просто хочет быть услышанным, но, если бы не был услышан, весь его протест потерпел бы крах. Кроме него, остается из видных героев фея-крестная, здесь долгое время неожиданная, забавная и очень обаятельная.

Золушку играла Юлия Ива, совершенно не понравившаяся мне в какой-то постановке, но здесь реабилитировавшаяся в моих глазах. Несмотря на постановку, ее все равно часто несет в «принцессу», однако и самостоятельную барышню она тоже играет убедительно. Принц Павел Левкин очень понравился как в своей рефлексии, так и в обретенной уверенности в своих силах – очень человечный, а не формальный герой. Хорошо себя проявили в комедийной части Алена Хмельницкая и Татьяна Кулакова: им пришлось более прочих использовать комедийные приемы, играть активно и лицом, и голосом, но у них получилось не переборщить. Роман Аптекарь (Жан-Мишель) и Габриэлла (Екатерина Варкова) понравились в своей интеллигентности и трогательности. А более всего удивила отходом от стереотипного образа Елена Чарквиани (фея-крестная). Насколько она хороша и неожиданна в образе старушки! Правда, став феей с розовыми волосами, она теряет все обаяние.

«Золушка» показалась чуть более скромным спектаклем, чем прочие постановки Стейджа, с точки зрения оформления, но как здесь играют декорации! Какая потрясающе выверенная смена локаций, какая игра света, а как много могут значит одни и те же ступени лестницы, как это классно используется! Лестница может быть и лесом, и дворцом, а с другой ее стороны может быть дом Мадам. А костюмы и спецэффекты! Выше всяких похвал. Свет, проекции – все используется в полной мере и профессионально. Костюмы-трансформеры настолько профессионально сделаны, что под новым платьем совершенно не видно никаких признаков старого. Очень понравилось. Из «костюмных» решений хочется отметить, что весь высший свет здесь одет дорого и богато, а вот все простые люди примерно одинаково: серо, и даже Габриэлла оказывается в той же серой одежде после ухода из дома. Прямое разделение, но вполне понятное. Музыка в постановке мне, на удивление, понравилась. Многое запоминается, не раздражает, вполне мелодично.

Я осталась под очень приятным впечатлением. Неожиданно актуальный спектакль, очень профессионально сделанный, и даже герои не столь вычищенные и глянцевые, как это часто бывает в постановках Стейджа. Пожалуй, детям может быть и не понравится так сильно, как классическое прочтение «Золушки», зато взрослые должны оценить.

0

105

"Бал вампиров", МДМ, постановка Stage Entertainment, 19.04.2017

http://s019.radikal.ru/i628/1704/f7/2fd954fbe64a.jpg

Уже традиционно сложилось, что мюзиклы Стейджа я смотрю на излете их проката весной, когда идут уже последние спектакли. Так случилось и с «Балом вампиров». Недавно виденная мною «Золушка» подарила на удивление множество хороших впечатлений и, к счастью, «Бал вампиров» продолжил эту линию.

Состав: Александр Суханов (Граф фон Кролок), Ирина Вершкова (Сара), Александр Казьмин (Альфред), Андрей Бирин (Профессор Абронсиус), Агата Вавилова (Магда), Олег Красовицкий (Шагал), Таис Урумидис (Ребекка), Ростислав Колпаков (Герберт), Леонид Шадрин (Куколь).

В «ночную» атмосферу МДМ погружает зрителя сразу: в зале откровенно темно, что создает мистическую атмосферу. Однако это решение спорное, так как создает и существенные неудобства. На сцене горит название мюзикла, чуть ли не парит в воздухе: этими кроваво-красными буквами. Все настраивает на мистический лад.

Поначалу это спектакль-обманка, где звучит вполне серьезная по настрою музыка, да и герои на клоунов не похожи. Но буквально первые минут 10 меняют это впечатление, заставляя понять всю иронию постановки: это и чеснок, развешенный вообще везде и на всех, и «грудастая» героиня, чье взаимодействие с прочими персонажами выглядит классической комедийной темой. Причем профессор и Альфред, несмотря даже на своеобразную манеру поведения профессора и очевидную неискушенность его ассистента, выглядят все равно чуть преувеличено, но в рамках принятого в театре. Окончательно настраивают на ироничный лад сцены с Сарой и ее отцом: первый исполняет типичнейшую песню про любимую и чистую дочь, приколачивая при этом доски к ее двери, то есть совершенно не символически сажая под замок. Вторая же, пусть и будучи барышней хрупкой, ведет себя провокационно, играет, а с Альфредом исполняет не просто номер, а сбор всех возможных стереотипов о влюбленных, включая «глаза-в-глаза», какой-то общий предмет и прочее. Условно-серьезный вампир граф фон Кролок, оказываясь во всем этом бедламе, тоже выглядит пародийно, а вовсе не маняще и провокационно.

Все это происходит на фоне будто пряничного домика, постоянно крутящегося туда-сюда. Декорация эта лишь в отдаленной степени напоминает картину мирной жизни, будучи постоянно нарушаемой чужеродными для мирной жизни элементами: диковатым слугой графа или тем же чесноком. Вместе с тем, ровно ни одного героя, кроме, разве что, Альфреда, нельзя назвать положительным: в каждом есть что-то порочное, ну или какая-то тайна. Ровно также ни одного представителя этой деревни нельзя назвать типичным простаком, повинующимся силе толпы: очень очевидно, что проблемы в деревне совершенно иные, нежели условные нравственные ценности.

Немалое значение для этой постановки имеет свет, причем в основном он важен для номеров вампиров. Кролоку он придает мистики, превращая периодически в гигантскую летучую мышь. Темень, взмахи рук и плаща, пронизывающий надменный голос – вот он граф. В противоположность деревне декорации его владений скорее непонятны, будто бесконечный лабиринт, производят впечатление древности и почти ветшания. Здесь много танцующих темных фигур, издалека производящих впечатление кишащего змеями или скорпионами моря. Проекции здесь тоже используются лишь для графа и его окружения, причем все строго черно-белые, ведь вампиров окружает ночь, и больше стилистические, чем четкие: зрителю приходится допридумывать место действия самостоятельно.

История эта совсем не о торжестве света, а об освобождении сущности людей, ведь пачками превращаясь в вампиров, герои становятся свободными, пусть и поют зачастую о недостатках вечной жизни, все равно развлекаются как могут. Едва ли хоть один из них жалел хоть о чем-то или о чем-то вспоминал: отцовская любовь здесь не более чем чувство собственника, проходящая, как только появляется иная забава, а иная любовь не более чем влечение или развлечение. Надо сказать, что характерами наделены здесь скорее уже древние вампиры.

Говорить о характерах, какой-то основной сюжетной линии постановки, пожалуй, и не стоит. Сюжетная линия здесь начинается, а дальше все больше скатывается в безумный и веселый хаос, где все больше не столько последовательных и держащих в напряжении сцен, сколько просто сцен любопытных. Поставленные цели не преследуются, так как просто утрачивают смысл. Характеры героев – это отчаянный и с куражом играемый набор штампов. Увлеченный наукой забавный профессор, его вечно удивленный и восторженный ученик, конечно, влюбленный. Чистая, но любопытная девушка, здесь с иронией даже не ведомая, а с удовольствием следующая. Хлюпик-папашка и мужеподобная мамаша. Грудастая крестьянка. Как бы трагичный и мистический вампир. И, сюрприз, очень странный его сынок. Любопытным персонажем является Куколь: немой герой в мюзикле – это очевидная ирония над самим жанром.

Немножко о персоналиях: совсем не понравился Александр Суханов как граф. Несмотря на прекрасный и очень красивый голос. Не хватило какой-то аристократичности, что ли, и еще было ощущение, что артисту физически неудобно петь то, что он пел, потому что получалось будто не в те ворота. Очень хотелось бы увидеть графа из первого состава, есть ощущение, что здесь проблема именно в «дублирующем» характере исполнителя. Ирина Вершкова-Сара понравилась по своей озорной игре, но создалось впечатление, что ей категорически не хватает голоса. Остальные мне понравились, особенно хочется выделить Ростислава Колпакова (Герберт). Этот артист не забывал играть ни на минуту, даже если внимание и акценты были не на нем, тем самым, оживляя своего персонажа. А уж как он двигается! Очень круто танцует, правда. Под впечатлением. Очень понравились Александр Казьмин и Андрей Бирин. Альфред получается действительно убедительным таким недотепой, но искренним, переживающим. А профессор… Как Андрей перенял пластику, как его профессор двигается, говорит, ставит акценты. А уж его песни-скороговорки! Мне кажется, он говорил быстрее, чем я могла понять. Очень хорошая дикция и очень качественно сделанная роль.

Хочется отметить общую подготовку всех участников постановки. Здесь много трюков, и очень многие завязаны на артистов. Как ловко умудряется спускаться Альфред без всяких лестниц и, похоже, без страховки. Как ловко профессор оказывается закрепленным, когда висит на своей одежде, и как ловко потом открепляется без малейшего отрыва от действия! Как эффектно сделано, что вампиры не отражаются в зеркалах: очень хорошая синхронность танцоров параллельно солистам, лишь при приближении видны маленькие расхождения. Как хорошо двигаются все: и солисты, и танцоры.  Как играет свет, какую атмосферу создает и как обманывает зрителя!   

Музыка в постановке понравилась: временами игривая, временами торжественная. Показалось, что она абсолютно безжалостна к исполнителям, и им далеко не всегда удобно ее петь. Здесь очень хорошо справился Бирин со своими выходами, Казьмин и Колпаков. Есть быстро запоминающиеся мелодии. Понравились богатые костюмы и декорации, в которых совсем нет перебора, но нет и излишней скромности.

Производит впечатление танцевальный финал, роковый финал, где все реально становятся свободными, только на сей раз не вампирами, но рокерами – этими любителями протеста. Видимо, есть что-то близкое у первых и у вторых. А чего они все хотят? Лишь зажечь!

В общем, мне очень понравилось. Настрой, артисты, сама постановка. Наконец-то в ней чувствуется душа, а не просто глянцевая калька. Единственное, что смазало впечатление – это недостаточно убедительный граф, хотелось бы кого-то другого увидеть, но в целом очень круто.

0

106

"Амстердам", Московский театр Современник на сцене Дворца на Яузе, 04.05.2017

http://s019.radikal.ru/i626/1705/5f/d1f26807f05e.jpg

Страшно подумать, но я совсем не помню, когда ходила на спектакли театра «Современник». Точнее, я помню, как пыталась, но тогда спектакль был отменен. Вместе с тем, анонс потенциально злободневного спектакля «Амстердам» меня зацепил, да и Михаил Ефремов в главной роли – да, это вдохновляет. Играют спектакль сейчас во Дворце на Яузе: зал кажется больше родного зала «Современника», соответственно, больших проблем с билетами я не испытала.

Прежде всего, это, конечно, комедия. Не столь злая и сатиричная, как я хотела и ожидала, зато достаточно легкая. А юмор здесь настолько «цепкий», что просто невозможно не смеяться до слез. Сюжет прост как три копейки: провинциальный чиновник (Михаил Ефремов) встречается с семьей в Амстердаме, которая постоянно живет в Лондоне, где под звуки гремящего гей-парада сталкивается с приятелем сына, конечно, геем. Талантливо изображаемый Михаилом Ефремовым чиновник – это сборный образ всего, что обычные люди думают о чиновничестве вообще: простой, вульгарный, вороватый, нетерпимый, приверженец так называемых ценностей, в должной мере услужливый кому надо и пытающийся следовать текущей моде власть имущих, на сей раз, на патриотизм. Его семья, живущая в Лондоне – конечно, штамп, в данном случае являющийся еще и важной частью разгорающегося конфликта. Впрочем, если в жизни чиновника Николая есть много притворства и лжи, то вот ненависть к непохожим у него вполне искренняя.

И вот здесь-то и возникает другая настоящая звезда спектакля – молодой актер Евгений Павлов в роли сына мексиканца и русской, гея Долорес (да, именно так, «Долореса» здесь никто не говорит). Собственно, на диалогах и взаимодействии Николая и Долорес построен весь сюжет. Спектакль быстро становится бенефисом этих двух актеров. Здесь и самоуверенность, и чувство собственного превосходства от Николая, и поначалу искреннее, а потом просто отчаянное желание нравиться от Долорес, просто множество комедийных и алкогольных моментов. Красной нитью, однако, проходит эта тема лютой нетерпимости, которой полны сердца вот таких вот николаев в России, которой нет места во многих других странах. Сейчас, сталкиваясь лишь с одним из представителей «нетрадиционного» сообщества, медленно, но верно, Николай открывает для себя то, что такие люди тоже люди. Так же медленно, но верно, неприязнь, ненависть, отвращение уходят из его сердца, а на смену им приходит куда более глубинное желание сочувствовать и помогать. Долорес же заставляет нас задуматься, что общество заставляет всех притворяться кем-то еще, только чтобы понравиться, но зачем все это надо, лучше быть собой, и обязательно найдется кто-то, кто часами будет стоять под нашими окнами ради нашей любви.

Точно в эту же тему ложатся и рассуждения жены Николая Ларисы: зачем отрывать сына от учебы в Лондоне и потенциально блестящего будущего ради как бы важного приобщения к русским корням и ценностям, которое, если судить по самому Николаю, несет в себе что-то общее к сделанному шагу назад. Однако в случае с тем же Николаем важно, что вся наносная ненависть, мракобесие, на самом деле абстрактно, направлено на массу людей, но не направлено ни на кого конкретно. Где уходят шаблоны, там приходит человечность. Николай как никто другой в этой постановке готов сочувствовать, жертвовать, защищать. Пусть порой его рассуждения о новой войне выглядят наивно, но они очень искренние, и в этом Николай проявляет русскую черту небезразличия. Да, он искренний, и эта искренность, порой проявляемая грубо, в нем подкупает: он искренне чувствует, искренне радуется, искренне хочет заботиться о своей семье. Как может.

Если говорить о самой постановке, то, несмотря на хорошее настроение, которое она дает, я считаю, что спектакль весьма средний. Да, это бенефис Михаила Ефремова, и без него смотреться спектакль не будет вообще. Все действие происходит в одном помещении и в одних декорациях, причем я бы не сказала, что сюжетом такой поворот оправдан. Декорации выглядят достаточно просто и банально, по уровню, увы, близко к антрепризе. То же касается и костюмов, начиная от труселей Ефремова и заканчивая боевой раскраской его сына. Надо сказать, что костюмы тоже привносят свою долю юмора: примерка Ефремовым во втором акте «модного прикида», а именно зауженной одежды ярких цветов – это что-то.

Чтобы получить от «Амстердама» максимум удовольствия, надо смотреть «День выборов». Приветов здесь много, как музыкальных, так и постановочных, и сюжетных. На сцене звучит казачья песня, сам Ефремов в какой-то момент переодевается казаком и машет саблей.

Я уже не раз упоминала, что звезда этой постановки – Михаил Ефремов, играющий на удивление качественно и добросовестно. Но, неожиданно или ожидаемо, ничуть ему не уступает Евгений Павлов (Долорес). Как этот актер движется на высоченных каблуках, высоченных платформах, с какой видимой лёгкостью даются ему все эти многочисленные перемещения по сцене! Своего Долорес он подает точно так же по-настоящему. Я не могу назвать этот образ абсолютно шаблонным: да, его герой очень эксцентричен, но подачи в стиле «ой, противный» в явном виде нет. Пусть он переодевается женщиной, но он скорее экспрессивен, чем что-то еще. Он тоже искренний, как и Николай, почти отчаянно искренний. К сожалению, про остальных актеров говорить откровенно нечего. Ольга Родина (а в другом составе эта роль закреплена за Аленой Бабенко) в роли жены Николая играет ровно и спокойно, совершенно не запоминаясь, Шамиль Хаматов в роли сына вообще чуть ли не эпизодический герой, как и еще несколько персонажей.

Конечно, театр – это всегда прекрасно. Я получила много удовольствия от «Амстердама». Но трудно не видеть, что постановка сделана на потребу публике, что от нее «несет» антрепризой, где декорации выглядят халтурой, а спектакль держится лишь на актерах. Странно это говорить, но если судить по «Амстердаму», то уровень «Современника» будет ниже среднего уровня «Маяковки», МХТ, Театра наций… Впрочем, судить лишь по одной постановке – неправильно. Надо будет попробовать сходить на что-то еще.

0

107

"Рассказы Шукшина", Театр Наций, 21.05.2017

http://s019.radikal.ru/i624/1705/93/66797dcbc86e.jpg

«Рассказы Шукшина», как известно, один из самых популярных спектаклей Москвы. Театр Наций играет его регулярно, но попасть туда за относительно вменяемые деньги не так-то просто. Но мне повезло, пусть и на сей раз пришлось идти одной, но когда меня это останавливало. «Рассказы Шукшина», помимо всего прочего, получили множество Золотых Масок в свое время, что тоже о чем-то говорит. В частности, это лучшая мужская и женская роли, и лучший спектакль.

Ну что сказать…Основа спектакля – это абсолютный минимализм. На сцене стоит длинная скамья, а за ней в ряд четыре декорации-фотографии. Казалось бы, мы уже стали привыкать к экранам и проекциям, причем не только в мюзиклах, но и в драматическом театре (скажем, «Юбилей ювелира» МХТ им. Чехова или «Август» Театра Маяковского). А здесь что-то вроде предшественника – большие фотографии, которые, тем не менее, настолько выразительны, что производят впечатление и создают ощущение присутствия не меньше, чем экраны. Однако ощущение сопричастности создают, прежде всего, актеры – лучшие из лучших. Нет, они не ходят по залу, достаточно маленькому, между прочим. Но они на сцене настолько живые и убедительные, что не поверить им невозможно.

Пусть Евгений Миронов имеет Маску за роль в этом спектакле, я все же считаю, что солирует в «Рассказах» не он. Женщины здесь много круче. А главная и лучшая из женщин – Чулпан Хаматова! Ее перевоплощения – это нечто. Она легко переходит от соблазнительной цацы к старушке, а от старушки к глухой девушке. Вот она второстепенна, она рассказчица, лузгающая семечки, а вот она в центре действия. Глядя на нее, забываешь об остальных. Она так меняется, что становится буквально другим человеком, с другими жестами, голосом, движениями. Такие преображения! Я не помню более многогранного актера в рамках одного спектакля. Вместе с тем, я бы охарактеризовала эту актрису как актрису со слезами в глазах. Это у нее есть, пусть даже она умело это прячет. Чулпан прекрасна. Точка.

Евгений Миронов тоже меняет образы как перчатки, однако он узнаваем всегда, и нет такого потрясающего эффекта полного преображения. Может, мужчинам сложнее преображаться, чем женщинам? Не знаю, но этот спектакль поставлен именно на женщин. Даже когда в центре истории мужской персонаж, он всегда связан с женщиной, которая немедленно выходит в центр повествования так или иначе. Мужчины в этом спектакле слишком часто, очень часто наблюдатели, часто безвольные, забавные, меняющие свое мнение под воздействием ветра. Мужчины в этом спектакле боятся той власти, которую имеют над ними женщины. Мужчины здесь падают к женским ногам и все, все делают ради женщин. Мужчины здесь куда чаще недотепы, чем женщины. Конечно, здесь есть и женские странные персонажи, но все же таких мужских здесь больше.

Здесь простые камерные сюжеты, простые камерные истории, а действие разворачивается все на той же скамейке, по которой ходят, на которой сидят, лежат: делают, что угодно. Герои умилительно трогательны и умилительно трагичны. Их истории маленькие, это крошечные истории незаметных людей. Но их переживания, их боль, их горе или их радость удивительно понятны зрителю. Потому что это человеческие эмоции и человеческие переживания. Да, характеры, может, по-театральному преувеличены, но они понятны. В каждом маленьком эпизоде маленькое или вырастающее в большое человеческое переживание, часто имеющее причиной что-то тоже малозначимое. Что-то такое, что расстраивает или радует каждого из нас в повседневной жизни.

А еще все это сделано таким деревенским… Эти герои часто не молоды, а если молоды, то непутевы. Будто город вымывает из деревни лучшее, потому что просто нормальных персонажей, обычных здесь попросту нет. Городские довольно беззлобно, но противопоставляются деревенским, они более циничны, ну а деревенские более искренние. Деревня – это природа, это приближение к земле, потому и герои здесь проще, простодушнее. Все происходящее сопровождает убаюкивающая народная музыка, то просто звучащая на сцене, то напеваемая или играемая самими актерами.

Хочется отдельно отметить то, как мастерски происходит смена образов, костюмов и даже грима актеров и актрис. Ладно, они часто переодеваются или носят парики. Но актрисы то с накрашенными ресницами, то нет, то с накрашенными ярко-красным лаком ногтями, то этот лак уже стерт! Как только успевали менять костюмы, макияж: ума не приложу. Потрясающе. Костюмы здесь достаточно простые, но в этой простоте есть красота и лаконичность. Минимум средств, но максимум эффекта.

Из актеров, исполняющих второстепенные образы, запомнились многие. Это и классический «бугай» Дмитрий Журавлев, играющий иногда вполне ученого человека (парадокс), это и Александр Гришин, появляющийся в множества образов, и удивительно красивый, но чаще здесь играющий непутевые образы Александр Новин, и уж совсем часто клоун-неудачник Павел Акимкин. А также перевоплощающиеся от красавиц в ведьм и обратно Юлия Свежакова, Наталья Ноздрина.

Минусы, к сожалению, тоже есть. Зал в Театре Наций не слишком удобный, хоть подъем на балконе вполне приличный. А еще когда актеры играют бабушек или дедушек, не всегда просто разобрать слова, да и просто в действии тоже. То ли акустика (хотя показалось, что она в норме, точно с МАМТом не сравнится – там жуть), то ли занятые здесь киноактеры стали терять этот навык театральной речи.

Конечно, заметно, что этот спектакль на сцене много лет, сейчас в моде будто другое. Этот спектакль нейтрален, он не заигрывает и не говорит с современностью. Он теплый, спокойный, умиротворяющий. Даже примиряющий с действительностью. Есть, конечно, постановки, которые понравились мне много больше, но не признать, что «Рассказы Шукшина» - удивительный спектакль, я не могу.

0

108

"ГрозаГроза", Театр Наций, 27.05.2017

http://s012.radikal.ru/i320/1705/34/89995ae97fd6.jpg

Я долгое время думала, что Театр Наций непогрешим. Он может быть не каждому понятен, но зато там все в порядке со вкусом, мерой – с качеством спектаклей. Очевидно, что здесь не боятся экспериментов, но увы, они не всегда удачны. Новая «ГрозаГроза» для меня пример неудачного эксперимента.

В сущности, «Гроза» началась случайно неудачно – с отключения электричества на сцене и проблем с гарнитурой у исполнителей ролей. Впрочем, такое может быть везде, тем более, что актеры это обыграли, получилось забавно и мило. Но это все же лирическое отступление.

В этой «Грозе» для меня спорно все. Наиболее значимая декорация – это отражающийся в большом зеркале бассейн, где плавают полуголые девицы, пусть и не все действие. Бассейн – видимо, Волга. А девицы кто? Русалки? Хорошо, если так, но почему же они полуголые, в дальнейшем не играет это и не выстраивается в стройный ряд, как и само их наличие. Интереснее было бы видеть девушек в чем-то вроде ночной рубашки. Тогда русалки могли бы восприниматься как своеобразные предшественницы Катерины – утопленницы, превратившиеся в неземных существ. А так получилось голое тело ради голого тела. 

Остальные части оформления сцены как-то не сочетаются между собой, с происходящим на сцене, с костюмами, не выстраиваются в понятный визуальный и художественный ряд. На сцене обычные стулья, даже не стилизованные, обычный матрас, все повседневное, а декораций как таковых нет, есть лишь чернота на заднем плане с видами какого-то гардероба да серый этот бассейн, куда периодически запрыгивает Катерина. Костюмы тоже не говорящие. То какое-то дешевое богатство в платьях, то подчеркнутая скромность костюма Катерины, то вообще окровавленные штаны и рубашка Бориса, что кажется просто не оправданным совершенно. Почему окровавленная? Что это несет? Костюмы не назовешь выполненными в едином стиле, скорее, множество собранных воедино идей, но почему эта героиня одета так, а этот герой – так, не понятно. Здесь нет четкого взгляда на то, почему те или иные персонажи выглядят подобным образом, нет какой-то смысловой нагрузки ни в оформлении сцены, ни в костюмах. 

Музыкальное оформление отличается наличием микрофонов-гарнитуры почти у всех исполнителей, что характерно для мюзикла, но не для драматического театра. Интересно, это какой-то художественный прием или необходимость? Надо сказать, что даже с запрятыванием гарнитуры поработали не очень: в одной из сцен герой почти показательно перекладывает передатчик в карман. Извините, такие технические детали никуда не годятся. Мы же в том же «Бале вампиров» в сцене с Сарой дома в ванной не видим микрофон и связанное вообще, а они есть! Стоило и здесь придумать, как это добро спрятать. Поют здесь почему-то «Рыбу моей мечты», к чему она здесь, остается также не понятым мною, как и многие элементы оформления. Точно также отдельный условно интересный элемент, не вписывающийся в общий пейзаж спектакля. А больше почти ничего не поют, кроме напевания под нос одной из героинь, что все так же ставит вопрос, зачем использовать гарнитуру практически всем. Зритель не проигрывает, конечно, но вопрос остается.

С точки зрения самой постановки тоже от идеала далеко. Все без исключения герои или на грани истерики, или уже в ней. В самом начале спектакля Кабаниха выдает такую продолжительную, неоправданно длинную истерику, что от нее жутко устаешь. А потом и остальные кричат. Крики-крики, надо же иметь чувство меры. Катерина в это время просто стоит на втором плане, но Юлия Пересильд в этот момент выразительнее всех присутствующих на сцене вместе взятых. А ей для этого даже говорить ничего не надо. Впрочем, так или иначе, но в истерику здесь впадают все, включая саму Катерину. И все на грани. Спокойная высокомерная Варя – лишь дождись, когда сорвется. Что Тихон, что Борис – оба шумные и крикливые.

Действие имеет особенность здесь частенько провисать. Очень часто герои заняты разговором и больше ничем. Не продуман совсем второй план, действия, движения героев. Ведь героям вовсе не обязательно сидеть за столом, разговаривая, они могут что-то делать. А так получается просто скучно. Катерина в первом действии еще и очень много валяется на полу. Почему? Очень много, просто безумно перемещений по зрительному залу. Это часто интересно, но зрителям бельэтажа и балкона не видно ничего. Не очень качественно поставлена смена мест действия, времени действия: выходящие на сцену работники сцены заметны и режут глаз, недопустимо это!

А еще очень хочется поругать постановку поведения героев, да и вообще постановку. Все очень вульгарно. Дикая дурновкусица. Начиная от нарядов, грима и заканчивая просто движениями. Герои часто говорят с интонациями чуть ли не гопников, на сцене часто появляются вызывающе одетые барышни, герои вообще часто оголяются – по поводу и без. А как поставлено прощание Катерины с мужем: откровенная отсылка к интиму – зачем? Да даже та же Кабаниха в какой-то сцене сидит откровенно вульгарно. Вообще здесь есть какое-то нездоровое влечение к интимной части, что бы ни произошло – везде этот подтекст. Не деликатно, просто в лоб. Зачем? Что-то подобное видели мы в ижевских «Маленьких трагедиях» на Маске. Влечение к интиму – это что, характерная черта режиссеров провинциальных театров? Зачем?

Воспринимается происходящее как происходящее не на Земле, и не в аду – в чистилище. Это ощущение усиливают периодически появляющиеся стройные ряды девушек под ярким светом, ослепляющим – как привет из ада. Но более ничего такого здесь и нет…

Не понравилось, как сделана концовка. Просто провален финал. Чем все закончится для Катерины, знает каждый, кто учился в школе. И вот она бежит, бежит все быстрее и быстрее. И ты ждешь, что она прыгнет в эту Волгу-бассейн… А она просто останавливается. И все. Где финал? А еще и до этого она лазает по зрительному залу, и ты тоже ждешь прыжка, но все переходит в пшик.

Впрочем, есть в постановке и интересные идеи. Но выглядят они как идеи, накиданные, но не реализованные в должной мере, не вписанные в спектакль. Скажем, в самом начале Катерина очень долго бежит и снимает, снимает с себя одежды, платки – будто очищается, возвращается к себе прежней, и это здорово. А главная идея: что и нелюбимый муж, и возлюбленный сыграны одним и тем же актером! Это прекрасная мысль! Все это – лишь две стороны одной медали, и по сути оба относятся к Катерине одинаково. Однако даже эта тема не очень-то раскрыта, между героями будто нет пересечений. Да, один актер, но без общности персонажей. Каждый сам по себе: один в костюмах, другой в окровавленных не понятно почему тряпках ходит. Не доведено до конца, не раскрыто. Как и с бассейном этим: интересная идея, но кроме русалок и пары прыжков Катерины в него, он больше и не задействован.

А еще я не поняла главного: что автор хотел сказать. Вот что? Понятно, что хотелось поставить «Грозу» современно. Только не ясно, почему здесь между современностью и вульгарностью ставится знак равенства. Почему если современно, то обязательно многие персонажи выглядят, извините, как гопота. Да, на их фоне хотя бы похожая на человека Катерина – реально пресловутый луч света в темном царстве. Почему так много вульгарного? Разве в жизни это так? Нет! Ладно, любовь. Ее вообще хоть кто-то играет? Тоже нет, тоже не поставлено. Герои говорят слова любви, но они все пустые. Даже у Катерины, которая просто потеряна в своих мечтах и измучена в своей клетке. Почему здесь столько прожженых в плохом смысле героев? Неприятно…

Но мне очень понравилась Юлия Пересильд. Она играла очень убедительно. С сумасшедшинкой или с подчеркнутой скромностью. В одних ее глазах было больше, чем в словах иных актёров. Да, она реально такая глупая и находящаяся на грани мечтательница, очень неуравновешенная психически, переходящая в крайности. Понравился еще Дмитрий Журавлев, пусть и в маленькой роли. Честный мечтатель, тоже мечтатель!

Павел Чинарев не впечатлил, хотя, казалось бы, он играл две разные роли. Во-первых, эти роли не были ярко индивидуальными, во-вторых, они не были схожими. В его игре проскальзывало как раз что-то близкое к простонародному, это что-то отталкивающее, неприятное. Он слишком просто играл, что ли…

Очень не понравилась Анастасия Светлова – Кабаниха. Просто очень. Столько крика, истерики, причем просто прямой истерики без малейших полутонов. Перемену настроения она сыграла очень «в лоб», ее игре не веришь! Плоский образ. Героиня просто центр всего плохого, что только может быть, причем на полном серьезе, без даже намека на комедийность. Я помню, как мне не был близок образ Евгении Симоновой из «Русского романа», где тоже было много крика. Но то было оправдано, и я это в конце концов поняла, то было все же с чувством меры. Да и просто сыграно во много раз лучше. А здесь плоско, крик ради крика, грубо, не интересно. Ну и повторю: чувство меры! Не забывайте о нем. Никогда.

Юлия Хлынина оставила у меня смешанные чувства. С одной стороны, такая стервь. Холодная, высокомерная барышня. Она тут как кукла и как функция. Пожалуй, героиня получилась бездушной и какой-то…не человеком, в общем. Ее страстям и желанию погулять не веришь, скорее, есть желание не подчиняться. Ну и эта стервозность, смешанная с детским капризом. Не понимаю, хорошо это или плохо… Если быть функцией, то не в одной из основных ролей, наверное, так. Ну и стилистически не до конца понятно, почему она такая.

Завершая свою бурю возмущения, скажу, что очень многие зрители уходили после первого акта. Неожиданно для Театра Наций, да и перешептывания действие тоже сопровождали. Мне откровенно не понравилось. Я не поняла, зачем это поставлено, что до нас хотели донести, что сказать.  Я не поняла, почему современное и пошлое, вульгарное здесь приравнено. Почему такой интерес к интиму, причем только ради интима, что действием и стилем не оправдано. Совсем не продуман второй план, не продуманы движения и действия героев, часто ощущение, что это не спектакль, а выразительное чтение. Странное музыкальное оформление. Игра актеров – лишь единицы реально хороши. Это слабо. А еще и дурновкусица. Думаю, долго в репертуаре не продержится.

0

109

"Стена", Приморский академический краевой драматический театр на сцене ЦАТРА, 12.06.2017

Та самая "Стена" Мединского

http://s018.radikal.ru/i505/1706/4c/1630112ad786.jpg

Ой, друзья, этот спектакль – «Стена» Приморского академического краевого драматического театра имени Горького – подарил мне множество положительных эмоций. Я давно так не смеялась, постфактум, правда, на спектакле не очень удобно, но непроизвольный жест рукалицо накрывал меня постоянно. Конечно, это не совсем тот эффект, на который рассчитана постановка, но иначе «Стену» воспринимать невозможно. Это должно было быть прекрасно, и было.

Собственно, почему это было прекрасно. А оцените весь пафос момента: Театр Российской армии, патриотический спектакль про защиту Смоленска от поляков да по книге министра нашего Мединского, да в День России. О, я чувствовала, что получу массу эмоций. Министра нынешнего, кстати, не было, но был один из самых примечательных прошлых: Михаил Швыдкой, который в финале поднялся на сцену. А еще вышла неувязочка: аншлага и близко не было, да и тяжело заполнить огромный зал ЦАТРА, даже согнанные солдаты и курсанты не смогли создать иллюзию полного зала. Они были! Не верьте, если пишут обратное! Заняли как раз несколько рядов за моим местом и еще на противоположной стороне. Частично ушли ближе к финалу первого акта (отбой?).

А теперь, собственно, про «Стену». Владивостокцы привезли свой прекрасный (правда) занавес, весь расшитый правителями России. Когда он поднялся, на сцене оказались сначала какие-то то ли цари, то ли бояре, а затем и мужчина в камуфляже, зачитывавший что-то вроде главы учебника. Читал он молодежи в совершенно обычной одежде и даже майках с надписями типа Rammstein, которые сидели, собственно, у той самой стены. Стена семь километров, представляете! Ух! Молодежь воспринимала лекцию равнодушно и с почти скучающим видом, а затем удалилась, чтобы больше на сцене не появиться, и началось само действо.

Действо поставлено «в лоб», с абсолютной серьезностью и присущим пафосом. Почти все оно происходит так или иначе у стены. О, стена заслуживает внимания! Выглядит это нечто как нелепая картонка, собранная из нескольких частей, которые то и дело перетаскивали то солдаты, то артисты, но признаю, что достаточно незаметно, и это плюс постановки. Особо стена в действии не участвует, так, где-то на заднем плане или переднем, да не суть. Она не играет. Она то разъезжается, то стоит вместе, то вовсе переворачивается наизнанку. Тут отдельное рукалицо. С обратной стороны стена выглядит как обратная сторона декорации, но не как декорация сама. Смотрится как грязь и огромный жирный минус спектакля. На обратной стороне болтаются какие-то то ли веревки, то ли еще что: обычные рабочие элементы. А используется это лишь для проекции огромной иконы на эту стену. Увы, это решение для меня встает в один ряд с самыми…гм…любопытными придумками театров: Лев Толстой в лаптях и с ежедневником, огромные сапоги и громыхающие ванны, летающие топорики (кто читал мои рецензии, помнит). 

Стены как чуть ли не единственной декорации на всю огромную сцену ЦАТРА откровенно не хватает (а зал у самого приморского тетра, судя по схеме, совсем небольшой), декорации просто не способны нормально заполнить пространство, в результате ощущение пустоты постоянное. А еще и оставшиеся решения более чем странные: используются проекции, но в странной смеси условности и мультяшности с…подписанием мест и происходящего (например, «Смоленск» или «Сон Варвары»). Зачем это, почему важно, я так и не поняла, выглядит как «для тупых». Когда экран, на который проецировались картинки, поднимался, зритель прекрасно мог увидеть на заднем плане горящий проход двери и надпись над ней «Выход». Ой, господа, кто не догадался закрыть дверь и потушить табличку, не ведаю, но это недопустимо категорически. Прочие элементы декора достаточно скромные: некое подобие телеги, некое подобие бани, да и деревянные то ли иконы, то ли что-то подобное, и все. Конечно, мало этого для сцены ЦАТРА.

Костюмы – это очень любопытный разговор, который вызывал во мне ступор и ставший уже привычным жест. Напоминаю, постановка «в лоб». Соответственно, женщины в сарафанах и кокошниках в наличии, мужчины чуть более стилизовано, но ненамного, а еще священники в черных рясах, с наклеенными бородами и с огромными крестами. Первый вопрос, который у меня возникает: есть там такая героиня бойкая Катерина, так разгуливает она долгое время в чем-то вроде стилизованных под рыцарей одеждах, в штанах точно и с мечом. Это нормально? Нет, правда, такое было возможно? Обычная девушка, вроде. Второй: мне просто ужасно глаз резал герой на стороне Смоленска в современных вполне очках и в кожаном с молниями (!!!) плаще, будто купленном в ближайшем ТЦ. Кто он, я так до конца не поняла, но почему он так одет?! Что за нелепость? Тут как-то стиль единый надо выбирать, а не такое разнообразие почти на любой вкус. И это все на фоне постановки и костюмов «как должно быть». А вот поляков одели всех в белое, тоже с молниями, видимо, в противоположность пестрым русским. Хотя прямо сильно цветовое разнообразие в этом спектакле не используется.

В этой постановке беда страшная с пьесой (сценарием) и с режиссурой. Видимо, роман господина Мединского – произведение объемное. Перенести его на сцену, судя по всему, хотели как можно полнее. Это сыграло очень злую шутку. Героев очень много, запоминаются, прямо скажем, не все, у каждого сценического времени минимум. Если верить аннотации, то центральной должна была стать детективная линия, но она ограничилась лишь потрясанием кусками некой карты и поиском сокровищ, легенда которых особо рассказана зрителю не была, так что и зачаровать она не могла. Детективная линия оказывается еще очень затерта всякими мелкими и малозначимыми сценами вроде боев всяких ниндзя у поляков (!!!!) или сцен в бане у русских, ну и пафосными разговорами, больше смахивающими на исторические хроники. Эта линия не пронизывает буквально каждое действие, не сплетаются все линии воедино, не складывается головоломка, каждая линия существует будто отдельно. Следить в результате неинтересно, да и может ли быть интересно, если об этой линии вспоминают только потому что надо.

Есть еще любовная линия, чуть более интересная, но вызывающая чувство глубокого недоумения. В самом начале нам заявляют главную пару, которая потом резко перестает быть вообще интересной авторам, затем на сцене снова парень из пары и еще какая-то женщина (а мы и первую не успели запомнить), еще мальчишка, а потом и еще один человек. Совершенно непредсказуемо, нечитаемо для зрителя случается еще один роман, точнее, он заявлен, но лишь так, что вот есть он, и все. А потом девушка уже предупреждает нового любимого об опасности. Ты думаешь: наконец-то, интрига, на чем-то сосредоточимся! Но герой цели достигает неизвестно как, но в следующие 5 минут. Галопом по европам.

Польская тема – это вообще. Если мы говорим о противостоянии, то главный что у русских, что у поляков должен хоть какие-то эмоции испытывать, а не просто благолепие. А польский главный выглядит настолько уставшим, будто ему совсем ничего не надо, и он просто сидит на троне. При этом каким-то образом где-то трагедии и войны. С поляками вообще забавно: то у них ниндзя и супер-бойцы, которых потом обязательно кто-то побеждает, а тема их поражения далее развития не имеет, то у них главный вроде и не главный. Он обращается к своему подчиненному, мол, я надеюсь, ты попа не убьешь, это его работа (выражение-то какое – работа!!). А подчиненный в ту же минуту убивает. Откуда это неповиновение? Если уж подданные своего короля не слушают, почему русские должны? Где опасность, от него исходящая? Или специально выбран образ немощи в противовес русскому богатырски выглядящему воеводе, чтобы гордость испытать? Дешево. 

Как я уже говорила, развития в постановке не имеет толком ни одна линия. Народу на сцене СЛИШКОМ много, и очень пестрого. Напоминает «День выборов»: «Всю труппу займу!!». Главные актеры, вроде, особо с толпой не смешиваются, но такое количество массовки откровенно лишнее. Стройно выстроенных массовых сцен я и не припомню. Бросилось в глаза, что часть общих песен, как показалось, исполняли под фонограмму, что позор, но во втором действии кто-то пел и вживую, нацепили гарнитуру. Поразительный при этом эффект: очень часто на сцене остаются 2-3 актера, действий которых откровенно не хватает, чтобы занять зияющую пустоту.

Не продуман здесь второй план и действия актеров, когда они не в центре внимания. Я люблю наблюдать за актерами, когда они не в центре действия, и часто это очень увлекательно.  А здесь? Стоят столбиком себе и смотрят, словно та же стена. Опять много разговоров без действия, почему? Очень много бессмысленных и затянутых сцен. Сцены с боями похожи на хвастовство: а еще так можем, вот какими трюкам нас научили, но бои все равно смотрятся фальшиво, даже несмотря на перекидывание через голову. Причем сцены эти очень длинные, неоправданно длинные. Трудно еще отследить судьбы героев во многих массовых сценах: героев там просто нет. Вот прошло какое-то нападение, массовка изобразила гибель, а ни один главный герой во всем этом безобразии не участвовал. Кстати, бои и тому подобное происходили без какой-либо логики, случилось, и все. Ну и всякие подвиги тоже. А уж путешествия из одного лагеря в другой происходили так же легко, как сейчас путешествие их Москвы в Питер, например.

Не поняла я и с использованием художественных средств. Начнем с того, что у нас был мужчина в камуфляже, видимо, рассказчик, однако закадровый голос (киношный прием) в постановке почти не использовался, как нет и героя-ведущего типа Гренгуара в НДДП или Бошана в МК. Хорошо, от первого лица. Но с какого тогда перепуга героиня Варвара в один момент все играет-играет, и вдруг начинает зачитывать текст про себя от третьего лица?! Сыграть зачитанное не может? Это может быть приемом и интересным, но тогда должно встречаться чаще одного раза в спектакле. А в финале вообще стали выводить дальнейшую историю титром на экран, как в кино частенько бывает, но в использовании этих киношных приемов здесь стройности нет, не вписаны они, а прочитать я, например, не успела из-за плохого зрения. Почему титры в тишине? Не проще ли было зачитать их торжественным голосом?

Финал мне не очень понравился. По идее, это ироничное завершение истории, но как-то не чувствуется вся эта ирония, насмешка судьбы, воспринимается все более чем равнодушно.

Актеров и героев в постановке много, а вот интересных, цепляющих, выпуклых образов нет. Все очень плоские и очень формальные. А еще и игра, простите, на уровне даже не ДК колхоза «Красный лапоть», а на уровне школьной самодеятельности. Просто видно, что режиссер сказал повернуться здесь, актер поворачивается, поклониться здесь – кланяется. Ненатурально, несвободно, фальшиво. Сказал режиссер интонацию ироничной сделать – сделал. Это так бросается в глаза! Привело все это к отсутствию хоть какого-то очарования персонажами. Я их даже поверхностными не назову: они картонные, как та самая стена. Русские воющие почти все одинаковы или вообще не понятны, польский король немощен. Кому тут очаровывать? Молодые герои шаблонны. Нет ни одного персонажа многогранного, поведение которого предполагало бы что-то сложное, у которого элементарно были бы эмоции. А тут и любви нет, и ненависти нет, сплошное равнодушие. Даже над условно забавными героями смеяться не получается, настолько все наигранно. Во многом проблема не только в актерской игре, но и в маленьком количестве времени, в маленьком количестве ситуаций, где актеры могли бы раскрыть свои образы, все же бегом. Однако это разве препятствие: при возможностях и в таких условиях можно было бы сделать образы (некоторые, например, тот же Андрей) такими, что закачаешься.

Мне кажется, главная проблема постановки все-таки в неумении сосредоточиться на чем-то одном. На первый план надо было выводить либо противостояние с поляками, и тогда делать упор на противостоянии, эмоциональном, напряженном с сильными притягательными образами с обеих сторон, либо выводить любовную линию, и тогда развивать молодых, их проблемы, стоящие перед ними преграды, а Смоленск и поляки – фон. Получилась бы вкусная трагедия. Можно было бы делать детектив, и опять Смоленск – декорация, тогда надо было бы вводить обаятельных персонажей, которые бы эту детективную линию вели, или развивать имеющихся, но не как бы. А получилось все и сразу, то есть не получилось ничего. Центральной идеи нет, что сказать хотели, и сами не поняли. Может, разве что донести в очередной раз, насколько у нас великая страна.

А еще есть мелочь, которая и улыбнула, и огорчила. Зал очень оживился на фразе, что, когда приходишь в Россию, логика умирает. Жизненно, но ведь и грустно, так как говорит, что умирает здравый смысл. Чему тут радоваться?

Впрочем, есть и то, что мне понравилось. Актеры старались, правда, играли так хорошо, как они могут. И как глоток свежего воздуха Максим Вахрушев – студент ДВГИИ. В нем еще нет такого количества штампов, пока он еще сохранил свободу. Очень желаю ему большого успеха.

Разница с московским уровнем колоссальная. Просто очень. Реально я не жалею, я правда смеялась и очень. Это очень познавательно. До этого я видела региональные спектакли на «Маске», и надо признать, что там уровень выше. Вместе с тем, если музыкальный театр в городах России может быть очень даже интересным, то про драматический пока, по своему опыту, я этого сказать не могу. Но, может, мне пока не везло? В любом случае, в копилку моего театрального опыта эта «Стена» пошла.

Чтобы было еще одно мнение - МК: http://www.mk.ru/culture/2017/06/13/spe … yazhe.html

Здесь же немного фоток, чтобы понять масштаб бедствия.

0

110

"Голоса Амазонки", компания "Сестры Гримм" на сцене Театра имени А.С.Пушкина, 16.06.2017

http://i069.radikal.ru/1706/05/929a9bfd7799.jpg

Как известно, в Москве сейчас проходит в очередной раз Чеховский фестиваль, благодаря которому мы можем видеть на столичной сцене зарубежные постановки, которые едва ли увидели бы иначе. Честно скажу, единственным опытом посещения спектаклей в рамках данного фестиваля было посещение «Гамлета» Шекспировского театра «Глобус» - опыт бесценный и однозначно запомнившийся. Сейчас, пожалуй, ничего сопоставимого я в программе не нашла (хотя есть Комеди Франсез), хотя я не очень знаю, что есть топового в мировом театре (хотя на спектакли британцев, американцев и канадцев билетов сейчас уже нет). Выбирала уже полагаясь на интуицию, ну и первое, что я выбрала – «Голоса Амазонки», заявленные как танцевальный мюзикл совместного британо-бразильского производства, а отвечала за сие это действие продюсерская компания «Сестры Гримм».

Этот танцевальный спектакль основан на бразильских легендах и мифах, посвящен Бразилии, в музыкальном оформлении даже используются звуки тропического леса, записанные, если верить анонсам, во время путешествия авторов по Бразилии. Сюжет спектакля прост как три копейки и очень традиционен для множества культур, отчасти напоминает знаменитую «Русалочку». Русалка Белеза живет счастливо вместе со своей сестрой в водах реки Амазонки. Однако их счастливое существование оказывается поставлено под угрозу, когда сестра Белезы заболевает. Благородная и искренняя Белеза решается выйти из воды на сушу – в тропический лес, чтобы отыскать лекарство для любимой сестры. А в этом лесу она сталкивается с различными существами и людьми: какие-то из них дружелюбны, какие-то не очень, какие-то помогут Белезе, а какие-то попытаются ее убить. Собственно, путешествию русалки и посвящается вся постановка.

Начну я с того, что постановка эта абсолютно профессиональна, пусть и явно к числу дорогих и богатых она не относится. Декораций на сцене нет вовсе, есть только проекции, но это чисто стилистические проекции, которые не показывают ничего конкретного, а создают атмосферу. В создании атмосферы участвует и свет. Я не могу сказать, что работа со светом здесь уникальна, но достаточно профессиональна. Костюмы у героев также очень минималистичны: легкое летящее платье Белезы, исключительно минимальные какие-то костюмы для танцоров, изображающих животных, а герои-люди племен, населяющих берега Амазонки, и вовсе ходят в набедренных повязках. Вместе с тем, эти минимальные костюмы не выглядят дешево, выполнены они в едином стиле, и абсолютно не мешают движению танцоров. Солисты-певцы, участвующие в действии, одеты тоже достаточно легко и в этом топическом стиле, разве что в первые выходы основная солистка была в платье, не столько вписывающимся в атмосферу тропического леса, сколько просто концертном, но потом она сменила наряд.

Назвать эту постановку мюзиклом в полном смысле слова – это значит погрешить против истины. Здесь поют, но это не мюзикл, это танец. Это музыкальный спектакль, где много действительно цепляющей и выполненной в едином стиле музыки. Песен всего несколько, я бы не назвала их стопроцентными хитами, но, наверное, если послушать их более одного раза, они запомнятся. По стилю что-то похожее на те бразильские мелодии, которые мы слышим, например, в бразильских сериалах.  Солистов-певцов всего двое: женщина и мужчина. Певица – достаточно красивая артистка, похоже, что бразильянка: шикарные вьющиеся от природы волосы, цвет кожи – скорее мулатка (см. многих актрис из бразильских сериалов), красивый голос, сама не худая, но выглядит очень красиво, она колоритная. Показалось, что есть немного эффекта «каша во рту», но пела она, насколько я смогла понять, на португальском, так что какая разница. Ее партнер по сцене – не менее колоритный бразилец (судя по внешности), правда, без шевелюры вовсе. Мне понравилось, как он пел, гораздо четче, кстати, чем певица. Как их зовут, не знаю, исполнители в программке указаны без наименования их ролей.

Танцоры в этой постановке – это что-то потрясающее. Сразу оговорюсь, что они же и хор: у каждого была гарнитура (и снова, возвращаясь к «Грозе», скажу: передатчиков не видно!! Хотя на танцорах минимум одежды), и они пели. Но все же именно как хор: даже исполнявшие главные танцевальные партии артисты не имели своих песен, для этого были солисты. Но вернемся к танцам. Хореография очень говорящая: что происходит, можно понять и без рассказывающего историю голоса. Очень здорово и атмосферно поставлен танец диких животных джунглей, потрясающе совершенно поставлена борьба тех же животных, а потом и людей. Да, это танец, но в то, что герои дерутся, веришь! Согласно программке, в постановке использованы элементы капоэйры. Не менее эффектно поставлено плаванье нашей русалки, а потом ее обретение умения ходить. Это правда очень красиво и убедительно. Рассинхрона критичного я не заметила, пару раз немного, а в основном танец отточен.

Невероятная основная танцовщица, которая исполняла партию Белезы! Просто невероятная! Звезда! Она волшебно пластичная, летающая, легкая, восхитительная, но в то же время она и классная актриса! У нее такая живая мимика: на ее лице было столько эмоций. И очень настоящая тоска, боль, скорбь, когда умирала сестра Белезы, и почти наивная радость знакомству с лесом, и любовь по отношению к встреченному ею человеку. Столько эмоций, столько жизни, такое говорящее лицо! В каждой сцене она разная, она не просто танцует, она живет в этом образе. Пожалуй, исполняющий партию ее нового друга танцор ей проигрывает в этом, но не сильно; я могла бы сказать, что все танцоры в этой постановке по-настоящему играют, не переигрывая, без фальши, полностью погружаясь в создаваемый только ими и их движениями мир. Очень мне запомнился один танец, где артисты периодически начинали танцевать парами, и вот в одной из пар было столько страсти, что называется, латиноамериканской, такое притяжение, поразительная красота. А ведь это были лишь танцоры на вторых ролях. Получила от наблюдения за танцорами невероятное удовольствие.

Теперь о каких-то организационных вещах и просто отвлеченных. Закадровый голос говорил на английском, и его слова, соответственно, переводились на экране, висящем над сценой. Говорил голос не очень много, размеренно, не слишком быстро, четко, так что даже и без субтитров можно понять, о чем. Мне показалось, что перевод не всегда совпадал с тем, что говорилось, но в целом близко. Этот рассказчик повествовал, что происходит, что мы увидим сейчас на сцене, предварял основные смены действия. Что несколько разочаровало, так это то, что песни шли без перевода (в виде субтитров, имею ввиду), даже минимального, даже пары строк. Почему? Тем более, что пели на португальском, то есть понять, о чем поют, шансов нет. К слову, в кино на мюзиклах тоже далеко не всегда переводят песни целиком, но пару строк – всегда. Почему здесь не стали, на понятно. С одной стороны, особо не мешало, с другой – возможно, мы смогли бы понять чуть больше о героях, о происходящем в общем, если бы песни были переведены. 

Сам спектакль не слишком длинный: около полутора часов, может, чуть больше, и с антрактом. Удивилась я приятно публике: очень театральная, для многих это уже не первый спектакль в рамках Чеховского фестиваля этого года. Программки, как я уже сказала, были. Вполне стандартные, несущие в себе некоторый набор информации, но, к сожалению, совсем ничего не говорящие о людях, которые были на сцене. В целом, могу сказать, что мне понравилось, и даже очень, необычно, а я люблю видеть что-то новое. Пусть даже танец – не совсем мой жанр, посмотреть было очень интересно.

P.S. А текст читает Джереми Айронс!

0

111

"Лукреция Борджиа", Комеди Франсез на сцене МХТ им. Чехова, 23.06.2017

http://s42.radikal.ru/i096/1706/04/9cb72bc3f804.jpg

Моя весенне-летняя одержимость театром продолжилась спектаклем знаменитого «Комеди Франсез» «Лукреция Борджиа» на сцене МХТ им. Чехова. Первое, что удивило, так это сильно не полностью проданный зал, что, наверное, можно объяснить высокой и весьма стоимостью билетов. А второе – совершенно чудесная сотрудница театра, которая проверяла билеты при входе в бельэтаж и помогала найти свое место. Она активно и до конца защищала вверенную ей территорию от непрошенных гостей с балкона, руководствуясь весьма симпатичной мне логикой: «У меня зрители на плохих местах сидят, а я вас на первый ряд пущу? Вот когда все пересядут, тогда приходите». В результате, зрители бельэтажа реально пересели в его рамках поближе, а людей с балкона почти и не было вовсе.

Спектакль мне очень понравился, хотя это, конечно, сложно: следить за актерами и параллельно читать перевод. А говорят здесь много и активно: то ли в русском драматическом театре просто не обращаешь на это внимания, то ли сказывается некая многословность Гюго, чья пьеса была представлена. В описании говорилось, что это весьма мрачный спектакль, и он, конечно, не веселый, но и не то чтобы очень мрачный. Основные тона, в которых оформлены костюмы и постановка в целом – белый и черный цвета, с редкими вкраплениями красного, который иначе как цвет убийственного вина Борджиа или цвет крови не воспринимается. Вместе с тем, в спектакле есть некая живость, которая исходит от молодых героев, которые в самом начале рассказывают о злодействах знаменитого семейства будто рассказывают сказку или легенду, только страшную. Эти же герои только и умеют в дальнейшем веселиться, не думая об опасностях, хотя вся созданная на сцене атмосфера будто говорит о том, что верить нельзя ничему и ни на секунду нельзя расслабиться. Они воспринимаются так…как воплощение самой жизни, которая есть везде, в любых обстоятельствах, как росток, пробивающийся сквозь камень.

Здесь используются совершенно восхитительные декорации, которые предстают на сцене то венецианской гондолой, то домами в Ферраре, то дворцом, то танцевальным залом. Ощущение погружения абсолютное: какие-то витиеватые решетки, свет, создающий атмосферу отблесков воды в венецианских сценах, затемненный танцевальный зал с огоньками горящих канделябров…. Очень аккуратная и ненавязчивая смена сцен, да и многие сцены к тому же многоуровневые: вот Лукрециа наблюдает за Дженарро и его друзьями, а вот уже он сам общается со своим другом на каком-то балкончике, в то время, как с другой стороны тоже происходят действия. Есть здесь и параллельные сцены, когда на первом плане одна пара героев, и вот они погружены во тьму, и на первый план выходит другая.

Как я уже упоминала, костюмы героев оформлены в черно-белой гамме, за исключением всего нескольких. Как же ощущается этот французский шарм в этом оформлении, в этих костюмах! Красное платье появляется на сцене ближе к финалу, и оно само по себе – плохое предчувствие, ведь до того красным было лишь отравленное вино.  Активно используются маски: такие, что издалека не всегда очевидно, что на лице актера маска, она сливается с лицом, и ту же Лукрецию ее маска обезображивает, превращая в чудовище. Гробами для умирающих героев в финале тоже служат маски, что наталкивает на мысль о том, что гроб скрывает умершее тело, а маска скрывает умершую душу. А может, все проще, и здесь следует искать отсылку к посмертной маске, не знаю, или вовсе речь о том, что для Лукреции совсем не важно, кто ее очередные жертвы.

Хочется отметить и хореографию: то, как двигаются актеры, как поставлена та же сцена бала. Как очевидный сумбур молодой попойки, но четко поставленное действо. Есть здесь сцена с двумя детективами, следящими за герцогом и за герцогиней. В какой-то момент их движения абсолютно синхронны, они будто тень друг друга.

В этом спектакле есть место и юмору: временами мрачному, временами циничному, но очень своевременному. Люди в своем общении не обходятся без шуток, и эти герои тоже не обходятся. Герои очень эмоционально зачастую выражают свои эмоции, подтверждая и жестами, и мимикой свою речь, что достаточно забавно. А бывает, что слова героев или их ситуации вызывают ту же улыбку. Ирония же основного сюжета слишком трагична, чтобы быть забавной.

Теперь, наконец, о героях. Основных всего четыре: это сама Лукреция, ее муж, молодой человек Дженарро, а также помощник Лукреции Губетта. Эльза Лепуавр в главной роли приковывает к себе и не отпускает, настолько разную героиню она играет. Вот она страдающая и почти хрупкая женщина, которая сходит с ума от материнской любви, мучается, не имея возможности открыться, и ей почти веришь, и перечисление Губеттой обреченных Лукрецией на смерть выглядят как какой-то сюрреализм, ведь как может в одном сердце быть и свет, и такая тьма. В сцене, когда молодежь узнает Лукрецию и ей в лицо перечисляет ее грехи, она раздавлена, она слаба, и жаль ее, а не ее жертв, но уже спустя мгновение Лукреция говорит о мести, и почему-то становится жутко, становится понятно, что она не зря внушает ужас.

Мы видим Лукрецию и в жуткой, уродливой сцене ее возмущения, ненависти, неоправданной жестокости, когда она хочет крови ради крови, и вдруг перед нами чудовище, кормящее своих демонов и становящееся одним из них. Она бушует, рвет и мечет, а ее супруг холоден и спокоен, он побеждает Лукрецию ее же оружием и ее же желаниями, и вот эта змея уже извивается перед мужем, а он лишь наблюдает и играет с ней, доказывая, что она попала в ловушку. Да, ее имя вызывает ужас, она могущественна, но лишь до тех границ, которые ей обозначает ее супруг, и это ее злит. На фоне такой чудовищной злобы, исходящей от красивой в сущности женщины, ее попытки спасти и помочь, ее бесконечная любовь начинает выглядеть фальшиво. Точнее, это чувство, которое вдруг проснулось у той, которая отродясь ничего не чувствовала, не умела чувствовать ни к кому и никогда. По сути она сама яд, она губит все, до чего дотрагивается, но разница в том, что сейчас она от этого не получает удовольствия.

Как правильно было упомянуто в программке, верный помощник Губетта действительно выглядит как отражение уродливой души, и этот немолодой, неприятный приспешник, не умеющий творить добро, существующий в зле страшен и забавен одновременно. Он единственный знает, но не понимает (или наоборот?), все страдания своей госпожи, но он само зло, он ведет свою жестокую игру, но не понятно зачем. Просто он любит страдания, он любит причинять боль, а иных мотивов у него нет. Он может казаться забавным, он порой мимикой показывает что угодно и какие угодно вещи, порой почти кривляется, но он зло во плоти, и это способно напугать.

Дженарро, пусть и открытый, и страстный, и честный, но здесь скорее функция, человек, которого любит своею уродливой любовью Лукреция Борджиа. Однако повторюсь, он человек, он на Лукрецию не похож ни внешне, ни внутренне, он умеет любить, умеет дружить, его сердце открыто и благородно.

Финал жесток и ироничен, вот оно – живое воплощение уничтожения всего, что дорого. Можно сказать, что Лукреция своею безумной любовью сгубила объект своей любви, потому что она умеет лишь отравлять, а не спасать. Она всегда несла горе и смерть, и сейчас опять, потому что другого нести не умеет, не может. Ирония в том, что, не умея никогда любить сама, не умея испытывать чувства, она не приняла в расчет, что другие их испытывают, что для них эти чувства могут быть очень важны, что они порой сильнее чувства самосохранения. Ее неумение испытывать человеческое при внезапно проснувшейся материнской любви – ее наказание. Она – яд, уничтоживший противоядие. Она слишком сильно стремилась к нему, что не спаслась сама, но уничтожила свое спасение. Ее не жалко, потому что, несмотря на перепады своего настроения, она – чудовище, и в этом не может быть сомнений.

Это действительно очень профессиональный спектакль, хотя бы по своей манере очень сильно отличающийся от всего, что идет у нас. Не знаю уж, особенность ли это постановки, но французы играют более театрально, чем британцы, но все же они свободнее, чем наши актеры. Все сделано с таким шармом, с таким вкусом… Серьезный настой спектакля может быть разбавлен шуткой или движением, а веселость может пропасть в один миг. Прекрасно, что мы имеем счастье видеть такие спектакли, и я очень рекомендую все-таки сходить на спектакли Чеховского фестиваля, пока есть такая возможность, это того стоит.

0

112

"Капитан Фракасс", Мастерская Петра Фоменко, 28.09.2017

http://s018.radikal.ru/i500/1709/9f/31ab111f9364.jpg

На спектакль «Капитан Фракасс» Мастерской Петра Фоменко я шла в приподнятом настроении и с ощущением, что я очень соскучилась по театру, на этот раз, уже осенью, хотя обычно тоска такого рода меня накрывает все-таки весной. Эта постановка определенно не относится к числу ведущих премьер театра, известных имен здесь нет, играют молодые актеры Мастерской, зато это не условный «Вишневый сад» в 100500 раз, а что-то относительно оригинальное.

Если вкратце говорить о сюжете, то он о благородном дворянине-бароне, который волею судьбы присоединяется к бродячему театру и становится его актером. Поставлено по мотивам одноименного романа Теофиля Готье, чье имя я, к прискорбию своему, слышу впервые. На деле сюжета как такового у постановки нет. Есть вот эта основная идея, но нет стержня, нет основной сюжетной нити, за развитием которой было бы интересно следить. Эта постановка оказывается спектаклем о жизни бродячего театра вообще, об их маленьких приключениях, но без внутренней интриги, раскрытие которой могло бы стать ключевой точкой спектакля. То, что главный герой благородных кровей, ни для кого не тайна, это даже попутно встречающимся людям хорошо известно, роман нашего барона с актрисой протекает весьма вяло, а больше следить особо не за чем, так как финальной цели ни у барона, ни у труппы нет. Они идут в Париж, но в какой-то степени это тоже не финал, а промежуточная точка в их бесконечном гастрольном турне.

Такой спектакль не о чем, да еще комедия по жанру, должен быть, по крайней мере, смешным. Причем не просто смешным, а перманентно смешным, смешным почти в жанре импровизации, искристым. Как у «Квартета «И». Здесь нужна легкость, озорство, определенная доля абсурда и никакой серьезности. Возможно, поэтому практически все роли отданы молодым актерам театра. Однако так не получается. Получается сумбурно, затянуто, часто скучно и очень мусорно. Актеры слишком серьезно играют свои роли, видимо, такова была установка режиссера, они не могут дурачиться, за исключением, может, одного, это чувствуется, это все портит. Их шутки чаще всего несмешные из-за такого настроя, и все ждешь положительных изменений, а их все нет. В какой-то момент создается впечатление, что режиссер начал ставить спектакль, что-то пошло не так, не получается, он пытается вырулить, выплыть, а все равно не получается, появляются какие-то классные находки, но сам спектакль от этого классным не становится. Очень сыро и недоделано. И, увы, не смешно.

В отношении этого спектакля, кажется, слышала я выражение «комедия дель-арте», из-за чего вспоминается идеальный по стилю питерский «Ворон», виденный на «Золотой Маске». «Капитан Фракасс» проигрывает ему по всем параметрам. В «Капитане» единого стиля будто и нет: минимализм в декорациях, но какие-то слишком серьезные и громоздкие костюмы-тряпки, не соответствующие этому минимализму. «Ворон» был идеально современным и очень злободневным, а «Капитан Фракасс» очень старомоден, пришел из какого-то поросшего мхом прошлого. «Ворон» был новаторским, а «Капитан Фракасс» выглядит устаревшим. Нет в нем идеи, совсем нет. Он ничего нового не несет вообще, что для постановки одного из ведущих московских театров выглядит катастрофой. По стилю игры актеров сравнивать с «Вороном» я не стану, скорее, напомнило «Лукрецию Борджиа» Комеди Франсез, но там в игре актеров была и серьезность, и дурашливость, поставлено было точнее.

Итак, мы имеем проблемы с сюжетом и динамикой. Здесь ощущение слишком большого количества мелких событий и полное отсутствие событий крупных. Есть серьезная проблема с тем, чтобы занять актеров на время произнесения ими длинных монологов. Длинные монологи в театре – это вообще опасно, и здесь эту опасность не обошли. Слишком часто в таких ситуациях актеры ничем не заняты. Это приводит к скуке. С другой стороны, в какие-то моменты герои, напротив, все как-то копошатся, а центра этого копошения нет. Их приключения чаще всего не несут в себе никакого смысла, в каждый момент хочется уже уловить отправную точку, сюжет, который стал бы развиваться, но его нет. Что-то немного меняется во втором действии, где на первый план выходит герцог де Валломбрез, но его еще дождаться надо, да и маловато одной небольшой линии на весь спектакль.

Кстати, о героях. Их очень много. Причем авторы постановки до такой степени пытаются уделить внимание каждому, что главные герои своей увеличенной доли внимания оказываются лишены. Во многом именно слишком большое количество героев и характеров приводит к ощущению перенасыщения происходящего на сцене. Не понравилось, как обошлись с маркизом де Брюйером как героем: он появился как промежуточный персонаж, который должен был исчезнуть, пусть отчасти и повлияв на действие, но потом он появляется снова, только уже как бессловесный друг герцога де Валломбреза, явно второстепенный и не понятно зачем появившийся снова. Почти как слуга, вот только по знатности равный. В итоге не понятный в своем назначении персонаж. Он не имеет своих планов, не плетет своих интриг, такой бессловесный наблюдатель. Но только и наблюдателем в полной мере он не является: он не рассказчик, он не ведет зрителя по истории, как та же дуэнья. Непонятный персонаж.

А еще в спектакле очень много музыки: герои поют, и часто. Здесь, на мой взгляд, имеет место ошибка: поющим актерам не дают микрофон, как делают во многих театрах (не только музыкальных), что приводит к гораздо худшему звучанию их голосов. Здесь есть центральная музыкальная тема, впрочем, зачем в этой постановке столько песен, тоже до конца не понятно, особенно, зачем герои переходят с языка на язык. Песни не очень гармонично вплетены в повествование, отчего отчасти выглядят чужеродными.

Ну и, наконец, об актерах. Вот они скорее понравились. Очень талантливые молодые актеры Мастерской Петра Фоменко. На мой взгляд, принципиально с ролями справляются все. Мне скорее понравился А.Мичков, играющий барона де Сигоньяка (он же Капитан Фракасс), понравилась и М.Большова, играющая его возлюбленную Изабеллу. Впрочем, им совсем не удалась любовная линия, точнее, ей. Если в искренность чувств капитана скорее веришь, то девушке – нет. Сама по себе она хороша, но с ее стороны совсем нет этой актерской «химии». А по характерам из этой пары девушка интереснее: в ней есть смесь серьезного и комичного, за миловидной внешностью явно скрывается серьезный характер. В бароне же комичного гораздо меньше, он предельно благороден, а еще искренен. Ближе к концу его искренняя сцена получается вообще здорово, но характер все же довольно прямолинейный.

Окружающие пару прочие актеры тоже хорошо справляются со своими ролями, и роли эти требуют выразительности: Зербина вызывает большую симпатию своей живостью, Леандр очень любопытно выглядит внешне, да и играет любопытно. Появляющийся позднее маркиз де Брюйер совсем не прописан, и играющему его актеру играть просто нечего, а жаль. Зато настоящей звездой мне показался главный злодей этой постановки герцог де Валломбрез – Ю.Титов. Наиболее разносторонняя роль, да еще превосходно сыгранная. Наверное, этому актеру единственному удалось быть озорным, дурачащимся, легким, отчаянно молодым. Он невероятно смешон там, где это надо, трогателен, если это требуется, неприятен в соответствующие моменты. А еще он невероятно музыкален! В какие-то моменты он двигается под музыку так, будто он с ней единое целое. Он ее очень хорошо слышит. Этот актер просто отчаянно талантлив. Его герой более других имеет развитие, более других меняется, и актеру удается это передать. От него я просто в восторге.

Подводя итоги, я скажу, что хотела бы видеть «Капитана Фракасса» менее серьезным, в жанре, может, театрального капустника. Получилось все же монументально, а едва ли так задумывалось. Проходная достаточно постановка, зато выводит на сцену молодых актеров, на которых точно приятно посмотреть, которые и правда талантливы, и обаятельны. Впрочем, даже их молодая энергия не способна сбить пыль с этой старомодной постановки. А жаль.

0

113

"Амфитрион", Мастерская Петра Фоменко, 02.10.2017

http://i062.radikal.ru/1710/4a/e0f955520262.png

Насколько меня разочаровал «Капитан Фракасс», настолько и даже больше мне понравился «Амфитрион». Впрочем, это было предсказуемо: французская команда, профессиональная труппа театра сделали свое дело. Необычный, креативный, нескучный спектакль, причем еще и недлинный (кстати, на том же Чеховском фестивале иностранные постановки длинными не были, что обратило на себя мое внимание). Креатив начинался даже с программки, которая выполнена в виде зеркала, в котором отражается название спектакля.

Вообще оформление в этом спектакле просто волшебное. Центральным элементом, как нетрудно догадаться, является зеркало, причем расположенное под таким углом, что создается ощущение, что зритель смотрит на героев сверху, будто с небес, где должны жить боги – герои этого спектакля. Зеркало вполне двигается, и ощущение это при необходимости меняется. Зеркало создает атмосферу, иногда создавая ощущение отражения даже не в себе, не в зеркале, а на водяной глади, придавая некоторую нереальность происходящему. Зеркало часто главный элемент, когда смотреть надо именно в него, ибо просто на сцену бессмысленно, например, тот же нарисованный домик Созия ближе к финалу. Зеркало создает атмосферу некоторой заповедности, интимности, например, когда в нем отражаются кругом выставленные горящие свечи: это уже почти не спальня, а даже жертвоприношение.

Здесь я немного отвлекусь и скажу, что совсем недавно видела зеркало в «ГрозаГроза» Театра Наций, но там этот прием и близко не имел такого эффекта, не использовался, не играл. Здесь, конечно, все гораздо более продумано, вкусно, профессионально.

В спектакле активно задействованы спецэффекты, в частности, дым. На сцене его порой столько, что все скрывается в этом артистическом дыму, что позволяет исчезнуть актерам, а вкупе с двигающимся зеркалом зритель будто оказывается в каком-то мистическом месте: то ли это облака, то ли какое странное болото. Простой прием, но насколько здесь эффектный. Не менее простой прием и поднимающийся изнутри сцены стул с артистом, который создает ощущение, что видим мы порождение зла, Дьявола, хотя в данном спектакле это не совсем так. Или так? Учитывая не совсем добрые поступки этих богов к людям, чем они добро, а не зло?

Хочется отметить восхитительно созданные сцены: актеры ни минуты не замирают, они играют, за ними интересно наблюдать. А первая сцена – почти мимическая, ведь произносимый Ночью и Меркурием текст так трудно воспринимать, но актеры его так отыгрывают, что оторваться просто невозможно. Каждое слово здесь сопровождается действием, одно вытекает из другого – плавно, аккуратно, эффектно. С одной стороны, зеркало несколько отгораживает зрителя от происходящего, от актеров, некоторые элементы их игры подчеркнуто театральны, как и интонации, с другой - актеры идут в зал, там взаимодействуют со зрителем с пугающей достоверностью, чуть ли не стреляются, залезают на ручки кресел, что полностью неожиданно для любого зрителя.

Костюмы здесь строги и лаконичны, идеально сочетаются с не менее строгим оформлением спектакля. Действительно, почти магический круг из свечей хорошо сочетается со строгим платьем, но не подходит к платью «пух и перья». Созию, чтобы быть забавным, вовсе не нужен костюм шута, а богам для их величия не нужны королевские одежды.

В этом потрясающем спектакле, построенном на обмане богами простых людей, на завладение богами чужими личностями заняты актрисы-близнецы сестры Кутеповы. Удивительно, но их героини единственные, какие не перепутаны между собой, не изменены, не подменены. Их героини чуть ли не самые театральные, и они как бриллианты сверкают на строгой диадеме-спектакле. Их сходство вызывает любопытный эффект, не прямой, но эмоциональный, как относительно понятной является и связь их судеб: так или иначе обиженные своими мужьями, страдающие, но гордые. Одна госпожа, другая служанка, но боги решили посмеяться над обеими почти в равной степени. Глядя друг на друга, они по сути смотрят в собственное отражение. Как в некотором роде и их мужья, точно так же одинаково обманутые. Удивительная ирония в игре этих близнецов-актрис. Потрясающие Полина и Ксения, они – центр этого спектакля, его сердцевина.

Невероятно понравился Карэн Бадалов в роли Созия. Потрясающая юмористическая роль. Какое перевоплощение в забавного труса, хитреца, сколько пластики в движениях этого проворного слуги! Он абсолютно убедителен и невероятно обаятелен! Он как …хорек, шныряющий туда-сюда, не слишком положительный, но, в целом, и не плохой. Просто замечательно сыгранная роль: так часто Созий на сцене один, и долго один, но смотреть на него невероятно интересно.

Остальные роли сыграны не менее профессионально и качественно, но не произвели столь сильного впечатления.

Конечно, это спектакль-заявка. Восхитительный, умный, оригинальный: такая нескучная классика и не классика одновременно. В этой постановке однозначно чувствуется заграничная рука, но и от актеров зависит очень многое. Советую убедительно посмотреть «Амфитрион». Это действительно великолепно.

0

114

"День опричника", 12.10.2017, Ленком

http://s008.radikal.ru/i305/1710/6d/a9f8518fe79e.png

Буквально вчера я посмотрела один из самых умных, актуальных, смешных, смелых спектаклей за долгое-долгое время. В «Дне опричника» играют все тяжеловесы Ленкома, и делают это с удовольствием, которое видно. Это злая и одновременно очень остроумная сатира, а еще удивительно, нахально смелая.

Смеяться здесь начинаешь буквально с вступления, когда на сцену выходит и начинает вещать стилизованный поп с огромными золотыми часами на руке (ЧАСЫ!!!!), что уже само по себе вызывает смех, слишком понятная ассоциация. На шее у него двуглавый орел, а на ногах сандалии. В речи его смешалось все: и квасной патриотизм, и власть богатых, и мракобесие и много чего еще, от чего смеешься еще больше. Не менее интересен и задний план, где расположены гигантские то ли винтики, то ли гвозди, которые, как подозреваешь в тот момент, непременно должны быть вкручены или вбиты.

Власть легко узнаваемых символов здесь повсюду: и идущие назад куранты, и будто петербургские мосты, и ракеты, которые, понятно, могут упасть. Но главное-то – подход к героям! В России 2116 года нет президента, но есть ЦАРЬ, есть ОПРИЧНИКИ, а еще, конечно, есть стена, отгораживающая Россию от всего мира. В России этой говорят на странном наречии: смесь жаргона и неграмотности, зато категорически запрещен мат, хотя и назревает матерная реформа. Мат-то запрещен, зато вполне нормально пустить жену убитого неугодного по кругу в том самом смысле слова: лицемерие в действии. В одежде странная смесь современности и дремучего Средневековья, а в поступках, как понятно их вышесказанного, только второе. Оппозиция в этой антиутопии – хлюпики в очках, боящиеся собственных вопросов, а заправляет всем опричнина, которая, на деле, ценится как псы какие, и не более. Опричники тоже интересны: как бы доктора наук и пару раз образованные, зато царь спрашивает, кто из них умеет читать. А еще говорят с подчеркнутым акцентом. Очень прозрачные ассоциации, пожалуй.

Царя Платона Николаевича блистательно играет Дмитрий Певцов, и это самый забавный и нелепый царь, которого только можно представить. Это будто больной на голову человек, откровенный тиран, зато заявляющий, что без него Россия рухнет. Царь этот пучит глаза, пьет таблетки и вызывает ужас. Но не он главный герой. Главный здесь – опричник Андрей, вдруг влюбившийся во вдову, осознающий ужас положения и боящийся этого осознания. Такое пробуждение человека в откровенном кошмаре, когда он начинает этот кошмар кошмаром и осознавать.

Впрочем, какая разница, какой здесь сюжет. Здесь важно оформление и фразы. Книги здесь горят, как у классика, писателей уничтожают, ибо вредны они, а граждане в едином порыве сожгли загранпаспорта свои (с шенгенскими визами!!) на Красной площади. Кремль тоже не очень-то важный объект (отстроим новый), а народ плохой (надо бы заменить). Герои совершают мерзости, но вспоминают Бога, отрицают мат, но с упоением посылают всех в ж…

А ощущение от оформления общее: дикий сюр, как в голове у больного, реальный кошмар, который может лишь присниться, но очень все стройно и вкусно выглядит. Блеск и нищета, яркость и скромность: все смешалось. Ощущение нелепости, приближающегося конца света, катящейся к закату империи – все об этом оформлении. А еще здесь есть царь, есть опричники, и совсем нет народа, который будто и показаться боится.

Актеры играют с бесконечным удовольствием, потешаются на славу, дурачатся и смешат зрителей. Здесь читается фирменный стиль Ленкома, но и читается вызов. Неожиданное смешение жанра комедии и жанра антиутопии, что редко встречается, получилось на редкость удачным, поскольку за антиутопию взят не условный мир после ядерной войны, а мир как последствие дошедшего до крайности маразма, и это очень интересно. В ролях здесь все звезды Ленкома: Виктор Раков, Александра Захарова, Антон Шагин, Дмитрий Певцов и даже появляется Леонид Броневой. Помимо кайфа от своей игры, актеры играют очень профессионально и очень живо.

Здесь трудно рассуждать более размеренно и вдумчиво, потому что спектакль надо видеть и чувствовать. Он понятен, прозрачен, он полон намеков и ассоциаций. Это не нейтральный спектакль. В нем нет трагедии, разве что, кроме очень чисто выполненного финала. Это такой замечательный театр абсурда, который точно интересно будет увидеть всем, кто хочет наблюдать актуальный театр. Ленком, кажется, давно уже не был в номинациях «Золотой Маски», и мне правда хотелось бы, чтобы «День опричника» туда попал.

Советую-советую всем! Сатира не так часто встречается на наших подмостках, и, особенно, талантливая сатира. Это тот Ленком, который любим, в который хочется ходить. Очень советую!

0

115

"Гордость и предубеждение", МХТ им. Чехова, 15.10.2017

http://s013.radikal.ru/i325/1710/9d/d207c5605f76.jpg

Я наконец дошла до «Гордости и предубеждения» - настоящего мюзикла на сцене одного из лучших драматических театров Москвы. Надо сказать, этот самый драматический театр представляет постановку не под запись музыки, как любил некогда один музыкальный, а под шикарный живой оркестр, а в самом зале совершенно замечательный звук. МХТ вообще один из любимейших театров, чего уж там.

«Гордость и предубеждение» - материал для освоения достаточно сложный, потому что ставить это серьезно просто нелепо, но как же тогда? На мой взгляд, Алексей Франдетти смог найти просто идеальный баланс. Все эти «розовые сопли» в прямом смысле слова здесь розовые и зефирные, но стеб над темой очень даже доброжелательный и не злой. Герои и особенно героини ходят в сумасшедших розовых одеждах с розовыми же цветами, манеры, балы, предрассудки – все это иронично и смешно, да еще и растворено в розовом сиропе. Здесь множество чудесных режиссерских находок, как та же выплывающая в «Стоунхендже» Кэтрин де Бург с посохом или делающая ножкой Элизабет в момент долгожданного поцелуя. Так неожиданно, забавно и мило. И совсем не заштамповано.

Переживания главных и не очень героев происходят во время бесконечного бала цветов, под красивую и необязательную музыку на фоне бесконечной зелени английского поместья, которая при определенном движении декораций вдруг напомнила…сапоги. Воплощением всего цветочного здесь однозначно является Миссис Беннет в очень удачном комедийном исполнении Лики Рулла. Вот уж где громкое, временами грубоватое пение актрисы пришлось как нельзя кстати. Миссис Беннет – это одна огромная клумба в цветочном платье, цветочной шляпе, под которой вообще не видно волос, а некоторые из ее дочек донельзя напоминают стайку птичек, которые около клумбы кружат. Лика очень органично вживается в образ грубой, плетущий простенькие интриги женщины, которая, в связи с понятными, в общем-то, обстоятельствами, становится еще и меркантильной.

Говоря о романтических парах, не могу не упомянуть Джейн и мистера Бингли. Искренность этой пары просто подкупает, а, глядя на Валерия Зазулина, невольно вспоминаешь Александра Казьмина в «Бале вампиров» в очень схожей роли. Им уделено совсем немного внимания, но любовь актеры играют очень убедительно, именно такую первую и чистую, любовь сердцем и душой. Очень теплая пара.

Элизабет (Дарья Авратинская) и мистер Дарси (Станислав Беляев) – пара куда более холодная, но обладающая не меньшей актерской «химией», чем младшие их коллеги. Гордая и искренняя в своих суждениях Элизабет покоряет с первого взгляда. Этот строгий и оценивающий взгляд холодных глаз, гордая осанка, и в то же время плохо скрываемые переживания по поводу такого же гордого, на первый взгляд, Дарси… А еще и проблемы с многочисленными родственниками, глупой мамашей… Дарси же, в свою очередь, здорово меняется по мере развития спектакля: от гордого на грани нахальства человека до мучающегося в любовной агонии влюбленного. Конечно, и в финале он так же узнаваем по своей природе, но все же укрощен. Мне очень понравилась Дарья Авратинская, про Стаса Беляева я вообще молчу: очень разноплановый актер, никогда бы не подумала, что из него так классно получится мистер Дарси, но ведь получился! Повторюсь, что Стас очень убедительно играет эту перемену от почти презрения до слепой любви, не бросая, тем не менее, основные черты своего персонажа, далеко не однозначного.

Безусловная удача – второстепенные персонажи. Александр Емельянов – едва ли не единственный во всем актерском составе спектакля, кто не имеет никакого отношения ни к МХТ, ни к театру Табакова, ни к Школе-Студии МХАТ (если верить программке). Его Джордж Уикхем вроде и красив, и держится благородно, но вызывает глубокую неприязнь чуть ли не рефлекторно, и если это не отражение натуры самого актера, если он так сыграл, то он просто невероятно талантлив. Появления Кэтрин де Бург в своем выплывающем Стоунхендже – всегда улыбка. Мария Зорина играет иссыхающую ведьму, Шапокляк в одном лице, и делает это и комично, и пугающе. Впрочем, ее Кэтрин – как хищник в клетке: она может лишь грозить, но что-то сделать бессильна. Интересно, что Кэтрин тоже скорее в фиолетовом, чем розовом, что в некотором роде перекликается с Элизабет и в чем-то демонстрирует ее вероятное будущее. Невозможно не отметить Кирилла Трубецкого – манерного и почти неприятного мистера Коллинза. Его прыжочки, манера речи, периодически костюмы – это что-то.

Оценив персонажей, оформление хотелось бы вернуться к постановке, ее сценарию в целом. Хочется отметить, что, несмотря на неочевидные сюжетные линии (а какими еще могут быть романтические интриги), авторы смогли расставить акценты так, что сюжет абсолютно понятен даже не читавшему оригинал зрителю, ничьи мотивы не потеряны, никакие вопросы не забыты. Возможно, чуть не хватает пары сестер, но это несущественно. Очень понравились тексты, я так понимаю, тоже дело рук Алексея Франдетти. Наконец-то не безликое нечто, что последнее время часто звучит в мюзиклах, а очень даже яркие слова, броские фразы, добрая ирония. Все на месте. С зефиром Алексей и команда тоже не переборщили: им явно свойственно и чувство меры, и чувство вкуса. Хотя здесь все такое розовое-розовое, это четко выдержанный стиль, ирония, стеб, и правда талантливый стеб. Никакой драмы или серьезности: все почти в ритме бала, с улыбкой, радостью, почти играючи. Серьезно это было бы нелепо.

Очень профессионально и безусловно талантливо. Исполненный великолепными артистами МХТ или имеющими к нему отношение, мюзикл получился более чем полноценным, что даже не хочется делать никаких скидок на «драматический» характер театра. Все правильно и все хорошо. Звук великолепный, оркестр живой, артисты достойно поющие. На сцене красота и цветы. Все получилось. Поначалу может показаться скучноватым, но потом реально разыгрываются как-то! Нет, это не мега-шедевр, но это вполне выше среднего. И здесь точно есть душа.

0

116

Иммерсивное шоу "Вернувшиеся", 19.10.2017

http://i053.radikal.ru/1710/53/21be37ba02bf.jpg

Есть в Москве достаточно широко разрекламированный так называемый иммерсивный спектакль «Вернувшиеся». Поставлен он по пьесе Ибсена «Привидения». Пьесу я честно прочитала, благо, она небольшая, и пришла к выводу, что ничего даже похожего на действие и какую-то глубокую мысль там нет. Наверное, для своего времени она была смелой, но сегодня это выглядит лишь как поток мыслей, лишенный глобальной идеи. Что же из этого можно сотворить? А сделали спектакль «Вернувшиеся».

Сейчас для меня очевидно, что данная пьеса была выбрана как раз из-за ее простоты, из-за ее камерности, из-за отсутствия в ней движения. Для зрителя проще не запутаться в сюжете, если он прост и незамысловат. Само название даже пьесе подходит с трудом, что уж говорить о еще более броском «Вернувшиеся» для шоу, где от данной темы толком ничего и нет.

Но вернемся к сюжету. Даже несмотря на простоту, зритель не прочитавший пьесу, не поймет ровным счетом НИЧЕГО. Кто все эти люди? О чем они говорят? Зачем бегают бесконечно? Что это за помещение такое? Трехэтажное здание обещало, как минимум, приключение с эффектами, но эффекты заканчиваются постоянным дымом, который уместен, но не постоянно же, хореографическими этюдами да отдельной светомузыкой в отдельном помещении. А основное-то – сам спектакль. Который, к слову, играют одновременно и параллельно несколько составов. Как тут не запутаться неподготовленному зрителю? Ответ прост: никак.

Зрителю дается полная свобода перемещения по зданию, что хорошо, вот только зритель пришел не в музей, а на шоу. Сама идея шоу, на мой взгляд, очень талантливая, неординарная и перспективная. Для постановки она необычайно сложная, для исполнения тоже. Сами посудите: не сценическое пространство, а интерьеры, стена между зрителем и актерами сломана, так что малейшая фальшь лезет и бросается в глаза. Как помочь зрителю все увидеть, все понять? Как его увлечь?..

Впрочем, считаю, что имеющийся режиссёр шоу даже и не задавал себе такие вопросы, а свою сложнейшую задачу не понял вообще. Пусть это спектакль в огромном помещении, но это спектакль! Зритель не должен вообще гадать, куда ему идти. Когда я пришла, никто не понимал, что будет дальше: бегали по комнатам в поисках хоть чего-то. Я считаю, что такой подход недопустим. Зрителя действие должно захватить сразу. Зритель должен просто за ним следовать, и все. Недопустимо, чтобы важные герои просто убегали от зрителя. Если надо переместиться из помещения в помещение, то пусть персонажи какой-нибудь разговор, например, ведут, или еще что-то делают, но увлекают публику за собой. Действие должно вести. Все эти 100500 акробатических этюдов или примерок платьев в параллельных комнатах в независимости от основного сюжета – пыль, наносное, то, что отвлекает от самой постановки. Есть основное действие, нить которого зритель должен понимать и за ним следовать. Это – задача режиссера. Чтобы зритель не потерялся, чтобы все понял. Просто не на сцене, а в доме.

Есть здесь еще одна фишка: параллельно одно и то же играют несколько составов. Я не против этого. Но сейчас один и тот же зритель может в поисках хоть чего-нибудь увидеть одно и то же несколько раз. И не увидеть что-то важное. Чего уж говорить о том, что там разные Регины, разные Освальды… А кто основной? За кем следить? Почему так, понятно: группы заходят в свое разное время. Пусть будут разные составы! Но! Каждую группу должен вести свой состав, причем поставить надо так, чтобы группы не пересекались. Одни ушли из помещения, другие зашли. Сложно? Еще бы! Еще один режиссерский вызов. Но режиссер этой постановки в данном направлении думал не более, чем в направлении действия, ведущего зрителя. То есть вообще не думал. А зритель должен даже и не догадаться о существовании нескольких героев и героинь.

Теперь о важном моменте: актерской игре и общем качестве постановки шоу. Конечно, поставлено «в лоб», но как-то иначе здесь едва ли требуется, хотя можно было бы поэкспериментировать. Оформление, костюмы: не режет глаз, достаточно аутентично. Актеры играют по-разному. Кто-то посильнее, кто-то послабее. Мне посчастливилось увидеть двух разных Регин (показалось, что разные) в одной и той же сцене, и более миниатюрная сыграла правдоподобнее. В целом же с отсутствием разделяющей зрителя и актёров «стены» актеры справляются с трудом, и не всегда. Фальшь видна. Видно, что играют. Сразу вспоминается Театр.doc, их «Кастинг». Там тоже «стена» сломана. Так вот, когда спектакль начинается, когда актриса начинает играть, не сразу понятно, что она – актриса, а не один из зрителей! Настолько это профессионально. А здесь увы, чаще всего не было ощущения, что мы в доме Алвинг и мы просто подглядываем за жильцами. Еще здесь опять вылезает режиссерская слабость. Актеры – люди подневольные, и мизансцены, движения ставят не они. А режиссер поставил с максимальным количеством шаблонов, ужасно «в лоб», то есть если кто-то терзается, то с заламыванием рук, например. Предметы, реквизит вообще не работают. Актеры просто его не используют. Некоторые странные фишки, например, мужик на шкафу, тоже уходит в «свисток». Чувствуется непрофессионализм постановщика.

Еще немного о комфорте зрителя. Придумано интересно: у зрителей маски, что помогает не путать актеров и зрителей. Но это жутко неудобно для тех, у кого зрение не очень, а линзы не носит. Да, честно об этом предупреждают, но продумать момент стоило бы. Другой вопрос: размер группы. Надо сокращать. Народу столько, что зачастую увидеть происходящее вообще просто невозможно. На финальную сцену с солнцем собираются человек 200, такое ощущение. А еще часто голосов актеров просто не слышно, когда они понижают голос. Тоже привет режиссеру! Вот такое совсем недопустимо. Неуважение к зрителю. Ну и непродуманное действие. Постоянно приходится бегать и искать, где хоть что-то происходит. Я лично шла туда, где стояли люди, или где я слышала голоса. Ну это бардак, а еще из-за него частенько становилось скучно.

Подводя итог, я хочу сказать, что слабая реализация сводит на нет прекрасную идею. Режиссера, видимо, взяли совсем слабого, и определенно непрофессионального. Ну, предположим, хотели сэкономить, ну тогда стоило позвать хотя бы группу выпускников театральных вузов. Если бы хотели «конфетку» и событие, стоило бы позвать, может, именитых режиссеров, которые умеют пространственно мыслить. Вообще, может, идеально было бы в постановщики брать молодежь и опытного куратора. Но не вот это вот все. К актерам не хочу предъявлять претензий: как поставили, так и сыграли. А сейчас… Воспринимается как интересный эксперимент, но ЭКСПЕРИМЕНТ, еще не готовый продукт. Вот рублей 700 мне было бы не жалко за такое отдать, но, когда билет стоит 4,5 тысячи, все должно быть просто идеально. Не стоит этот спектакль таких денег.

0

117

"Ромео и Джульетта", ледовое шоу Ильи Авербуха, МСА Лужники, 02.11.2017

http://s008.radikal.ru/i306/1711/75/55ff627f057d.jpg

Что ж, несмотря на все неудобства, связанные с закрытием удобного выхода метро «Спортивная», я все же решила не пропускать «Ромео и Джульетту» на льду. Все-таки это универсальная история, да и был же раньше очень любимый одноименный мюзикл на сцене Театра Оперетты. А в составе певцов этого ледового спектакля пара человек из того мюзикла были указаны.

Помнится, мне вполне понравилась «Кармен» Ильи Авербуха, но и сейчас в целом было не хуже. Первое, что меня удивило, так это подход дать отцу Лоренцо (Алексей Тихонов) микрофон и как бы показать историю с его точки зрения. Это скорее удачный ход, чем нет, если сделать скидку на то, что Алексей – фигурист, а не актер. Из таких вот условно безымянных и сквозных персонажей еще запоминается Чума, причем совершенно прозрачно, почему («Чума на оба ваши дома!»). В остальном это постановочно обычный спектакль, совсем без откровений.

Здесь довольно много массовых сцен, что я не очень люблю в шоу Авербуха, гораздо больше предпочитая сольные номера фигуристов или пар. Впрочем, в РиДж массовые сцены оправданны и нужны: в них должна быть эта ненависть, выжигающая душу вражда, перманентные битвы как основных героев, так и безвестных представителей кланов Монтекки и Капулетти. Несмотря на то, что персонажи даже на шпагах сражались, в целом, массовые сцены получились сумбурно, а вот этого ощущения ненависти не было. Единственная массовая сцена, которая реально понравилась – это сам бал, где встречаются Ромео и Джульетта, а точнее, понравился переход от сольной сцены пары к массовой, когда вокруг героев вдруг возникает хоровод, движение: это смотрится очень эффектно. Но в целом, на льду часто слишком много массовки, среди которой теряются солисты. Если уж массовая сцена есть, то пусть она будет выстроена максимально стильно, графично, пусть в ней будет мысль, а не просто элементы на льду. Пусть все это будет похоже на танец, как в тех же мюзиклах, на которые шоу Абербуха пытаются быть похожими. В конце концов, в его руках профессиональные спортсмены.

Как обычно, хочу поругать за трюкачество и гимнастику на льду. Вот не люблю категорически. Я же иду на ледовый спектакль, а все эти прыжки через голову и висения на лонжах – нет, не мое, лучше бы этого не было. А в РиДж подобное еще и категорически не в тему. А похвалить хочется за ряд очень интересных сольных номеров. В первую очередь, это очень музыкальный, цельный, хорошо выкатанный номер Ильи Кулика (Парис) при встрече с четой Капулетти. Вот очень здорово. Вроде, и ничего особенного, но все точно, все в музыку, все интересно, а еще и тройные лутц и флип прыгает до сих пор! Очень понравился номер Романа Костомарова (Тибальт), когда его наполняет ненависть. Здесь и музыкальное сопровождение сложилось, и он сам очень хорошо, что прямо мурашки по коже.

Теперь об исполнителях. Ромео и Джульетта. Молодая была немолода (с). Ну что тут скажешь… Татьяна Тотьмянина и Максим Маринин до сих пор в классной форме, как показалось, а выбросы тройной риттбергер делают как раз плюнуть. Странно видеть фигуристов за тридцать (или сорок?) в роли юных влюбленных. Впрочем, Татьяна изо всех сил пытается вписываться и соответствовать, и у нее это частенько получается. Да, она бывает нежной. Мне понравилась очевидная символика в образе и номерах Джульетты с куклой как символом детства, с фатой как символом замужества и взрослой покорной и несвободной жизни, в руках героини превращающейся в веревку. Впрочем, в ее Ромео мне особо ничего не понравилось. Единственный настоящий момент, который зацепил – это сцена дуэли, смерть Меркуцио – вот там в перманентную ненависть Ромео вдруг веришь. А в остальном какой-то усталый герой…

Я уже упоминала, как мне запомнился Тибальт, и это чуть ли не лучшее, что есть в этом шоу. Роман Костомаров очевидно хорошо чувствует своего героя, подверженного страстям, искреннего в своей вражде. Метущийся и ненавидящий образ, очень сильный. Алексей Ягудин как Меркуцио впечатлил гораздо меньше. Мне в нем что ли хулиганистости, задора не хватило, он был слабее как образ на фоне Тибальта… Прыгал, кроме тулупа, еще лутц, насколько помню, но хуже, чем Кулик. Относительно новые участники всех этих шоу Татьяна Волосожар и Максим Траньков в роли герцога Вероны и его жены. Определенно, они на своем месте. Единственная пара, которая делала подкрутку (показалось, что тройную, но в дальнем конце катка, да я и моргнула), еще был выброс-риттбергер, Таня выехала, но хуже второй Тани. Максим в роли главного в Вероне смотрится великолепно: власть, необходимость как-то мирить две семьи - пожалуй, все это в Максиме есть. Роль Тани Волосожар тут менее очевидна, может, она как своеобразная утешительница для леди Монтекки и леди Капулетти, не знаю.

Собственно, из двух семей мне больше импонировала чета Капулетти. На мой взгляд, достаточно яркая пара, и взаимодействовали с Джульеттой очень убедительно. Роль Кормилицы (Яна Хохлова) очень маленькая и комедийная, а Яну в этой роли совсем не узнать, я даже огорчилась. Бенволио-Максим Шабалин настолько в маленькой роли, что даже сказать нечего. Из маленьких, но важных ролей, выделяется однозначно Чума. Оксана Домнина просто великолепная. Такая обволакивающая, вездесущая. Но чего мне не хватило, это какого-то жеста характерного для Чумы, когда она забирает очередную жизнь или ставит очередную метку. Например, могла бы дарить свой поцелуй обреченным. И обязательно быть с Ромео и Джульеттой в их самые светлые моменты, но где-то на заднем плане. Отец Лоренцо, как уже упоминалось, такой сквозной персонаж, который рассказывает историю. Наверное, это все, что о нем можно сказать… Лаура (Мария Петрова) – это, конечно, важное его воспоминание, но почему-то не зацепило, да и создало вопрос: он же священник, какая Лаура?..

Если говорить о финале, то в нем не было эффектной точки, а именно было смазано примирение сторон. Традиционная песня о любви, но вот именно мир двух враждующих домов – не было его, и это очень огорчило.

Совсем забыла написать про оформление – костюмы. Очевидно, что разделение кланов должно быть, в костюмах оно читается (красные и синие), но не во всех и не всегда. У того же Тибальта костюм черный, а не красный, да и прочие часто элемент цвета теряют. Это, кстати, портит и эффект от сцен вражды, потому что нет очевидности, кто за кого. В случае с Ромео и Джульеттой цветовое оформление костюмов тоже часто теряется. Думаю, был бы смысл каждому из кланов иметь хоть какую-то вещь, какую-то повязку своего цвета в любой абсолютно сцене. Здесь вопросы и к Чуме. Она красная, а это цвет клана Капулетти. Было бы ей правильнее быть черно-белой, серой, но не красной. В освещении тоже такое разделение имело бы смысл обыгрывать.

Теперь о музыке и певцах. Были Евгения Рябцева, Анна Лукоянова, Роман Графов и Руслан Ивакин. Предсказуемо, но обидно, что Стаса Беляева не было, видимо, они с Романом – переменные. Музыка показалось совершенно не выдающейся, вторичной, часто без акцентов. Наверное, если я слышу, что у нас ледовый мюзикл, я хочу больше песен. Здесь я бы даже была рада переносу стационарного мюзикла на лед. Да как угодно. А не вот эти полторы песни. Которые, к тому же, перемежаются со знаменитыми мелодиями, к которым композитор Игнатьев точно не имеет отношения. Впрочем, это и в «Кармен» было. Те, что есть, песни здорово проигрывают РиДж, что шел в Оперетте, у этих характера совсем нет. Забавно, но есть здесь и своя «Вражда», которую поют две четы Монтекки и Капулетти, но я совсем не могу ее вспомнить, кроме как то, что она есть. Кстати, возвращаясь к солистам. Хоть Графов и не Беляев, но здесь прямо очень понравился, в отдельных сценах был во много раз более убедителен как Ромео, чем фигуристы на льду. Я бы на него в этой роли и на сцене посмотрела. Хорош, правда.

Еще сразу хочу сказать о продолжительности: все 3 часа, с учетом поклонов. Мне не кажется, что затянуто, просто далеко до метро идти, в Москве все основные площадки для ледовых шоу/соревнований далеко от метро, это надо учитывать при постановке… Шоу вполне стоит похода на него разового; на мой взгляд, людей было меньше, чем на предыдущих творениях Авербуха, но все равно прилично. Жалко только, что составы певцов заранее никак не узнать… Лично моя печаль.

0

118

"Аудиенция", Театр Наций, 06.12.2017

http://s001.radikal.ru/i193/1712/7a/f62decf34948.jpg

Одним из горячо желаемых мною спектаклей был новый спектакль Театра Наций «Аудиенция»: постановка, о которой говорили в новостях на Первом канале, о которой писала пресса. А еще этот спектакль поставил Глеб Панфилов, а главную роль играет Инна Чурикова. Естественно, что взять сколько-нибудь доступные по цене билеты на эту постановку становится большой проблемой, но вот мне повезло.

По идее, я знала, на что я шла. «Аудиенция» - это серия интервью, так называемых аудиенций, которые проводит британская королева по вторникам вот уже много десятилетий, как проводили до нее ее венценосные предки. Таким образом, сложно говорить что-то о сюжете, сложно привнести что-то новое, модерновое в подобную постановку. В Британии роль королевы в «Аудиенции» играла известная актриса Хелен Миррен, и, кажется, показ этой постановки в рамках TheatreHD проходил и в наших кинотеатрах. Все говорит о том, что в центре должна быть звезда, а сам спектакль неизбежно превращается в бенефис, постановку с одной ролью и массовкой. Инна Чурикова – однозначно такая звезда, и, не будь королевой она, смотреть было бы просто скучно.

Но вернемся к спектаклю. Все в его оформлении, как визуальном, так и музыкальном – это дорого-богато. Много золота, шика, блеска, много и часто меняются костюмы. Это неудивительно, ведь действие происходит в королевском дворце, впрочем, было бы лукавством сказать, что только в нем. За время своих аудиенций королева оказывается и в больнице с одним из своих премьер-министров, и в своей резиденции, сидя на балконе, слушая «дождь-проказник» и любуясь на живописные виды, что открываются с ее балкона. Эта смена помещений с учетом строгих ограничений формата постановки просто необходима, чтобы за 3 часа зритель не заскучал. На это же направлены и маленькие отступления с балконом самого дворца и памятником королеве Виктории прямо перед ним, с танцующей парой, с очаровательной венценосной девочкой, с воспоминаниями… Маленькие отвлечения, призванные приободрить и придать динамики.

Хотя какая-то динамика, действие присутствует даже во время этих интервью. Как и ее премьер-министры, королева в разные моменты своей жизни разная, она по-разному ведет себя. Диалоги с одними министрами не похожи на диалоги с другими. В действиях часто присутствует наливаемый чай, причем зачастую любопытно наблюдать за построенным языком жестов между королевой и министром. Да и сами министры разные: кто-то сдержанный, кто-то чуть ли не подпрыгивает, кто-то комедиант, кто-то размахивает газетой.

Перед глазами проносятся люди и эпохи, и только краткая справка Конюшего зачастую заставляет смотреть на министров серьезно, настолько они могут казаться человечными и даже слабыми во время этих аудиенций. Хочется отметить, что королева не одинаково беседует с премьер-министрами. Скажем, королева совсем молодая, когда беседует с Черчиллем, и кажется, что это он берет интервью у молодой королевы, а вовсе не она у него. Зато в дальнейшем такого ощущения почти никогда не возникает: королева не просто ведет задушевные беседы, но вытаскивает что-то из подсознания этих людей, которые перед ней почти беспомощны, но за пределами ее кабинета правят судьбами. С другой стороны, кто-то склонен просто выкладывать королеве информацию, не приближаясь к человеческим отношениями ни на грамм, а кто-то ведет беседу чуть ли не с позиции силы (как Тэтчер), и это весьма эмоционально. Так что интервью разные, и этим они даже интереснее, чем их содержание.

В программке было указано, что автор адаптировал пьесу для России, сконцентрировав внимание на российско-британских отношениях. Ох, зря это было сделано! Интересно наблюдать за беседами королевы на относительно отвлеченные темы, поскольку легко допустить, что она и правда так говорила. Но когда актеры на сцене начинают нести откровенную «пургу» про смерть Сталина, про Горбачева и разрушение СССР, про Украину (за что?!), хочется заткнуть уши и зажмуриться. Это уже не беседа королевы и премьер-министра, это какое-то шоу на федеральном канале получается. Причем королева здесь представлена как мудрый человек, а позиции, которые она высказывает или излучает, направлены на то, чтобы потешить…российский патриотизм. Да и выглядят подобные вставки как у собаки пятая нога. Лишь удлиняют постановку, и ничего хорошего не несут.

Подбор тем для интервью тоже несколько странный. Некоторые откровенно важные темы, вроде смерти принцессы Дианы, просто не упомянуты. Почему? Зато о России много и активно.

Из актеров однозначно интересно наблюдать за Инной Чуриковой, которая умудряется невероятно правдоподобно играть королеву от ее юных лет до старости. Она преображается: она ведет себя как молодая, когда это требуется, или как просто зрелая, или как немолодая. Она меняется и чувствует свою героиню. Все окружающие ее премьер-министры выглядят массовкой, запоминается лишь (и неприятно) образ Дэвида Кэмерона, который явно намерено изображен просто клоуном. Почему? Что за нелепость? Зато запоминается еще очаровательная юная леди, чья роль остается в некоторой степени загадкой. Совсем не понятно, это юная Елизавета, как указано в программке, или кто-то еще? Ведь основная Елизавета активно с ней взаимодействует. Это воспоминание? Видение? Если так, то передано плохо.

Могу предположить, что для многих этот спектакль покажется скучным. Действительно, если совсем не интересно про политику, про психологию, хочется действия, сюжета, то «Аудиенция» не для вас. Мне почти не было скучно, не считая дописанных моментов, когда выть хотелось. А в целом профессионально, но ничего выдающегося нет, хороший средний уровень. Я очень удивилась изначально, что такая громкая постановка не попала в номинацию на «Золотую маску», но теперь понятно, что не за что. Я ожидала большего, хотя точно не жалею, что сходила. Но билеты можно и подешевле сделать.

0